Analogy. Una copertina tra performance, body art e utopia hippie, di Renata Gatti

 

Analogy. Una copertina tra performance, body art e utopia hippie

di Renata Gatti

 

La copertina dell'album Analogy, pubblicato nel 1972, appartiene a quel ristretto gruppo di immagini che hanno saputo superare la loro funzione originaria per diventare vere opere visive. Ancora oggi viene ricordata come una delle copertine più audaci e discusse dell'intera stagione del progressive rock italiano. Dietro quella fotografia si cela un progetto sorprendentemente complesso, nato dall'incontro tra l'idea di Antonio Cagnola e la realizzazione fotografica di Alberto Carzaniga. Lo scatto risale in realtà al 1971, un dettaglio apparentemente secondario che si rivelerà fondamentale per comprendere la forma definitiva dell'artwork.

I protagonisti dell'immagine sono gli stessi musicisti del gruppo. Vengono ritratti integralmente nudi in un prato all'aperto, con il corpo ricoperto da decorazioni dipinte che richiamano forme botaniche stilizzate e motivi arabescati. Quattro figure si raccolgono attorno a un masso mentre una quinta compare isolata accanto a un'ampia fascia blu oltremare che attraversa verticalmente la copertina. Una chitarra, una grancassa e alcuni veli leggeri costituiscono gli unici elementi estranei alla presenza umana.

A una prima osservazione si potrebbe essere portati a leggere la fotografia semplicemente come una provocazione costruita sulla nudità. In realtà il lavoro di Carzaniga appare molto più sofisticato. Le pose sono statiche, quasi rituali. I corpi perdono gran parte della loro dimensione quotidiana e vengono trasformati in elementi plastici immersi nel paesaggio. Il body painting modifica la percezione delle forme anatomiche e contribuisce a una sorta di metamorfosi visiva che avvicina i musicisti a sculture viventi inserite nel verde.

In questo equilibrio tra natura, immobilità e rappresentazione emerge con particolare forza la figura della cantante Jutta Nienhaus. La sua presenza catalizza immediatamente lo sguardo dell'osservatore e finisce per assumere il ruolo di figura centrale dell'intera composizione. Più che una semplice componente della band, appare come una musa contemporanea, una presenza magnetica che riflette il carattere teatrale e intensamente espressivo della sua vocalità.

La nudità proposta dagli Analogy va inoltre collocata all'interno del contesto culturale dei primi anni Settanta. In quel periodo il corpo nudo non rappresentava soltanto un elemento estetico o decorativo. Era spesso un linguaggio attraverso cui mettere in discussione convenzioni sociali, morali e culturali. La copertina sembra inserirsi pienamente nel clima di liberazione che caratterizzò il movimento hippie e la controcultura internazionale, evocando un rapporto diretto con la natura e una dimensione quasi rituale dell'esistenza.

La fotografia dialoga apertamente anche con la Body Art, una delle espressioni artistiche più significative di quel periodo. In questa corrente il corpo diventava supporto dell'opera, superficie pittorica, strumento performativo e mezzo di riflessione politica. Il colore applicato sui corpi dei musicisti sottrae il nudo alla sua dimensione ordinaria e lo trasforma in un'esperienza artistica tridimensionale. Pittura, fotografia e performance convivono così all'interno della stessa immagine.

Da questo punto di vista è interessante osservare come l'opera anticipi suggestioni che oggi possono richiamare il lavoro di Vanessa Beecroft. Pur appartenendo a generazioni e contesti diversi, entrambe le esperienze sembrano condividere una medesima intenzione. Il corpo viene sottratto alla quotidianità per essere collocato in una dimensione simbolica, sospesa e quasi mitica, nella quale la presenza umana assume il valore di una costruzione estetica e concettuale.

