Londra, 30 gennaio
1969, i Beatles suonano per l'ultima volta insieme sul
tetto della Apple Corps. Diventerà un’immagine iconica del XX secolo.
Di tutto un Pop…
Wazza
3 Savile Row, Londra
W1. Era l’indirizzo del palazzo che nel 1969 ospitava la sede della Apple
Corps. Non quella di Steve Jobs: quella dei Beatles. I quattro avevano comprato
l’edificio il 22 giugno 1968 per 500.000 sterline. Cinque piani in cui lo staff
della Apple si era trasferito dal luglio del 1968: uffici di vario ordine e
grado, tra cui anche quello di un astrologo della società. C’era anche un
terrazzo, identico a quello di un qualsiasi palazzo della zona. Ma è lì che, il
30 gennaio 1969, è cambiato tutto. È lì che prese vita il primo (o magari il
più influente) gesto situazionista dell’epopea rock.
Ma andiamo per ordine.
La mattina del 2 gennaio 1969 i Beatles diedero il via negli studi di
Twickenham alle cosiddette Get Back Sessions, che li impegneranno per
tutto il mese. A dicembre il loro Doppio bianco era arrivato in testa
alle classifiche e, soprattutto, aveva ulteriormente allargato la percezione
musicale della band. Ma non a costo zero: la genesi del disco aveva spalancato
tra i quattro ferite fin lì appena visibili. I rapporti erano diventati
elettrici, e non solo per colpa di Yoko Ono.
In questo clima, tra
scatti d’ira e annunci di abbandono (sempre George) poi scongiurati, i Beatles
dovevano decidere la location del loro show. La roulette delle ipotesi sembrava
impazzita: l’anfiteatro romano di El Diem, il Grand Canyon, il Parlamento, la
National Gallery. Parole d’ordine: dimenticare Twickenham, eseguire solo
canzoni nuove. La decisione di suonare sul tetto di Savile Row iniziò a prendere
forma qualche giorno prima dello show, quando i quattro erano saliti sul
rooftop per fumare e prendere una boccata d’aria. L’attrezzatura fu piazzata la
mattina stessa del 30 gennaio, con cineprese sistemate anche sulle terrazze di
palazzi adiacenti. Si era pensato a una ripresa da un elicottero, ma sarebbe
stato illegale. Quel giorno i Beatles sembravano incerti, e faceva un freddo
cane.
Una volta preso il
via, la band ritrovò la magia di sempre. Non suonavano dal vivo dal concerto di
San Francisco, nell’ormai lontano 1966. Tre quarti d’ora, con l’aiuto del
tastierista Billy Preston, che distrussero i concetti base dell’industria
discografica. Quella del numero 3 di Savile Row non era una semplice
esibizione: era il ritorno di una leggenda che si era consegnata al suo stesso
mito, isolandosi negli studi tra nastri ed esperimenti. Ma soprattutto era
l’esaltazione del “qui e ora”: suoniamo non perché qualcuno ce lo ha chiesto,
ma perché lo vogliamo noi.
Lo show bloccò il
traffico: la polizia fu tempestata da decine di lamentele per il frastuono. “Ricevemmo
così tante proteste che dovemmo mandare qualcuno a controllare. Si scatenò una
terribile ressa”. Ad assistere c’erano segretarie, impiegati, spettatori
improvvisati e fortunati e una folla di curiosi sui marciapiedi. La
scaletta comprendeva Get Back, Don’t Let Me Down, I Got a Feeling, One After
909, Danny Boy, Dig a Pony.
Uno evento per pochi,
non annunciato, allestito contro tutto e tutti. Un presagio di quello che
sarebbe accaduto da lì a pochi anni, con il concerto sul battello dei Sex
Pistols nei giorni del Giubileo della regina, lo scandalo e gli arresti, il
punk e gli anni Ottanta, i rave e giù fino alle diavolerie dell’era social. Un
segnale di libertà artistica con cui divenne impossibile non fare i conti, uno
spettacolare salto mortale: i Beatles erano vissuti di live, poi li avevano
abbandonati per i dischi e alla fine, per ritrovare spirito, armonia e senso di
ribellione, li avevano riabbracciati stravolgendone il senso. Suonavano perché
ne avevano bisogno, perché ridava senso al loro essere una band.
