La prima edizione del festival si
tenne il 31 agosto 1968, con un concerto dei Jefferson Airplane seguito da
circa 10.000 persone. L'anno seguente il festival durò due giorni, il 30 e il
31 agosto 1969, e vide la presenza di Bob Dylan, The Band, Joe Cocker, e gli
Who.
L'edizione più nota fu sicuramente
quella del 1970,
che si svolse dal 26 al 30 agosto. Seguita da 600.000 persone e
documentata dal film di Murray Lerner Message to Love: The Isle of Wight
festival, l'edizione del 1970 è rimasta famosa per essere stata l'ultima grande
esibizione pubblica di Jimi Hendrix prima della sua morte, ma anche quale
ultima apparizione del gruppo dei Doors con Jim Morrison in Europa, nonché per
la partecipazione degli Who, Joni Mitchell, Miles Davis, Jethro Tull, Free, Ten
Years After, Joan Baez, The Moody Blues, Donovan, Emerson, Lake & Palmer,
Leonard Cohen, Taste e molti altri.
On August 30, 1970, the Wight
Festival, held on the island of the same name, ended.
In 1970 many great artists took the stage of the Festival
held from 26 to 30 August: Jimi Hendrix, The Doors, The Who, Joni
Mitchell, Miles Davis, Jethro Tull, Free, Ten Years After, Joan Baez, Moody
Blues, Donovan, ELP, Leonard Cohen and many others.
The 70' edition is also the only documented edition of the
five days of music thanks to the documentary "Message to Love: The
Isle of Wigth Festival" by Murray Lerner.
It went down in history as the edition in which the most
people participated (over six hundred thousand), young people from all walks of
life, from all over Europe.
The Festival marked the debut of a great band like Emerson
Lake & Palmer, and the end of another legend, Jimi Hendrix, who died two
weeks later.
On the evening of August 30, Jethro Tull also played (in
memory of Ian Anderson)
A Pop of Everything
Wazza
Isle of Wight: Ian Anderson
remembered those days like this
The clash of cultures, between the sleepy inhabitants of the
Isle of Wight and the sweaty and dirty hordes that invaded the green pastures
of the island, was an image worth keeping.
There was something in the air at the end of the festival,
and it wasn't just the "scent" of the fans who had not even been able
to wash for four days.
I, on the other hand, took a hot shower before boarding a
small plane that took us from the south coast of England to the site of the
event.
We were supposed to close the festival with Jimi Hendrix, but
the situation was getting out of hand for the organizers. It was the last day
and many wanted to enter without paying the ticket and the hippies, tired after
three days, indulged in some episode of violence.
There was tension in the air, Tiny Tim (Editor's note, an
American folk singer) wanted to be paid in advance, Joni Mitchell burst into
tears on stage while Jimi Hendrix was not in the mood at all.
Having done several shows with him over the last couple of
years, we knew his ups and downs, and we knew full well that he could pull off
a historic performance, or be a disaster.
There were arguments between our entourage and Jimi Hendrix's
entourage, because neither of us wanted to be the last to close the festival.
In the end, we won and played before Jimi; it was not the
best performance of our lives, but the important thing was to be able to say:
"We were there".
This was the Isle of Wight, the English Woodstock, towards
the sunset of the hippie era.
Our manager Terry Ellis begged us to keep calm, while I
prayed to myself that Glenn (Cornick) and Martin (Barre) would be able to keep
time in that situation.
All around Murray Lerner's cameras filmed everything, and the
resulting documentary is still a magnificent painting of the time today.
The sensations that a drum solo caused in 1970 are strange,
you listen to it again today and you realize how time passes, but the
sensations are still the same as then.
How did we play on the Isle of Wight? Was it good music? Bad
music? I don't know, but it was certainly the music we played in the early days
of Jethro Tull.
It wasn't progressive rock, it was just frenzy and enthusiasm
that we transmitted to our Gibsons, Fenders, and my flute, what brand it was I
don't remember.
Like the Who, we were able to transmit so much energy that we
overcame technical imperfections. Like the Moody Blues we put something classic
in it, like Tiny Tim we allowed ourselves some operetta vulgarity, but no one
was like Jimi...
His last great performance on planet earth began with some
uncertainty and I thought he would not have a great evening, but then he
recovered and giving in to the demands of the crowd he played his greatest hits
for the last time.
I flew to England while Jimi was still on stage, but he left
for good a few days later.
Jimi had not been a great friend of mine, but he certainly
would have been, if only he were still alive now.
