UN’INTERVISTA con FRANCO OLIVERO
Zona Franca è il tuo nuovo album, un decennio da La sottile fune. Che differenze ci sono rispetto al precedente?
In linea di massima l’aspetto principale che differenzia i due
album è la componente interattiva tra i musicisti. Questo aspetto è
sostanzialmente la conseguenza di un dato più organizzativo che compositivo. La sottile fune è un disco maggiormente
“costruito” dove ogni singolo brano è stato elaborato come se avesse una
propria individualità. I brani sono stati registrati in tempi diversi e con una
attenzione rivolta appunto al singolo pezzo come se, da un punto di vista
registico, ad ognuno di essi venisse fornito un diverso contesto scenografico
benchè legato da una unità di percorso e
di stile.
In Zona franca invece
direi che emerge maggiormente un sound di gruppo: il disco è stato provato e
registrato in un “unico respiro” con l’intenzione di creare, in linea di
massima, l’idea di ascoltare un ensemble di musicisti che dialogano e interagiscono
in un tempo verosimilmente reale.
Mai come in questo disco
c’è un legame tra passato e presente, visto che vengono a galla tue precedenti
esperienze filtrate alla luce dell’attualità. Qual è la chiave con cui ti sei
avvicinato a questi “frammenti” del passato?
Onestamente da una paura che a sua volta si è trasformata in
necessità: la necessità di non voler chiudere in un cassetto una serie di
frammenti, appunti, idee sonore che in parte avevano fornito l’impronta sonora
di contesti artistici non solo musicali (piece teatrali, reading, danza
contemporanea...) o che invece sarebbero rimasti sulla carta o sul software
musicale del mio mac se non avessero trovato un contesto adeguato per essere
espresse. Da qui l’idea di rifare un disco dopo tanto tempo. La fase di ricomposizione
di questo materiale è stata appunto elaborata in questa prospettiva e anche
dalla voglia di condividere i miei brani con stimati musicisti.
Zona Franca può essere considerato un “manifesto” della tua musicalità, mai
schierata apertamente nel jazz, nella colta o nella world music, ma situata al
crocevia tra queste aree. Vivi questo eclettismo di fondo come un limite o
un’opportunità?
Senz’altro come un’opportunità e soprattutto una libertà da un
punto di vista prettamente creativo. Per contro però questo che tu definisci
eclettismo e che in modo forse un po’ presuntuoso io definisco “ricerca
stilistica” mi ha sempre creato dei problemi, diciamo così, di mercato, poichè
il risultato è una musica non etichettabile e quindi difficilmente collocabile.
Tra La sottile fune e Zona Franca
c’è stato il bell’exploit di Chiara Rosso (Elemento
H2O, del 2013) nel quale hai avuto un ruolo significativo. Quando lavori per altri artisti, in che modo
cambia il tuo approccio alla materia musicale?
Vivo con immenso piacere il fatto di poter essere chiamato da
altri artisti che conoscono e ri/conoscono la mia identità allo stesso modo che
io posso riconoscere la loro. Amo poter interagire con progetti originali dove
emerge una peculiare identità espressiva all’interno della quale anche io possa
essere a mio agio. Direi dunque che sostanzialmente non cambia se gli aspetti
descritti sopra sono in equilibrio.
Chiara Rosso è una delle
figure che arricchiscono Zona Franca,
insieme a lei troviamo musicisti blasonati come Paolo Franciscone, Francesco
Bertone, Paolo Masia e Marco Allocco. Hanno offerto un contributo puramente
esecutivo o li hai coinvolti anche nella scrittura e negli arrangiamenti?
Certo, grandi musicisti e grande vocalist! Più che sull’arrangiamento
sono intervenuti, come già forse ho lasciato intendere, come singole identità
che intervengono con la loro forte personalità su un progetto organizzato: in
sostanza se in Zona Franca non ci
fossero stati loro ma altri musicisti, il disco non suonerebbe così.
Flauto, violoncello, piano
e sintetizzatori, contrabbasso e batteria: Zona
Franca ha un organico piuttosto sui generis…
Beh si... e considera questa volta mi sono “tenuto”... Nell’album
precedente in aggiunta c’erano anche flauti etnici (come d’altronde nel cd di Chiara
e in un solo brano di questo album) e altri strumenti percussivi. In realtà mi
piace pensare che l’organico di questo lavoro è composto da una ritmica jazz
con la parte melodica affidata al sax e al flauto (e qui possiamo stare ancora
nell’ambito del quartetto jazz ) ma con l’aggiunta di uno strumento consuetamente
considerato classico ma che dal mio punto di vista e ovviamente non solo il mio
(vedi il successo dei 2 cellos) è uno strumento ricontestualizzabile in diversi
ambiti stilistici. È ovvio che il violoncello è uno strumento che io amo
molto, ma per ciò che mi riguarda, soprattutto il
violoncellista (nel caso specifico Marco Allocco) che fa la differenza.
Sei un autore aperto alla
diversità, infatti operi tra teatro, cinema, danza contemporanea e arti visive.
Qual è l’elemento musicale che accomuna i tuoi lavori in tutti questi ambiti?