Alla fine di quei tre
quarti d’ora sospesi nel tempo John Lennon fece per allontanarsi, poi tornò al
microfono sorridendo: "Grazie a nome di tutto il gruppo e di ciascuno
di noi: speriamo di aver passato l’audizione". Risate. Era una specie
di profezia, i Beatles stavano cadendo a pezzi. Ma avevano riportato il live al
centro della musica. Il loro ultimo grande regalo alla cultura dei decenni a
seguire.
P.s.: Savile Row era
una strada famosa per i suoi sarti. I Beatles aiutarono economicamente Tommy
Nutter quando apri la sua boutique al n.35 il 14 febbraio 1969. Fu lui a cucire
i vestiti che John, Paul e Ringo indossano sulla copertina di Abbey Road. The
end.
1.Světlonoš
(Lightbringer)
2. Lékárník (Pharmacist)
3. Padám (Falling)
4. Touhy V Mlze (Desires In The Fog)
5. Strach (Fear)
6. Až Jednou (Once)
7. Lykantropie (Skinchangers)
8. Vetřelec (Intruder)
9. Dopisy Na Frontu (Letters To The Front)
10. Periculum
11. Skinchangers
12. Intruders
13. Outro
Line
Up:
Petr
Vosynek – chitarra
Tonda “Gabriel” Buček – chitarra
David Koudela – basso
Dan Havránek – batteria
Viktorie Surmová – voce
Mathias Novak – voce
Aneta Zatočilová – voce
Formatisi nel 2007 a Brno, i cechi Rosa Nocturna hanno pubblicato nella loro carriera
tre album in regime di autoproduzione. L’ultima release, intitolata Andělé a Bestie,risale al 2020 e segue cronologicamente Zapomenuté
Příběhy, del 2016, eZa Hradbami Času dell’anno seguente.
Il genere proposto permane ancorato
al power metal sinfonico con venature folk e anche in questo caso, così come
nei precedenti, pregi e difetti tendono ad equivalersi. Iniziamo col dire che
ostinarsi ad auto prodursi equivale a ridurre considerevolmente la possibilità
di affermarsi nel settore specie per una formazione dell’Europa dell’est. Si
tratta di una scelta che al terzo disco non può essere più giustificata. Nel
complesso la qualità della musica è valida, ricca di orchestrazioni sinfoniche,
melodie e riff di chitarra convincenti. La band, peraltro, era salita alla
ribalta con il bellissimo e significativo video di O lásce, o válce a o krvi
(Of love, of war, of blood), splendida traccia melodica estrapolata dal
loro secondo disco, per cui non so spiegarmi perché il gruppo non sia ancora
sotto contratto con una major label. L’ostinarsi a proporre i brani in lingua
ceca, fatta esclusione per Skinchangers e Intruders, non rende Andělé a Bestie
facilmente assimilabile. Sappiamo tutti che l’inglese è una sorta di vestito su
misura per il rock e il metal; da noi c’è chi storce il naso quando i testi vengono
cantati in italiano, figuriamoci in un idioma così poco usuale come il ceco. Il
nuovo lavoro, tutto sommato, è da promuovere specie per quanto concerne l’eccellente
vocalism delle due ragazze. L’apporto della sezione ritmica e dei due
chitarristi è efficace nell’ambito di un songwriting apprezzabile.
La voce di Mathias
Novak spicca di meno. Non esaltano le parti growl affidate a Petr Vosynek…. insomma,
ho sentito di meglio. Lasciano a desiderare alcune scelte stilistiche sparse
qua e là che inficiano un po’ la qualità complessiva del prodotto. I refrain
evocativi, l’approccio folk melodico costituiscono saldi punti di forza, meglio
si sarebbe potuto fare per quanto riguarda gli arrangiamenti. Insomma, alti e
bassi si susseguono come in un sinusoide e alla fine dell’ascolto non si rimane
del tutto soddisfatti. Tra i brani spiccano la dirompente opener Světlonoš, la
folkeggiante Padám, la struggente Až Jednou, la granitica Vetřelec e la
conclusiva Intruders il cui ritmo portante è davvero azzeccato. La plumbea Strach, altra perla, dimostra la versatilità
di questa formazione. Lékárník dispone di un andamento armonioso e figurerebbe tra le composizioni
migliori: il fatto è che all’improvviso compare il suono di una tromba che
rovina tutto. Il resto è di buona fattura, ma non memorabile.