On August 29, 2014, at the age of 67, Glenn Cornick, the first bassist of Jethro Tull,
the band with which he played from 1968 to 1970, passed away.
That's how I got to know him...
My first ITULLIANS Convention dates back to 2006, Novi
Ligure.
Arriving in the area dedicated to the concert, in the early
afternoon, the first person I saw was Glenn, sitting in the bar in front of the
theater, with his little son who drove him crazy.
Smiling, helpful, cheerful... It seemed impossible to
suddenly find myself in front of him, whom I was used to seeing only on album
covers.
That day I bought his new album, of which he was clearly
proud and which we listened to live.
I met him on that occasion and later he gave me a long
interview that tells me a lot about him and about... other.
Then there was another opportunity to meet, the 2008
Convention, in Alessandria, the day on which he presented himself with a very
visible colored crest.
He performed in the afternoon with OAK and in the evening, on
the "major" stage: great show!
Gigi Venegoni e la
musica italiana FABRIZIO SALMONI
Commento
di Andrea Pintelli
Fabrizio
Salmoni,
giornalista dal sontuoso curriculum, ha da poco rilasciato il suo nuovo libro
dedicato al percorso artistico di Luigi “Gigi” Venegoni, che tutti noi
appassionati di musica di qualità conosciamo. Volume pubblicato dal Paola
Caramella Editrice, esso si pregia di riempire un vuoto nell’industria
libraria e lo fa in maniera mirabile, sia per ricchezza di contenuti che per
argomentazioni espresse. Nelle sue quasi duecento pagine, il lavoro impostato
da Salmoni copre l’intero arco di carriera del protagonista, andando ovviamente
ad espandersi nel momento in cui scrive degli Arti&Mestieri, gloriosa band
del prog nazionale (e non solo) di cui Venegoni fu anima (insieme
all’inesauribile batterista Furio Chirico, già nei Trip, dotato di una tecnica
tuttora impressionante) e, ovviamente, chitarrista. Se l’introduzione di Mauro
Zatterin è un ottimo e sentito apripista, tutto il libro è intenso nel
raccontare le gesta del nostro, fluido nel racconto, rivelatore nei
particolari. Si parte con la quarta edizione del festival di Re Nudo del 1974,
la prima tenuta al parco Lambro di Milano, in cui gli Arti&Mestieri fecero
il loro debutto live. Esibizione gradita dalle quarantamila persone presenti, nonostante
le tante difficoltà organizzative su palco e non. Fotografia di un periodo
irripetibile, complesso ma denso di eventi. Successivamente si va all’inizio
della vita artistica di Gigi, in cui viene scandagliata la sua propensione alla
musica che via via emerse nel suo innato rigore. E pensare che il padre avrebbe
voluto vederlo ingegnere…
Le prime esperienze in band amatoriali, formative
sicuramente, ma povere di soddisfazioni concrete. Interessantissimi gli
interventi di vari conoscenti e amici che hanno gravitato intorno alla vita di
Venegoni, così come le schede che, qui e là, Salmoni inserisce per tracciare
linee di artisti e personaggi che hanno ne hanno caratterizzato il suo cammino
professionale. Centrale fu l’incontro con Furio, all’alba della creazione degli
Arti&Mestieri, i cui delicati equilibri interni furono appesantiti dai
diversissimi caratteri dei suoi membri, talvolta rivelatori di profondi
disappunti. Questo nonostante la grandiosa musica composta e portata in giro
per l’Italia del periodo seventies; obbligatorio avere in ogni collezione che
si rispetti i loro due primi dischi, capolavori assoluti quali “Tilt” del 1974
e “Giro di Valzer per Domani” del 1975. Gigi ne uscì dopo un grave episodio che
ne minò la stima verso alcuni di loro (non lo racconto siccome determinante
nell’andamento del cammino, ragion per cui questo libro va acquistato e letto),
andando a formare la sua creatura maggiormente personale, ossia i
Venegoni&Co., sempre prodotti e distribuiti dalla Cramps Records (per le
prime due opere “Rumore Rosso” e “Sarabanda”) di quel genio di Gianni Sassi. Questo
gruppo fu fucina di talenti, fu gruppo aperto, fu esperimento continuativo.
