«Nel 1968 suonavo nella band di Gabriella
Ferri, che alla fine dell’estate doveva incidere per la RCA il suo terzo album,
in cui c’erano otto mie canzoni. Riccardo Michelini, direttore artistico della
casa discografica, mi chiese se avessi altri brani e il gruppo per registrarli.
Risposi affermativamente. Ovviamente mentivo. I brani c’erano, ma non la band
per eseguirli. Allora reclutai alcuni amici musicisti e mio fratello Gianni al
pianoforte.
La formazione si allontanava dal cliché
imperante due chitarre-basso-batteria. Il provino andò bene e firmammo il
contratto. Arrivarono i poster per la band, due produttori artistici (Piero
Pintucci e Cesare Di Natale), la registrazione dell’album: un sogno a occhi
aperti. Passarono altri due anni, ma quel disco rimaneva nel cassetto, perché
ritenuto poco commerciale.
Nel 1970 la RCA ne pubblicò tre pezzi nella
compilation Sound ’70, divisa con il Balletto di Bronzo, i Trip e gli Showmen.
Decisi di cambiare strada con nuovi elementi, tenendo solo mio fratello. Il
primo che trovai fu Marcello Todaro dei Fiori di Campo (chitarra), poi tre
elementi del gruppo Le Esperienze: Francesco Di Giacomo (voce), Renato D’Angelo
(basso) e Pierluigi Calderoni (batteria). Un nuovo provino con “RIP” non
commosse le orecchie dei dirigenti RCA, così capii che il Banco doveva andare a
Milano, dove firmò per la Ricordi e registrò il “Salvadanaio”, “Darwin!” e “Io
sono nato libero”: tutti ai vertici della classifica italiana di vendita, altro
che band non commerciale. Per anni, quando passavo davanti all’RCA, mi sono
esibito in un pernacchio degno di Eduardo De Filippo ne “L’oro di Napoli!”».
(Vittorio Nocenzi)
Usciva il 3 maggio 1972 “Banco Del Mutuo Soccorso”, primo omonimo lp
della band romana, il famoso “Salvadanaio”.
Il progressive rock in Italia non fu più lo
stesso!
Di tutto un Pop
Wazza
Dalla rete…
Risolti i rapporti con la RCA, il gruppo migra
a Milano dove comincia a farsi notare "nel giro", calcando tra
l'altro i palcoscenici dello storico locale "Carta Vetrata" (Bollate)
e del "Nautilus" di Cardano al Campo.
Notati dal produttore Sergio Colombini che li
porterà alla Ricordi, il sestetto inizia così una nuova avventura discografica,
che parte nella primavera del '72 con un capolavoro del Prog Italiano:
"Banco del Mutuo Soccorso", album noto anche come "Salvadanaio"
per via della sofisticatissima copertina fustellata su un disegno di Mimmo
Melino.
Musicalmente il disco è straordinario tanto
che "In Volo" sembra essere una delle migliori delle possibili
opening tracks della storia del progressivo italiano: una sorta di breve
respiro psichedelico, misto a sottili avvisaglie prog che troveranno conferma
sin già dal brano successivo. Insomma: "Ciò che si vede, è!".
In "R.i.P." poi, l'impostazione del
sound del BMS si rivela in tutta la sua maestosità e poesia: superbe galoppate
ritmiche supportano una vocalità limpida e decisa, che esalta chiaramente ogni
raffinatezza dei testi, incentrati sugli orrori della guerra.
Ogni strumento prende posto nello spettro
sonoro senza alcuna prevalenza, e questo, malgrado il potenziale ingombro
timbrico delle doppie tastiere.
I virtuosismi personali sono relativamente
limitati e conferiscono al lavoro un groove solido e omogeneo.
La voce di voce di "Big" Di Giacomo
arriva e si ritrae come un'onda alternando momenti di calibrata prepotenza a
dinamiche più sottili.
Per esempio, nel brevissimo
"Intermezzo", questa sembra affievolirsi in un momentaneo commiato,
ma si fa desiderare nelle vulcaniche parti strumentali di
"Metamorfosi": vero e proprio pezzo di bravura del gruppo.
Largamente impostato su sonorità rock,
"Metamorfosi" è una magistrale dimostrazione di equilibrio e abilità
in cui il "Banco" attesta sia la sua completa indipendenza da schemi
precostituiti di stampo anglosassone, sia la sua capacità di sfruttare al
meglio la sua peculiarità di "primo gruppo mediterraneo a due tastiere
complementari".