Nel genere c’è sicuramente di meglio,
tuttavia credo che in futuro i Rosa Nocturna avvalendosi di una produzione
migliore possano trovare il loro spazio nel rutilante mondo del metal.
Armaroli - Schiaffini 4tet - Monkish (’round about
Thelonious)
Dodicilune Records 2022
Di
Luca Paoli
Ho
avuto il piacere di poter ascoltare in anteprima - uscita avvenuta il 18 gennaio
- Monkish (’round about Thelonious),del quartetto di Sergio
Armarolie Giancarlo Schiaffini,prodotto dall’etichetta pugliese
Dodicilune.
L’album
segue “Deconstructing Monk in Africa”,del 2021,
registrato solo in duo e contenente una sola suite dove improvvisazione, Africa
e musica contemporanea europea si univano magicamente.
Giancarlo
Schiaffini (trombone) e Sergio Armaroli (balafon cromatico e vibrafono)
aggiungono un nuovo capitolo alla loro prolifica collaborazione tornando sulla
musica di Thelonious Monk. Ma se nel precedente “Deconstructing Monk in Africa”
(Dodicilune 2021), proponevano in duo una suite di quasi un'ora nella quale
l’improvvisazione faceva da raccordo tra il pianista e compositore
statunitense, l’Africa e la musica contemporanea europea, in questo disco i due
musicisti e improvvisatori si esibiscono, affiancati da Giovanni Maier al
contrabbasso e dallo sloveno Urban Kušar alla batteria, in dodici tra le più
celebri composizioni monkiane (Friday The 13th, Bemsha Swing, Pannonica, Blue
Monk, Misterioso, Crepuscule With Nellie, Blues Five Spot, Evidence, Raise
Four, Oska T., Ba-lue Bolivar Ba-lues-are, Blue Hawk).
Dodici
le tracce del repertorio Monkoniano, proposte in modo d’avvero originale. A
sostituire il pianoforte ci pensano le percussioni (vibrafono e balafon) di Sergio
Armaroli.
Il
trombone di Giancarlo Schiaffini è l’altro tassello fondamentale del disco.
Ai
due leaders si affianca la batteria piena di inventiva di Urban Kušar e
il contrabbasso di Giovanni Maier, spesso in dialogo con il vibrafono e
quindi non solo componete della ritmica.Blue
Monk, Misterioso, Crepuscule With Nellie e Osaka sono tutti esempi di come il quartetto sia riuscito a dare
un’interpretazione personale e nello stesso tempo originale all’opera di Monk.
Mi ha colpito in “Ba Lue
Bolivar Ba Lues Are”, il notevole suggestivo dialogo del trombone col
contrabbasso. Magia pura!
Immergetevi nelle note del magico
Monk rilette con grande sensibilità ma anche originalità da questo stupendo
quartetto e lasciatevi trasportare dalle note fino a quando non schiaccerete di
nuovo il tasto play del vostro lettore.
Autore: Ronnie James Dio con Mick
Wall e Wendy Dio
Edizioni: Tsunami
Anno: 2021
Recensione a cura di Fabio Rossi
Ronald James Padavona, in arte Ronnie
James Dio, è stato senz’ombra di dubbio uno dei cantanti più rilevanti
dell’hard rock e soprattutto dell’heavy metal. La sua voce è immortalata in alcuni
album di straordinaria bellezza, vere e proprie icone come Stargazer (Rainbow),
Heaven and Hell (Black Sabbath) e Holy Diver (Dio). Dal mio punto di vista, nel
campo prettamente metal, merita il podio a fianco di Rob Halford e Bruce Dickinson.
Ho avuto la fortuna di vederlo esibirsi dal vivo con i Black
Sabbath all’epoca del tour a supporto di Dehumanizer e quel concerto mi è rimasto
nel cuore. L’artista è deceduto a causa di un carcinoma il 16 maggio 2010
all’età di cinquantotto anni, una perdita enorme per la musica. Ronnie stava
scrivendo la sua biografia che è rimasta purtroppo incompiuta. La vedova Wendy
Dio, con la collaborazione del giornalista Mick Well, ha ordinato il materiale
a disposizione, integrandolo ove necessario, con l’intenzione di pubblicare un
libro il più possibile aderente a quelle che sarebbero state le intenzioni del
marito.