Pubblicarono dischi di altissimo valore interpretativo, fino ad arrivare a
“Canvas”, doppio cd del 2017, forse la loro summa creativa. Gli anni Ottanta
portarono in dote sonorità plastificate da cui Venegoni si tenne saggiamente fuori,
producendo musica di qualità nel suo Dynamo Sound Studio di Torino. Il capitolo
dedicato ne dà una significativa visione. Fino ad arrivare agli anni più
recenti in cui Gigi convenne alla reunion degli Arti&Mestieri, i cui
concerti furono in alcuni casi trionfali, come da previsione, in terra del Sol
levante. Senza dimenticare il meraviglioso “Universi Paralleli” del 2015,
frutto di un appassionato lavoro d’insieme, le cui nuove canzoni vanno
mirabilmente ad affiancarsi ai loro brani più storici. In chiusura il capitolo
denominato “Divagazioni”, che affronta il suo periodo più recente.
In
sostanza, se si vuole capire un periodo storico fitto di accadimenti, pieno di
musica con la M maiuscola, vogliate leggere questo intrigante libro, dai
connotati veramente indovinati, il cui esito è più felice di quanto mi
aspettassi.
On August 28, 1982 at the Nostell Priory Festival
(Theakston Music Festival), Paul Burgess,
drummer of 10cc, made his debut as a drummer in Jethro Tull (which Anderson
didn't like).
He will stay until the end of the American tour (October
1982).
Paul will return to the studio again with Jethro Tull, in
1985 to play on the album "A Classic Case", a collection of Tull
songs rearranged by David Palmer, and played together with the London Symphony
Orchestra.
Of all a Pop...
Wazza
Group photo of all
the workers on the 1982 North American tour. If you "sharpen" your
eyes you will recognize, Martin Barre, Paul Burgess, Peter John Vettese, Ian
Anderson and Dave Pegg
Chi segue regolarmente le pagine di MAT2020,
che sovente hanno ospitato l’opera artistica di Claudio Milano, avranno
ormai capito quanto sia difficile parlare di questo musicista: una mente in
perenne e inarrestabile fermento creativo, un compositore in costante ricerca
di nuovi linguaggi, che disegna geometrie sonore, palestra per un vastissimo
spettro di stili musicali differenti accostati in modo sempre imprevedibile e
inaspettato.
Fatta questa premessa, provate a immaginare
che cosa succede nell’istante in cui NichelOdeon
(uno dei principali progetti a firma Claudio Milano) trova un artista come il
manipolatore elettronico borda (pseudonimo di Teo Ravelli), con
il quale condivide evidenti affinità elettive. Non può che nascerne una
deflagrazione incontrollabile, una sorta di Big Bang dal quale schizzano via
come nuovi pianeti innumerevoli nuove forme d’espressione.
Il frutto di tutto ciò reca il titolo di “Quigyat” e confluisce in un qualcosa di ben
più ampio e complesso, identificato dalla sigla ANFORE.
L’Anfora, il più antico concetto di
“contenitore”, forma ancestrale dalle curve sinuose, capiente e decorata, nella
quale conservare prodotti facendo quindi confluire in essa praticità e arte. Ma
in questo caso ANFORE è l’acronimo di A New Form Of Recital European.
Ed è così che, dentro le “Anfore di Quigyat”,
si ricompongono alcuni tasselli di quel big bang impazzito a cui si faceva
accenno poche righe sopra: teatro contemporaneo, musica concreta, ambient,
jazz, persino mimo e pittura astratta, rendendo così labili, se non addirittura
inesistenti, i confini tra forme d’arte molto diverse tra loro.
Pertanto, le cinque lunghe tracce che
compongono “Quigyat” non possono che essere solo parziale rappresentazione di
un “Tutto” molto più complesso.
Partiamo con la title-track, che reca
come sottotitolo “Little symphony for frozen soldiers”. Questa
dicitura aggiuntiva rende perfettamente le atmosfere della traccia: gelide,
alienanti. Lunghi sibili stridenti e metallici sembrano concretizzare gli
orrori della guerra. Su di essi volteggiano le linee dissonanti di un
pianoforte (che, a tratti, paiono ricomporsi verso melodie più tonali, a tratti
“impazziscono” nuovamente) e i versi declamati con intenso coinvolgimento,
mentre fanno capolino temi di chitarra che potrebbero quasi evocare un Paolo
Tofani d’annata.
“Alla statua dei Martiri di Gorla
(Requiem in defence of children’s rights)” inizia scandita dai loop
ritmici. Su di essi, pochi tocchi di pianoforte che crescono su un supporto
ritmico pronto a farsi via via anch’esso più strutturato. Nel cantato, Milano
dà dimostrazione della sua mostruosa estensione vocale, in un danzare tra l’acuto
e il grave con agilità, con un pieno controllo dell’intonazione su note spesso
lunghissime.