Il resto è una ritmica selvaggia su cui si
appoggiano all'occorrenza i contrappunti e le varie sonorità delle chitarre di
Todaro.
In "Metamorfosi", si badi bene, non
c'è barocchismo esasperato: rock, psichedelia e citazioni classiche si
mescolano in un kernel saldo e inamovibile. E solo dopo 8 lunghi minuti torna
la voce ad introdurre, in un potente finale, quella che sarà la suite
memorabile del disco: la chilometrica "Il giardino del mago" (18
minuti e mezzo).
Nel "Giardino", la band sperimenta
tutte le sue potenzialità narrative sviluppando con equilibrio diverse varianti
sinfoniche del tema principale. Nel rifiuto di qualsiasi ovvietà melodica,
momenti molto tesi e soavi si alternano a movimenti di rock sinfonico alternati
con breaks dal vago sapore psichedelico, classico o addirittura spaziale.
Il finale del brano è un rock progressivo puro
che sfocia nel brano conclusivo "Traccia": giusta sintesi di barocco,
rock duro e radicale mediterraneità.
Più aggressivo della PFM, il Banco del Mutuo
Soccorso offre con questo suo primo lavoro un biglietto da visita difficilmente
ignorabile, se non altro per la sua mirabile sintesi di stili precostituiti e
inventiva propria.
Acclamato da ogni frangia dell'underground,
raggiungerà vette commerciali notevoli e spianerà una luminosa carriera al
gruppo.
Dovendo trovarvi dei difetti, si rimane
veramente in difficoltà. Forse l'eccessiva tendenza ad esasperare o
"dinamizzare" certi passaggi potrebbe essere motivo di critica,
esattamente così come l'aulicità dei testi, ma sono quisquilie.
L'album del "salvadanaio" è
semplicemente perfetto.
In "Metamorfosi", si badi bene, non
c'è barocchismo esasperato: rock, psichedelia e citazioni classiche si
mescolano in un kernel saldo e inamovibile. E solo dopo 8 lunghi minuti torna
la voce ad introdurre, in un potente finale, quella che sarà la suite
memorabile del disco: la chilometrica "Il giardino del mago" (18
minuti e mezzo).
Nel "Giardino", la band sperimenta
tutte le sue potenzialità narrative sviluppando con equilibrio diverse varianti
sinfoniche del tema principale. Nel rifiuto di qualsiasi ovvietà melodica,
momenti molto tesi e soavi si alternano a movimenti di rock sinfonico alternati
con breaks dal vago sapore psichedelico, classico o addirittura spaziale.
Il finale del brano è un rock progressivo puro
che sfocia nel brano conclusivo "Traccia": giusta sintesi di barocco,
rock duro e radicale mediterraneità.
Più aggressivo della PFM, il Banco del Mutuo
Soccorso offre con questo suo primo lavoro un biglietto da visita difficilmente
ignorabile, se non altro per la sua mirabile sintesi di stili precostituiti e
inventiva propria.
Acclamato da ogni frangia dell'underground,
raggiungerà vette commerciali notevoli e spianerà una luminosa carriera al
gruppo.
Dovendo trovarvi dei difetti, si rimane
veramente in difficoltà. Forse l'eccessiva tendenza ad esasperare o
"dinamizzare" certi passaggi potrebbe essere motivo di critica,
esattamente così come l'aulicità dei testi, ma sono quisquilie.
L'album del "salvadanaio" è
semplicemente perfetto.
Il 2 maggio 1969, al Ronnie
Scott’s di Londra, The Whopresentano dal vivo la loro opera rock “Tommy”, il resto è storia del rock!
Di tutto un Pop…
Wazza
Il 2 maggio del 1969 gli WHO
suonarono un'anteprima per i media della loro opera rock "TOMMY", al
Ronnie Scott's di Londra. L'album doppio, prima ancora della rappresentazione
dal vivo e del film, è una pietra miliare, perchè è vero che gli Who non furono
i primi a realizzare un'opera concettuale di quella natura, ma furono i primi a
confezionare un prodotto che sarebbe rimasto nel tempo, e che avrebbe
influenzato svariate generazioni. Alla pubblicazione del disco la critica si
divise in due, tra quelli che lo reputavano un capolavoro e chi invece pensava
si trattasse di sfruttamento commerciale di tematiche serie come la disabilità
e le molestie sessuali su minori.