Dio – Rainbow in the Dark
L’autobiografia, edito in Italia dalla Tsunami, è il risultato di
questo lodevole progetto. Il testo scorre piacevolmente ed è pieno di aneddoti
interessanti: la curiosa origine del famoso gesto delle corna, diventato un
marchio distintivo del popolo metallaro, che sua nonna usava fare spesso per
cacciare il malocchio, come nacque la collaborazione con due assi della sei
corde come Ritchie Blackmore e Toni Iommi, il modo come approcciò all’arte
delle sette note suonando la tromba, fatto che poi si rivelò utile nel suo
inimitabile modo di cantare, e tanto altro ancora.
Il percorso di una vita
avventurosa contrassegnato da eventi che indirizzarono la sua carriera
artistica nel modo migliore possibile. Forse, rimanendo con gli Elf con i quali
aveva già inciso tre album di moderato successo, non sarebbe mai diventato
l’idolo di innumerevoli fan sparsi in tutto il mondo. La fortuna di entrare
dapprima nei Rainbow e poi nei Black Sabbath segnò una svolta non solo nella
sua carriera, ma anche in quella di Ritchie che riuscì a far meglio dei Deep
Purple dell’epoca e di Toni che con i Black Sabbath stava vivendo un momento di
stasi creativa. L’unico neo di questo libro è che si conclude con la
pubblicazione del live Intermission del 1986. Manca, quindi, una notevole parte
degli avvenimenti successivi che, seppur meno importanti, priva il lettore di
tante chicche, tra le quali la genesi di gemme come Dream Evil (Dio) e The
Devil You Know (Heaven & Hell) o del tour dei Deep Purple con l'orchestra e con
lui ospite (suonarono anche al Forum di Assago). D’altronde, è un difetto che
non poteva essere corretto in alcun modo e in quarta di copertina c’è
giustamente riportato che “Questa autobiografia
è uno sguardo intimo ed esaltante agli anni d’oro della sua carriera”, per
cui chi acquista il libro sa in anticipo che non è stato possibile narrare
tutta la storia. Siamo al cospetto di un testo che in ogni modo non può
assolutamente mancare nella vostra collezione di saggi musicali. Complimenti
alla Tsunami per l’iniziativa alla quale, però, faccio rilevare un’imperfezione
nell’aletta di copertina in quanto Dio ha militato nei Black Sabbath negli anni
Ottanta e non nei Settanta come erroneamente riportato.
“condivido” questo bellissimo
articolo su “Darwin” e il mondo che lo circondava nel 1972, scritto dal mitico
Carlo Massarini. Oggi con un telefonino, sono tutti “fotografi”, con la
tastiera sono tutti “giornalisti” … prova, prova a pensare un po’ diverso!
Le foto le ho aggiunte io…
Di tutto un Pop.
Wazza
Nei primi anni ’70 in Italia c’è un
big bang impressionante: da una parte i cantautori, dall’altra i nuovi gruppi.
Il numero delle neonate rock band è incredibile, e la maggior parte sono sulla
scia dei gruppi di progressive inglese, King Crimson (i primi) ed ELP, Jethro
Tull e Yes e, sempre in alto nei nostri cuori, i Genesis e Gentle Giant: sarà
per una certa vicinanza al classico europeo (il blues qui è proprio dall’altra
parte dell’oceano), a quelle melodie ariose e romantiche, sarà perché il prog è
un rock complesso ed evidentemente la nostra generazione era di cerebrali, ma i
gruppi di successo di quegli anni avevano tutti l’etichetta progressiva. PFM,
BMS, Trip, Orme, Balletto di Bronzo, Osanna, Arti&Mestieri e via svisando,
ce ne sono cento e hanno la loro pagina su Wikipedia.
Ai tempi li avreste trovati nei
circuiti alternativi, spesso tutti insieme in quei festival di musica pop che
ogni municipalità un po’ moderna metteva in scena. Pischelli che ci provavano e
virtuosi che uscivano freschi freschi da qualche conservatorio, chi amante del
jazz e chi dei chitarroni elettrici, la fauna era nutrita e ben diversificata.
È in uno di questi raduni-con-gara che si incontrano sei ragazzi di Roma e
provincia. Da Marino vengono i fratelli Nocenzi, un già omone con barba da
Moschettiere di nome Vittorio e il minore, babyface Gianni. Il dio dei Castelli
(chiunque Egli sia) gli ha fatto dono di dieci dita da prestigiatori delle
tastiere: Gianni rigorosamente al piano, finalmente tutto quello studiare serve
a qualcosa, e Vittorio dietro organo Hammond e tastiere varie e una paretina di
valvole e fili e manopole che allora voleva dire sintetizzatore, generalmente
il Moog. Sono l’unico gruppo italiano con due tastieristi, e non è che ce ne
siano comunque molti al mondo, ricordo solo Argent e Procol Harum.