“Lòs Pàjaros perdidos” è una
struggente, commovente rivisitazione di Piazzolla. Voce e pianoforte assoluti e
indiscussi protagonisti di una esecuzione di immensa intensità. Ovviamente
nulla, nell’universo sonoro di NichelOdeon e borda, può essere lineare. Per cui
dal secondo minuto in poi l’interpretazione si destruttura, si disgrega, per
poi tornare nei ranghi, ma acquisendo ancora maggiore intensità grazie a questo
momento di follia.
Atmosfere in qualche modo ancora legate al
tango le troviamo in “Malamore e la luna”: la potenza evocativa
del testo crea perfetta sinergia con un arrangiamento tra world music,
cantautorato e prog-rock.
Dopo un viaggio tra emozioni e sensazioni
così diverse tra loro, ciò che rimane all’ascoltatore è, appunto, una lunga
traccia conclusiva intitolata proprio “Ciò che rimane”. Tutto
quanto di cui sopra qui confluisce in modo torrenziale: il rumorismo, la
sperimentazione elettronica, il jazz-rock, la teatralità, la costante
alternanza tra quiete e irruenza, il prog-rock.
Un lavoro eccellente, concepito per essere
messo a disposizione di chi ha voglia di aprire la mente verso nuovi orizzonti
e nel quale la musica, scritta a livelli altissimi, è tanto, ma non è tutto, in
quanto pensata (come già detto) in sinergia con molteplici altri linguaggi
artistici.
On August 25,
1973, Ian Anderson announced the retirement
of live concerts, after the harsh and continuous criticism of "A
Passion Play".
Fortunately (also because of the penalties he would have had
to pay) he had second thoughts, and the tour ended on September 29, 1973.
Of all a Pop...
Wazza
As a whole work I think that "A Passion Play" is
the best album recorded by Jethro Tull. There are some very nice things in
"War Child" and "Minstrel in the Gallery", but I don't
think they can hold a candle to "A Passion Play".
I'm still emotionally very close to that album and especially
the show. I am of the opinion that the press has not understood a damn, not
even of my much-publicized retirement. One day they will listen to "A
Passion Play" again and realize how ignorant and pompous they had been
towards me and those of the group... — IAN ANDERSON
Compie
gli anni oggi, 25 agosto, Beppe Cantarelli, compositore, cantante, arrangiatore
e produttore musicale.
Il suo
stile è un "crossroads" di funky, jazz, soul e rock; ha scritto
canzoni e collaborato con molti artsisti: Mina, Amii Stewart, Fiorella Mannoia,
Renato Zero, Anna Oxa...
Negli
anni Ottanta ha collaborato spesso con il Banco del Mutuo Soccorso. In "Capolinea" ha suonato chitarra
elettrica, acustica, e ha collaborato negli arrangiamenti di alcuni brani.
Produttore
nell'album "Banco (1983”)... arrangiatore
in "Buone Notizie"... insomma
uno di famiglia!
Da
qualche anno si occupa di musica sacra è ha fondato il "Millenium
Choir", un coro multietnico con base a Los Angeles.
Buon
compleanno Beppe.
Wazza
Bravin ,Cantarelli e Gianni Nocenzi 1983 mix Moby Dick
Bologna,
da sempre, è fucina di bravi, talvolta grandi, musicisti. Gabriele Martelli
(già nei Prophexy), Daniele Piccinini (ex Accordo dei Contrari), Roberto Bernardi (già negli Altare Thotemico), sono fra questi, a ben sentire la
qualità del loro ultimo lavoro intitolato “Ant
Death Spiral”, pubblicato dalla Black
Widow Records(gloria sempre).
Loro
sono i Monkey Diet e questo è il
secondo disco rilasciato, dopo “Inner Gobi” del 2017.
Il
trio propone una musica che spazia dal prog allo psych, con inserti rock blues
che vanno ad amalgamare il tutto. C’è sicuramente crescita costante e continua
nella loro proposta, vista l’evoluzione mostrata, e la loro audacia sta nel
creare un sound personale, strumentale, graniticamente fantasioso. Credo che la
migliore opzione sia vederli dal vivo, per capire come riusciranno a mostrarsi
al netto del lavoro in studio, e mi riprometto di farlo appena saranno dalle
mie parti. Nel frattempo, andiamo ad analizzare “Ant Death Spiral”.