L'album venne messo al bando dalla
BBC e da alcune stazioni radio americane, per i riferimenti alla pedofilia e
all'uso di droghe. L'opera riscosse però un enorme successo presso il pubblico,
complici le frequenti esecuzioni dal vivo dei brani del disco.
Nel 1998 fu introdotto nella Grammy
Hall of Fame per "historical, artistic and significant value"
e a tutt'oggi ha venduto più di 20 milioni di copie!
Compie gli anni oggi, 2
maggio, Walter Calloni, batterista che
ha suonato praticamente con i nomi più importanti del rock italiano, dagli
Area alla Premiata Forneria Marconi. Un grande batterista!
Happy birthday Walter…
Wazza
WALTER CALLONI è uno
dei più amati ed eclettici batteristi del panorama musicale italiano degli
ultimi trent’anni.
Emerso giovanissimo
nell’ambiente milanese, ha mosso i primi passi nella musica con Fabio Treves,
Alberto Camerini, Lucio Fabbri, Paolino Dalla Porta. A soli 16 anni registrava
con Eugenio Finardi (Musica Ribelle, La Radio e Diesel), a 18 anni incideva con
Lucio Battisti (La Batteria, il Contrabbasso ecc, Amarsi un po’ e Si Viaggiare)
e partecipava all’album cult “Maledetti”, degli Area. Nel 1978 con Mauro
Pagani, Demetrio Stratos e il Canzoniere del Lazio partecipa al Festival della
Gioventù a Cuba.
Calloni 1970
Dopo un’intensa
un’esperienza in Inghilterra con Hughie Bullen (Osibisa), e negli Stati Uniti
con Cast (Mike Fraser, Anthony Rutherford Mimms, Average White Band e Namy
Hackett), torna in Italia e dal 1980 al 1987 collabora con la “PREMIATA
FORNERIA MARCONI”
Walter Calloni Ha
suonato e collaborato con:
Lucio Battisti
Premiata Forneria Marconi, Fabrizio de Andrè, Dario Fò, Demetrio Stratos, ,
Enzo Jannacci, Giorgio Gaber, Ivano Fossati, Ivan Graziani, Eugenio Finardi,
Roberto Vecchioni, Antonello Venditti, Adriano Celentano, Renato Zero, Pino
Daniele, Roberto Murolo, Enzo Avitabile, Enzo Gragnagniello, Alberto Fortis,
Ivan Segreto, Pittura Freska, Tricarico, Paris Combo, Carlo Fava, Mauro Pagani,
Massimo Bubbola, Riccardo Zappa, Cristiano De Andrè, Franco Battiato, Sergio
Caputo, Alberto Radius, Mia Martini, Loredana Bertè, Gianna Nannini, Alice,
Fiorella Mannoia, Grazia Di Michele e Ornella Vanoni.
La Band di Lucio
Battisti in “ La batteria il contrabbasso ecc- Io noi tutti” (1974/1977)
Gianni Prudente
Ivan Graziani Hugh Bullen Walter Calloni Claudio Maioli
Nel Jazz con Tulio De
Piscopo, Massimo Colombo, Stefano Cerri, Naco, Marco Panascia, Simone
Gubbiotti, Attilio Zanchi, Paolino Dalla Porta, Candelo Cabesa, Cico Cicognani,
George Aghedo, Sonny Taylor, Karl Porter, Julius Farmer, Gigi Cifarelli, Paolo
Fresù, Antonio Faraò, Riccardo Fioravanti, Luca Pasqua, Fabrizio Bosso, Michael
Rosen, Mark Kapedani, Eugene Rutherford, PaoloTomelleri , Guido Manusardi e la
Jazz Art Orchestra, diretta da Carlo Gelmini.
Dal 1994 al 1999
registra tre album con Linea C: Linea di Confine, Mappa di un possibile
Viaggiatore e Salti ed Assalti. E inizia una lunga attività Live con il gruppo.
Con gli Area
Nel marzo 2000
partecipa alla registrazione del concerto “Faber Amico Fragile” (in ricordo di
De Andrè) accompagnando Vasco Rossi, Zucchero, Celentano e molti altri.