Al secondo Festival Pop di Caracalla
con una prima formazione va male, ma nel backstage scoccano amicizie. A fare le
prove nella stalla riadattata di casa Nocenzi arrivano Pierluigi Calderoni alla
batteria, Marcello Todaro alla chitarra, Renato D’Angelo al basso, e un gentle
giant dalla barba nera, un bel girovita e una bellissima voce. Francesco di
Giacomo, anche lui dai Castelli, è un personaggio unico, è l’elemento
distintivo, quello che – con un’alchimia che sa di vino e bruschetta, ma in
verità raffinatissima – crea la formazione più originale di tutto il prog
italiano.
Il Banco è totalmente originale. Fai
fatica a trovare una controparte inglese, non assomigliano a nessuno, senti
appena degli accenti – ma la materia non può che essere comune – dei dischi
inglesi di quegli anni, veri programmi scolastici per studenti progressivi.
La verità è che nessuno ha una doppia
tastiera e un cantante così, nessuno ha quel dono di fondere rock e melodramma,
jazz e poesia, ispirazione e virtuosismi classicheggianti (ai tempi
obbligatori) e spirito sanguigno quando serve alzare ritmo e compattezza.
Vittorio è il principale compositore, cresciuto a Beatles (soprattutto “Sgt
Pepper”) e musica classica: Bach e Chopin, la musica sinfonica dell’800,
Beethoven e Tchaikoswski, la musica del 900 americano come Aaron Copeland e le
poliritmie etno/classiche dell’ungherese Bela Bartok. E il prog inglese?
«Li ho sentiti dopo!», mi
racconta Nocenzi Sr. alla vigilia del suo 70esimo, passato come sempre a
suonare e incidere, «noi stavamo a soli 20 km da Roma, ma era un mondo
lontano. Non c’erano negozi di dischi, il prog inglese l’ho sentito solo dopo
che avevamo già fatto i nostri. Grande impressione mi fece “Atom Heart Mother”,
ma è inevitabile che, se i Gentle Giant o i Genesis o altri avevano ascoltato
le stesse cose, ci fossero dei passaggi simili. Io componevo con in mente la
struttura della musica sinfonica, che permetteva di far tornare un tema in
un’altra tonalità, e riconnettersi con il precedente, in modo circolare.
Scrivevo musica complessa che cercavamo di mantenere fresca e immediata. Ma che
fatica, in mezzo a tutti quei tempi dispari, a trovare una metrica per il
testo, con le parole plurisillabiche italiane! Io e Francesco insieme, bel mal
di pancia, col rischio di cadere da un contenuto alto nella banalità, e
ritrovarsi con un pugno di mosche».
Assolutamente italiani, e puramente
progressivi.
Il Banco fra il 1972 e il ’73
pubblica tre album, è pazzesca la quantità di creatività che viene riversata su
vinile. I primi due sono capolavori, il terzo “Io sono nato Libero” quasi. Il
primo, semplicemente “BMS”, copertina originale a salvadanaio da collezionisti,
è l’irruzione sulla scena con il ritmo dispari martellante di ’R.I.P.’ e quel
lungo viaggio fantasy che è ’Il Giardino del Mago’.
Il secondo, “Darwin”, è il nostro
contributo all’allora fiorente moda dei dischi concettuali, inaugurata dagli
Who con “Tommy” nel ’69, terreno stimolante ma anche scivoloso sul quale il
rischio è fare figure barbine. Il tema scelto è suggestivo, intrigante, ma
anche complesso e sentiero difficile sul quale incamminarsi: una riflessione
sull’evoluzione dal punto di vista darwiniano, ovvero le specie frutto di una
lentissima evoluzione, lasciando al pensiero religioso – l’Eden, Adamo ed Eva,
il peccato originale, la Creazione – il ruolo di metafora: «Darwin era un
religioso, ma riteneva che il valore della trasposizione allegorica fosse
esclusivamente di tipo divulgativo, come nelle favole, più facili da
introiettare attraverso una metafora».