Hungry Horace apre le danze di
questo lavoro e lo fa in maniera netta e decisa, dopo un sinistro intro di
basso, che ne pian piano ne svela i contenuti (perdonate, ma mi fa tornare alla
mente l’inizio del primo degli Abiogenesi; nulla di riproposto, comunque, solo
un rimando lontano). Mi piace parecchio l’incatalogabilità del sound che
emerge, con chitarra e basso che vanno a creare trame vibranti che faranno il
piacere di coloro che godono ad andare oltre al risaputo.
Ant Death Spiral, seconda canzone, continua
in modo fragoroso il percorso avviato, arricchendone le sfumature. Il vibrafono
di Nicola Schelfi amplia le prospettive sonore, mischiandosi a meraviglia coi
tre del gruppo. C’è progressione nell’andirivieni degli altisonanti panorami da
loro dipinti, in cui la batteria è estrosa e soprattutto stravagante
protagonista.
Sleeping Sand, Silent Cloud
è piacevole nella sua complessità, ha in sé vari passaggi che la rendono una
simil-suite. In essa c’è la poesia della chitarra di mr. Eric Gales, che regala
emozioni; ma soprattutto (per chi scrive) c’è un enorme lavoro di basso, pieno,
vivace, sontuoso, a tratti drammatico. Lascia il segno. Infine, c’è la soavità
della voce di Donella Del Monaco. Un regalo veramente amabile.
Marsquake ha orientamento più
space delle precedenti, grazie ai sintetizzatori di Silas Neptune. Si viaggia
lontano, si pensa liquido, si respira il cosmo. Impossibile restare
impassibili, e fermi, di fronte ai Monkey Diet. Ottimo lavoro di squadra,
profonde idee a librare nell’aria il loro (nostro) volo.
È
il momento di Raptus, il cui
significato esprime in maniera piena l’andamento del pezzo. Tempi e
controtempi, andamento indiavolato, perfetto e vorticoso mix tra basso,
batteria e chitarra. Scatenata e forsennata, è la traccia che suggella
l’inventiva del gruppo.
Special Order 937, ultima del lotto, è
anche il brano maggiormente composito. Riccardo Lolli, coi suoi sintetizzatori,
va ad aggiungere concrete illusioni sonore a quanto pianificato dai Monkey
Diet. La loro propensione hard va ascoltata e vissuta, più che capita, perché
solo lasciandosi andare si ricevono maggiori endorfine squillanti di note. E
poi, sorpresa: ghost track! Ma questa la capirete solo dopo avere acquistato
questo cd, valente e visionario. Le fantasticherie vanno ancora forte.
Tracklist:
01. Hungry Horace
02. Ant Death Spiral
03. Sleeping Sand, Silent Cloud
04. Marsquake
05. Raptus
06. Special Order 937
On August 23, 1999, Jethro Tull's album "Dot Com" was
released.
Although not particularly loved by fans, it had good critical
reviews, and even elected "the record of the month".
The album cover could arouse particular curiosity. It depicts
the Egyptian god Chnum, later known as Amun. It was designed by Anderson
himself who was inspired by a statuette of a friend and former neighbor of his,
but which is currently in the garden of the Anderson house.
Tony Williams,
bassist of Jethro Tull in 1978,
one of the many "meteors" that have revolved around Ian Anderson,
has a birthday today, August 19th.
Legend has it that Jethro Tull was supposed to leave for a
major American tour in the fall of 1978, which also included the famous date of
October 9 at Madison Square Garden in New York.
But the sudden heart operation sustained by John Glascok sent
the band into crisis. Anderson first contacted old bassist Jeffrey Hammond
Hammond, who declined the invitation.
The choice fell on a musician from the Blackpool ring, not
famous, but who was known a bit by all the members of Tull; Tony Williams, did
not know any Jethro songs, so, with "a lot of patience", Anderson and
Barre transcribed all the bass parts, taken from the live masters, and taught
them to Tony, who learned immediately!
As a complete stranger Williams had his magic moment, playing
at the Madison concert, and was seen by millions of people, something that
perhaps did not happen to musicians who played for years in Jethro Tull.
The strange thing is that other "meteors" have had
this privilege: Mark Craney (drummer) and Eddie Jobson (keyboardist), with Tull
for a single tour, appeared on the video "Slipstream", official
footage of the band, as if to say, "in the right place at the right
time".
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