Uno degli aspetti più curiosi della copertina riguarda però la celebre fascia blu che occupa una parte rilevante dell'immagine. L'elemento, apparentemente concepito come scelta grafica, nasce in realtà da una necessità pratica. Quando venne realizzata la fotografia il gruppo si chiamava ancora Yoice e la formazione comprendeva anche il bassista Mauro Rattaggi. In seguito al cambio di nome e all'uscita del musicista dalla band, si decise di recuperare il servizio fotografico senza realizzarne uno nuovo. La soluzione fu quella di coprire la figura di Rattaggi con la banda blu, sfruttandola contemporaneamente come spazio destinato al nome del gruppo e del disco.

Quello che poteva apparire come un semplice espediente tecnico si trasformò così in uno degli elementi più riconoscibili dell'intera composizione. La fascia verticale introduce infatti una forte tensione cromatica e geometrica all'interno di una scena altrimenti dominata dalle forme organiche della natura e dei corpi. L'intervento grafico modifica la lettura dell'immagine senza comprometterne l'equilibrio visivo.

Anche dal punto di vista fotografico il lavoro rivela una notevole competenza. La nitidezza della scena, la profondità di campo estesa e l'assenza di evidenti distorsioni suggeriscono una costruzione accurata dell'inquadratura. La luce naturale appare morbida e uniforme, contribuendo a creare un'atmosfera sospesa che accentua il carattere performativo della rappresentazione. Nella fotografia nulla appare improvvisato. Ogni elemento sembra concorrere alla creazione di un'immagine in equilibrio tra documento, messa in scena e opera artistica.

Anche l'intervento successivo che inserì la fascia blu appartiene a una stagione della grafica ormai scomparsa. Tutto il processo venne infatti realizzato con strumenti analogici, attraverso montaggi fotografici e fotocomposizioni eseguite manualmente, in un'epoca in cui le possibilità offerte dal digitale erano ancora lontane. Questo dettaglio contribuisce ad accrescere il fascino storico dell'opera e testimonia il livello di artigianalità richiesto dalla progettazione grafica discografica di quel periodo.

Rimane infine un ultimo elemento affascinante. Nonostante abbia firmato una delle immagini più iconiche e ricercate dai collezionisti del progressive rock internazionale, Alberto Carzaniga resta una figura relativamente poco documentata. In qualche modo la sua storia riflette quella di molti creativi attivi nella Milano dei primi anni Settanta, protagonisti di una stagione irripetibile nella quale fotografia, musica, grafica e avanguardia dialogavano continuamente senza preoccuparsi delle distinzioni disciplinari.

A oltre mezzo secolo dalla sua comparsa, la copertina di Analogy continua a colpire perché riesce a tenere insieme numerosi livelli di lettura. È documento di un'epoca, manifesto di una sensibilità controculturale, esperimento vicino alla Body Art e raffinata costruzione fotografica. La sua forza non risiede soltanto nell'audacia della nudità, ma nella capacità di trasformare un semplice ritratto di gruppo in una riflessione visiva sul corpo, sulla natura e sulla libertà espressiva.

ASCOLTO

Tracklist

Lato A

1.   Dark Reflections – 7:00 (Martin Thurn)

2.   Weeping My Endure – 4:50 (John Milton, Martin Thurn)

3.   Indian Meditation – 4:10 (Martin Thurn)

4.   Tin's Song – 1:40 (Martin Thurn)

Lato B

1.   Analogy – 9:45 (Analogy)

2.   The Year's at the Spring – 4:35 (Elizabeth Barrett Browning, Martin Thurn, Jutta Nienhaus)

3.   Pan-Am Flight 249 – 5:15 (Martin Thurn, Jutta Nienhaus)

 

Formazione

Jutta Nienhaus: voce

Martin Thurn: chitarra elettrica, chitarra acustica a 12 corde, flauto, bongos

Wolfgang Schoene: basso

Nicola Pankoff: tastiere

Hermann-Jürgen "Mops" Nienhaus: batteria

Mauro Rattaggi: basso (presente nelle traccie bonus delle edizioni successive)