Nell’estate del 2000
si svolge l’ultimo tour del Linea C, in quell’occasione con ospite Paolo Fresù,
con Stefano Cerri.
Nel novembre del 2000
Walter Calloni partecipa al progetto di Emanuele Segre (grande talento
chitarristico), eseguendo composizioni per chitarra classica e trio Jazz di
Claude Bolling.
Nel 2001 entra a far
parte del supergruppo formato da batteristi chiamato “La Drummeria” (Ellade
Bandini, Walter Calloni, Maxx Furian, Christian Meyer e Pellegatti).
Con Franz di Cioccio,
registrazioni di "Suonare suonare"
Nel 2002 esce “Collection” album da solista che racchiude una raccolta di brani composti e suonati da alcuni tra i chitarristi italiani più interessanti e personali: Gigi Cifarelli, Luca Colombo, Pietro Nobile, Carlo Fimiani, Gianni Guido, Luca Pasqua e Riccardo Zappa.
Nel 2003 registra un duetto con Tullio De Piscopo inserito nel disco “Tempo di percuotere” di De Piscopo.
Con la
PFM
Nel 2004 esce il CD
gadget “Live in Mono” della Drummeria e si intensificano le esibizioni dal vivo
del supergruppo. Nel 2005 esce il CD a proprio nome “No Budget”.
Nel 2007 inizia la
collaborazione con il gruppo Elisir (vincitori della targa Tenco Sanremo 2009)
Nel 2008 registra un
album con La Drummeria e i percussionisti dell’Orchestra della Scala diretti da
Beppe Caciolla.
La
Banda Bertè:
con
Mario Lavezzi, Stefano Pulga, Bob Callero, Claudio Bazzari, Walter Calloni, e
il grande ed indimenticabile Anthony Rutherford “Mimms”
Walter Calloni ha
anche una lunga e approfondita esperienza come insegnante, vent’anni
d’insegnamento al C.P.M. di Milano (dal 1984 al 2004), la scrittura di una
enciclopedia per la Batteria edita dal CPM, centinaia di allievi all’anno provenienti
da tutta l’Italia, e molteplici Master Class in tutta Italia.
Dal 2008, con la
collaborazione di Paolo Sportelli, gestisce il corso di batteria al Borgo della
Musica di Milano dal nome “L’Arte della Batteria”.
In questo periodo è
impegnato alla realizzazione di libri didattici e alla diffusione delle lezioni
di batteria “On line”.
Walter Calloni è
attivo anche come Endourser Tama Zildjian Evans EQ Puresound AKG Stefy Line
Habelard2 – Macchie
Di Inchiostro Su Carta Sensibile (2024)
Di Luca Paoli
Avevamo lasciato il prolifico polistrumentista Sergio Calecacol
suo progetto Habelard2 giusto qualche
mese fa con la rivisitazione del suo primo disco come Habelrad2 “Qwerty”,
intitolato per l’occasione “Qwerty 2023 Remix”(la mia recensione su
mat2020 (http://mat2020.blogspot.com/search?q=habelard2).
Ed eccoci ad ascoltare il nuovo lavoro (è il
tredicesimo album) intitolato “Macchie Di
Inchiostro Su Carta Sensibile”, più spostato verso sonorità prog
sinfoniche con le tastiere sono protagoniste.
Il titolo del disco si ispira a un progetto mai
decollato che includeva fotografie e poesie. L'album rappresenta un ritorno
alle radici del prog e del rock sinfonico, con composizioni originali,
arrangiamenti complessi ed una grafica curata dallo stesso artista. La
registrazione è avvenuta tra il 2023 e il 2024 a Milano.
Dodici sono le tracce (tutte strumentali) che
compongono il gustoso menù del disco, tutte composte, suonate, arrangiate e
registrate dal polistrumentista che dimostra, ancora una volta, di avere ottime
frecce da scagliare sul mondo del prog.
Il lavoro si apre con “Ostinatoin(e)sistente”, molto vario che pesca anche nel classico e dimostra
tutta la sua qualità compositiva e strumentale.
Le chitarre elettriche introducono, con deciso
ritmo, la title track “Macchie d'inchiostro su carta sensibile”;
poi le tastiere rivestono con gusto sinfonico tutto il brano.