Da un punto di vista musicale la
costruzione è sontuosa, 47’ in cui trovare una varietà di temi e di soluzioni
di alto livello, ma quello che dà all’opera una profondità definitiva sono i
testi di Francesco di Giacomo, filtrati da una ispirazione poetica che riveste
di umanità questo lunghissimo viaggio, dai batteri alle prime forme di vita
fino ai primi uomini e la prima consapevolezza. Big, questo il suo nickname, si
rivela un autore eccellente, che sa far volare la fantasia e riportarla a
terra, tanto che i testi – cosa rara – stanno in piedi anche da soli, senza
musica.
E, non dimentichiamo, siamo in un
paese cattolico (e 50 anni fa), in cui il creazionismo rimane ancora – per
quanto scientificamente ormai superato – un caposaldo della nostra religione.
Francesco ribalta la visione, e ci porta in un mondo visuale, dove ogni parola
proietta immagini e scenari, significati e protagonisti.
“Prova, prova a pensare un po’
diverso
Niente da grandi dei fu fabbricato
Ma il creato s’è creato da sè
Cellule fibre energia e calore..
…Strati grigi di lava e di coralli
Cieli umidi e senza colori
Ecco il mondo sta respirando
Muschi e licheni verdi spugne di
terra
Fanno da serra al germoglio che
verrà”
L’inizio è leggero, un’aria cosmica
che soffia su scenari da brodo primordiale. Un Hammond sottile ci ha accolto
nella capsula del tempo poi, come se arrivasse una tempesta di tuoni e saette,
quando tutta la band entra ci catapulta a miliardi di anni fa con il classico
sincopato che è il loro marchio di fabbrica: la vita animale si sta creando,
cellule si uniscono, l’evoluzione porta questi esseri dall’acqua alla terra…
“Informi esseri il mare vomita
Sospinti a cumuli su spiagge putride
I branchi torbidi la terra ospita
Strisciando salgono sui loro simili
E il tempo cambierà i corpi flaccidi
In forme utili a sopravvivere”
Il certificato-prog arriva subito
dopo, nel lungo interludio in cui si intrecciano tastiere su pianissimi e
fortissimi che strappano via. Poi si ricomincia, come se il viaggio fosse
ripartito di colpo. E alle fine di questo percorso che sorprende e stordisce,
l’uomo moderno guarda indietro, il presupposto scientifico spazza via ogni leggenda:
“E se nel fossile di un cranio
atavico
Riscopro forme che a me somigliano
Allora Adamo no non può più esistere
E sette giorni soli son pochi per
creare
E ora ditemi se la mia genesi
Fu d’altri uomini o di un quadrupede
Adamo è morto ormai e la mia genesi
Non è di uomini ma di quadrumani”.
Siamo ancora ben lontani dalla fine
di questa suite di 18’ (fortunatamente non definita tale), c’è l’inserimento di
una fuga alla Bach all’organo mentre il pianoforte arpeggia e il basso
s’impenna. Il finale ha la maestosità classica (ma suonata rock) di certi
finali dei Procol Harum, poi rallenta per un attimo, lo sguardo va al cielo
dove “alto arabescando un alcione stride sulle ginestre e sul mare”.
La vita è sbocciata, il passaggio da
quadrumane a bipede sono milioni di anni riassunti in pochi minuti. Il tono lo
conduce e lo porta lontano il moog, con brusche accelerate di ritmica e organo,
le due tastiere si intrecciano, siamo in una masterclass alla facoltà di musica
progressiva. Poi tutto si cheta, e si percepisce quasi fisicamente lo sforzo, i
tentativi falliti e infine “la conquista della posizione eretta”:
“Potessi drizzare il collo oltre le
fronde
E tener ritto il corpo opposto al
vento
Io provo e cado e provo
E ritto sto per un momento…”
Dopo la tensione drammatica di questo
inizio alquanto folgorante, si gira il disco (facciamo finta) e arriva un
momento, se vogliamo, di relax. Per un brano l’uomo riposa e il proscenio è
conquistato dai dinosauri e dagli altri animali poderosi che solcavano la
terra. Per quello che possiamo sapere, siamo sfasati nella sequenza temporale
dinosauri/uomo, ma “non avevamo pretese scientifiche, volevamo solo
l’evocazione, l’emozione, elevare a metafora il paradigma biologico”, dice
Vittorio. Il brano è qualcosa di completamente diverso di atmosfera, insolito a
latitudini progressive, un cool jazz swingante, la ’Danza dei Grandi Rettili’.