La libertà espressiva che paradossalmente questi ambiti
extramusicali offrono. Cerco di spiegarmi: se fai un lavoro solamente musicale
prima o poi devi porti il problema di farlo stare in uno stile riconosciuto ed
etichettabile. Se invece, supponiamo, lavoro con un attore l’attenzione è rivolta
ad altre componenti: il testo, il modo di esprimerlo di quell’attore, la trama
emozionale che si vuol creare... e dunque: non mi pongo più il problema se ho o
non ho un fraseggio jazz, se faccio un
richiamo melodico che assomiglia ad una ninna nanna di tradizione orale o
classica ecc... Ecco da dove arriva il mio eclettismo, dalla necessità (piacevole)
di creare dei quadri emozionali, delle immagini, delle suggestioni veicolate da
quell’immenso universo comunicativo che è la
musica.
E poi... la mia passione per le arti visive è ereditaria: mio
padre lavorava in ambito pittorico ed io oltre agli studi musicali ho fatto il
liceo artistico.
Un’altra area importante
nella quale lavori è la musicoterapia: in che modo questa attività penetra
nella composizione di Franco Olivero?
Se da un lato tendo a distanziare i due ambiti professionali (quello
del musicoterapista da quello del musicista)
non posso negare che in qualche modo l’uno influenza l’altro: la
formazione e soprattutto l’esperienza pratica della musicoterapia mi ha
insegnato ad ampliare il mio range di ascolto (in termini non solo musicali) e
di ricerca di comunicazione con particolare attenzione all’aspetto del dialogo
interattivo. Questo ha sicuramente condizionato la scelta dei musicisti che
impersonano l’aspetto che io definisco “sano” del jazz: cioè quello dell’interplay
contrapposto a quello insano e autoreferenziale dell’esibizionismo tecnico. È
anche vero che ( la domanda che me lo fa venire in mente) alcune idee
compositive sono nate suonando il pianoforte nella mia aula in attesa tra una
seduta e l’altra...
Zona Franca fa parte della scuderia Ultra Sound Records, che ha in catalogo
nomi come Eric Marienthal, Gigi Bonafede e Fabrizio Poggi. Un artista come te,
colto e poliedrico, come vive l’attuale crisi della discografia?
In maniera disorientata: ho un figlio adolescente che suona la
chitarra e ama il metal ma... non ha un disco e... ecco l’aspetto
disorientante: per noi il fatto di possedere il disco oltre essere un punto di
arrivo, una tangibile conquista, in qualche modo era anche un po’ vissuto come
una sorta (perche no?) di “avvicinamento all’artista”, un po’ come quando di un pittore si acquista
un’opera. Ma mi fermo qui dicendo che non è solo una questione di musica solida
o liquida, di accesso conquistato o facilitato alla musica: la questione è il
rispetto per chi opera nel settore, per chi studia, per chi ha idee, talento e
soprattutto originalità. Non vedo più energia nè imprenditoriale né mediatica
che vada in tal senso, ciò mi rattrista molto ma... spero di sbagliarmi.
Biografia
Il suo percorso biografico musicale ha inizio quando una naturale
attrazione ed un particolare coinvolgimento emotivo si traducono, con una certa
immediatezza, nell’espressione musicale spontanea sin dagli anni
dell’infanzia. Suona per molti anni a orecchio su una piccola tastiera
prima di iniziare a prendere lezioni private di pianoforte per poi passare allo
studio del flauto traverso in Conservatorio. Consegue il Titolo
Accademico in musica jazz presso il Conservatorio Ghedini di Cuneo con
il massimo dei voti.
Negli anni '70 iniziano le session e gli happening
musicali più o meno organizzati, caratteristici di quegli anni, e si trova
coinvolto ad accompagnare cantautori dall’impronta politica, gruppi spontanei
od organizzati di musica popolare o rock. Inizia in quegli anni la
collaborazione con Gian Maria Testa, che proseguirà sino agli anni
'80 attraversando i generi sopra menzionati.
Tiene parecchi concerti in Italia e in Francia. La
frequentazione di ambiti artistici altri (teatro, cinema, danza contemporanea,
arti visive) fa sì che i suoi interessi e la sua ricerca si orientino verso
generi musicali maggiormente affini alla descrizione, all’evocazione, alla
libertà espressiva. Da allora inizia a comporre, sotto forma di colonna sonora,
performance dal vivo, musica per gli ambiti sopraccitati in Italia, Francia,
Belgio, Spagna, Corea. Tra le compagnie di teatro e danza frequentate
vi sono: Teatro dell’Angolo, Compagnie de Dance Contemporaine Denis Pacalet,
Teatre de l’Absinte, Produzioni Officina, Impresa Odile, Compagnia Il
Melarancio, ecc.; per il cinema e il video: Riccardo Simeoni, Alma
Video, Stella Polare Film, Filodiretto, Remo Schellino.
Negli anni '80 nasce l’interesse per la musicoterapia: dopo
una serie di frequentazioni e ricerche teoriche e sul campo, si diploma con il
massimo dei voti presso il C.E.P. di Assisi e frequenta i quattro livelli della
formazione secondo il Benenzon Model. Svolge da anni l'attività di consulente
in musicoterapia presso alcune strutture residenziali e diurne per portatori di
handicap. Conduce laboratori sull'espressione sonoro-musicale in ambito
scolastico e nella formazione socio-educativa. Insegna presso ambiti formativi
ed accademici e tiene diversi seminari tematici.
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