“Noblesse oblige” è aperta da
accordi di pianoforte affiancati prima dall’organo e poi dalla sezione ritmica
… molto suggestivo il coro che dà ulteriore corpo al brano.
Ancora le chitarre introducono “Il conflitto”, che vede protagonisti anche il fagotto oltre al supporto
dei synth; i cambi di umore rendono molto suggestivo il brano e l’arpeggio di
chitarra ricorda certi passaggi dei Genesis.
Il pianoforte di nuovo protagonista
nell’introduzione di “Coda di rondine” (lo stesso Caleca racconta
che è stato preso da una improvvisazione del 1980) … ancora cambi di tempo con
le chitarre e l’organo ben supportati dalla sezione ritmica.
“Interludio III extra large” pesca
dallo stesso presente in Qwerty, ma con una veste sonora diversa e decisamente
con una ritmica più decisa; la nuova veste del brano lo rigenera e rende più
attuale.
Chitarra arpeggiata e basso ad aprire “La polvere sotto il tappeto” … anche qui si alternano momenti pacati ad
altri più decisi sempre all’insegna del miglior prog sinfonico … ottima
l’orchestrazione anche col contributo del synth, lo stesso che apre “Il Tempio”, che alterna momenti vivaci e più pacati dove con un
interessante lavoro al mellotron, con i fiati a rendere l’atmosfera più corposa
e drammatica.
Ancora il pianoforte sugli scudi in “Col senno di poi”, che in seguito viene affiancato dall’organo e dalla
sezione ritmica … anche qui gli umori variano creando sempre alta l’attenzione
di chi ascolta.
Chitarre, archi e flauto imprimono un marchio
decisamente classicheggiante a “L'Ablazione Del Tartaro” ma è
solo questione di attimi perché il cambio di tempo è in agguato ed arriva ad
imprimere ritmo e corpo dove flauto, viola chitarre diventano protagoniste.
Siamo quasi giunti alla fine di questo ottimo
lavoro; giusto il tempo di gustarci “Terra bruciata” e “Il contagio” che confermano la qualità artistica di Sergio Caleca e la sua
abilità nel far convivere il classico con il rock, sempre con raffinatezza
esecutiva trasportando nel presente, con suoni ed arrangiamenti attuali, un
sound che ha radici già dalla fine degli anni ’60 del secolo scorso.
Se siete sensibili alle raffinatezze e se vi
piace il bello nella musica questo disco fa sicuramente per voi.
Vittorio, com'è tornare su un palco
così importante e ricco di significato, come quello del 1° Maggio?
Anche dopo tanti anni è sempre
un'emozione grande e intensa. Nonostante il tempo possa inflazionare i luoghi,
le idee, ci sono certe cose che rimangono intatte e sempre ricche di
significato. Quella che si celebra oggi è la festa del lavoro, e mai come in questo
periodo il lavoro rappresenta per il nostro Paese una vera e propria emergenza:
ecco quindi che questo evento assume una importanza ancora più speciale.
Manca poco alla vostra esibizione.
Francesco, cosa avete preparato e quali sorprese avete in serbo per la vostra
attesissima performance?
Ricevere l'invito a partecipare a
questo evento ci riempie sempre di grande gioia. Salire oggi sul palco è un
omaggio sia al nostro gruppo ma anche a tutto il progressive italiano, così
come i grandi protagonisti che ne fanno parte, oggi come allora. Ci esibiremo
in un medley che ripercorre proprio i tratti salienti di questo genere e saremo
accompagnati dalla Grande Orchestra Rock. Ci sono grandissimi musicisti, come
ad esempio Roberto Angelini, Fabrizio Bosso, Stefano di Battista, Federico
Poggipollini, James Senese, Maurizio Solieri e molti altri. Ma non ci
intratterremo molto, perché più l'apparizione è breve, più grande è il mistero.
Lo abbiamo detto, il Primo Maggio non
è solo musica. C'è anche un forte massaggio sociale e politico dietro... cosa
ne pensate a riguardo?
(Francesco): Si tratta indubbiamente
di un giorno di festa, ma non deve e non può essere solo questo. Per dirla
terra terra, non si può buttare tutto in caciara. È un evento meraviglioso ma i
ragazzi che vengono qui devono averne la giusta consapevolezza: non possono
sapere solo dalla televisione che la rappresentano il 38% della disoccupazione,
devono sapere cosa succede, cosa c'è davvero dietro alla “festa del lavoro”.
Voi giovani siete la speranza di questo Paese e abbiamo bisogno della
intelligenza di ciascuno di voi.
(Vittorio): Il ruolo della musica sta
anche in questo. Serve proprio per veicolare anche i messaggi di critica
sociale. D'altronde, uno degli elementi che fa della musica una cosa speciale è
anche quella forza evocativa che ti fa sognare e soffrire, piangere e gioire; e
quindi, anche riflettere e pensare.
Michele Moschini, polistrumentista
italiano che vive in Francia, ha da poco consegnato alle stampe un secondo
capitolo del suo progetto Anandammide, a
quattro anni di distanza dall’esordio “Earthly Paradise”, del 2020.
In realtà, la parola “esordio” in questo caso
è relativa esclusivamente agli Anandammide, appunto: perché il nome di
Moschini, sulla scena musicale italiana e internazionale più alternativa, è ben
noto da decenni.
L’ideatore e compositore definisce il genere
di questo secondo album, intitolato “Eura”,
come “folk psichedelico utopico”. E sinceramente ci permetteremmo di aggiungere
una ulteriore parola a questa definizione: ed è “cosmopolita”; sia per le
vicende personali, di italiano all’estero, di Michele Moschini, sia perché il
nutrito team di collaboratori conta attorno a lui musicisti e tecnici italiani,
inglesi, francesi e svedesi. E, in un periodo purtroppo tristemente buio,
drammatico e denso di tensioni internazionali come quello che il Pianeta Terra
sta vivendo in questi anni recenti, è bellissimo respirare veramente un’aria
“utopica e cosmopolita”, come quella che affiora dalle dieci, intense,
splendide tracce di “Eura”.
Esattamente: l’opera è concepita proprio come
un vinile di un tempo, con cinque tracce per facciata di varie lunghezze. E
tutto suona molto vintage, tra deliziosi intarsi di strumenti acustici, corpose
armonie vocali maschili e femminili, struggenti vagiti di sintetizzatori
analogici proto-progressivi e tremolanti tappeti di string-machines.
Il nostro Moschini si prodiga tra chitarre,
tastiere d’epoca di vario tipo e batteria, oltre che al canto; ben coadiuvato
da una formazione che (dato statistico interessante) annovera molteplici “quote
rosa”: la cantante Lisa Isaksson, la flautista Audrey Moreau, la violinista
Stella Ramsden. La “squadra” è completata da Sebastien Grignon (violoncello) e
due bassisti che si avvicendano: Lelio Mulas e Pascal Vernin. Infine, Lorenzo
Castigliego dona un cameo solista chitarristico alla title-track. Come si può
capire da una line-up così variegata, non siamo di fronte a una vera e propria
band, ma più a un “progetto modulare”, nel quale svariati ospiti sono
funzionali alle esigenze creative di Michele Moschini e al suo cantautorato
folk/psych/prog. Ovviamente, per questioni logistiche, le registrazioni sono
avvenute in varie città europee e sapientemente amalgamate tra loro da David
Svedmyr (mixaggio) e da Oscar Larizza (mastering finale).
E partiamo dunque con “Carmilla”:
un inizio tra il folk irlandese e il ricordo di autori come Donovan o Cat
Stevens sfocia, attorno al secondo minuto, in una affascinante e solenne
digressione tastieristica.
“A song of greed” è, per chi
scrive questa recensione, uno dei picchi dell’album, con quella sua splendida,
lunga introduzione strumentale canterburyana, mentre il cantato a due voci
evoca certi Renaissance.
“Post atomic reverie”, caratterizzata da
un gran lavoro di flauto e violoncello, è – ancora una volta – in elegante
equilibrio tra folk e prog, grazie anche agli arpeggi e ai tappeti delle
tastiere, che restano più sulle retrovie.
I tappeti del Mellotron affiancato dal
violoncello e un basso energico e pulsante, fanno di “Phantom Limb”
uno dei capitoli più prog-rock dell’intera opera e, di nuovo, uno dei più
riusciti.
“I am a flower”, dopo un inizio
molto intimista e malinconico, ci porta verso un finale “cameristico” giocato
tra tastiere e strumenti ad arco, un ipotetico ponte attraverso la storia del
“dream rock”, tra il Robert Wyatt degli anni ‘70, i Mercury Rev di fine anni
‘90 e il Sufjan Stevens di oggi.
La title-track apre quella che
possiamo considerare la seconda facciata dell’opera. E la partenza del brano è
una delle più “orchestrali” di tutto il lavoro, tra archi, flauti e
sintetizzatori. Il cantato femminile, unito a questi robusti arrangiamenti rock
e barocchi allo stesso tempo, evoca remotamente i Curved Air, oltre ai già
citati Renaissance. Meraviglioso, a due minuti circa dalla fine, l’intervento
chitarristico di forte sapore hackettiano.
“The orange flood” è invece uno dei momenti più legati alla psichedelia più cupa, tra suggestioni barrettiane e pinkfloydiane degli esordi.
“Lullaby n.2”, con i suoi
arpeggi di chitarra, sposta la bussola dal folk inglese a un sound da
rock-ballad più a stelle e strisce, persino con impalpabili echi di Boston,
Styx degli esordi e Pavlov’s Dog.
“Dream n. 1” è una traccia intrisa di grande
malinconia, ancora con lievi sfumature legate al Canterbury sound nelle linee
melodiche (Caravan, Hatfield & the North).
E ci salutiamo con “The
anchorite”, episodio profondamente intimista ma di grande potenza evocativa
che, in qualche modo, rappresenta un po’ la summa stilistica dell’album.
Concludendo: Michele Moschini è un autore
dalla penna decisamente raffinata. La padronanza di molteplici strumenti,
l’evidente preparazione musicale, non solo in termini tecnici ma anche di
conoscenza di tanti linguaggi diversi dagli anni ‘60 a oggi, e la capacità di
circondarsi di ottimi collaboratori per offrire arrangiamenti sempre variegati,
fanno sì che abbia saputo crearsi una sua cifra stilistica personalissima,
elegante e riuscita. E questo ottimo album ne è la prova.
Ci lasciava il 30 aprile 2017Rino
Zurzolo, indimenticato
bassista/contrabbassista napoletano.
Era un talento: a soli 13 anni
venne "reclutato" da Enzo Avitabile per il suo gruppo, fatto che gli
permise di essere conosciuto ed apprezzato nelle scena musicale partenopea.
Nel 1974 si unì al gruppo
"Citta Frontale", con Lino Vairetti e lo stesso Avitabile.
Fu convocato da Pino Danile
per registrare "Terra Mia", diventando un pilastro della
formazione sia in studio che nei concerti.
Suonò in studio e dal
vivo anche con Mel Collins, Steve Gadd, Gato Barbieri, Chet Baker, Billy
Cobham, Giorgio Gaber, Mia Martini, Edoardo Bennato...Un grande musicista, un vero talento portato via a soli 58 anni.
Quando si
parla di Eagles viene subito in mente "Hotel California", il loro
album più famoso e venduto...
Ma il loro capolavoro è probabilmente "Desperado".
Usciva ad
aprile del 1973 questo concept album
ispirato alla vita della band di fuorilegge del vecchio West, composta dai quattro fratelli Dalton e Bill Doolin. Un country-rock moderno, dove emerge la
figura carismatica di Bernie Leadon, musicista e musicologo country ex
"Flying Burrito Brothers", che lascerà la band quando si aprirà al
rock più commerciale.
Grande
album, che ascolto sempre con molto trasporto...
Di tutto
un Pop!
Wazza
Nella copertina frontale dell'LPDesperadosono stati fotografati da Henry Diltz
(da sinistra): Don Henley, Glenn Frey, Randy Meisner e Bernie Leadon, mentre
nella foto sul retro si vedono sdraiati a terra, uccisi e legati come fossero
stati veri"desperados"(da sinistra): Jackson Browne, Bernie
Leadon, Glenn Frey, Randy Meisner, Don Henley e J.D. Souther.
Gli "Uomini della Legge" che li catturarono sono (da
sinistra): Gary Burden (fotografo partner di Henry Diltz) - Larry Penny (crew)
- Richard Fernandez (crew) - Boyd Elder (artista di copertine texano) - Tommy
Nixon (crew) - John Hartmann (manager) - Glyn Johns (produttore).
Tracklist (Cliccare sul titolo per ascoltare)
Lato A
1.Doolin'- Dalton 3:26(Don Henley, Glenn Frey, Jackson Browne, J.D. Souther)