Arriva poi il momento in cui
l’ominide che si trova in un mondo inesplorato, selvaggio, scopre la forza che
può dare la comunità dei consimili. Il branco può dare sicurezza, può
proteggere e cacciare, sono i prodromi della socialità, della condivisione,
’Cento mani e cento occhi’ uniti. Il nostro inconsapevole antenato incontra un
capobranco, che lo introduce al gruppo che si è aggregato intorno a lui:
“La nostra forza è in cento mani
E cento occhi fanno a noi la guardia
Tu sei da solo
Tu ora se vuoi puoi andare
Oppure restare e unirti a noi…”
Eppure, alla fine, il paradosso che
regola ancor oggi la nostra società fa capolino, insinua un dubbio, una scelta
a cui tutti noi andiamo inevitabilmente incontro, prima o poi. La sicurezza del
branco da una parte, la voglia di individualità, di libertà, “la voglia di
fuggire che mi porto dentro” dall’altra. Sliding doors ante-litteram.
’750.000 anni fa…l’amore?’ è una
meraviglia assoluta, di quelle che ’scioglie il sangue dent’evvene, sai”, come
cantava Dalla. Uno dei brani più toccanti della musica italiana, un arpeggio
romantico di Gianni al pianoforte che si allarga in una sonata che non ha
neanche bisogno di un videoclip, è vita ancestrale che scorre davanti agli
occhi, il nostro antenato che da lontano guarda un gruppo di ominidi
probabilmente un po’ più avanti nella scala dell’evoluzione, come la scienza
ormai conferma:
“Già l’acqua inghiotte il sole
Ti danza il seno mentre corri a valle
Con il tuo branco ai pozzi
Le labbra secche vieni a dissetare
Corpo steso dai larghi fianchi
Nell’ombra sto, sto qui a vederti
Possederti, si possederti…
possederti…”
Come è possibile? Un primate che
avverte la consapevolezza del desiderio, e insieme quella di essere in uno
stato meno evoluto, che manifestandosi creerebbe paura e turbamento…
“…Ed io tengo il respiro
Se mi vedessi fuggiresti via
E pianto l’unghie in terra
L’argilla rossa mi nasconde il viso
Ma vorrei per un momento stringerti a
me
Qui sul mio petto
Ma non posso fuggiresti fuggiresti
via da me
Io non posso possederti possederti
Io non posso fuggiresti
Possederti io non posso…
Anche per una volta sola”
Lui vorrebbe stendere veli di foglie
per lei e danzare insieme sotto la luna, “ma il labbro inerte non sa dire
niente”. Il suo desiderio è più avanti del suo linguaggio, e la dicotomia fra
mente e fisico è struggente. Francesco canta con tale emotività che non puoi
far altro che calarti nei suoi panni, nel suo corpo tozzo di muscoli e peli,
una prima passionale storia d’amore nel momento in cui l’istinto accoglie un
primo sentimento. Non può far altro, lui così inadeguato, così tormentato
dall’irraggiungibile miraggio, che osservarli da lontano, loro e quella Lucy
che ha amato a prima vista. Si può chiamare amore? Chi lo sa,
neuro-biologicamente, ma lo slancio è così potente che…
“Si è fatto scuro il cielo
Già ti allontani resta ancora a bere
Mia davvero ah fosse vero
Ma chi son io uno scimmione
Senza ragione senza ragione senza
ragione
Uno scimmione fuggiresti fuggiresti
Uno scimmione uno scimmione senza
ragione
Tu fuggiresti, tu fuggiresti…”.
Impossibile ricavalcare un’emozione
del genere, e allora gli ultimi due brani sono tutt’altra cosa: ’Miserere alla
Storia’ ha al suo interno tanti temi e mood diversi, e al centro Vittorio con
voce effettata e stranita declama un’ode alla miseria umana, alla sua ambizione
sfrenata, quando si perde il senso della storia, dell’evoluzione:
“Gloria a Babele
Rida la Sfinge ancora per millenni
Si fabbrichi nel cielo fino a Sirio
Schiumino i cavalli sulla Via Lattea
Ma quanta vita ha ancora il tuo
intelletto
Se dietro a te scompare la tua
razza?”
Il finale è affidato a una musica
totalmente diversa, un valzer popolare che sa di giostre e di circo, un tocco
felliniano che ci riporta a casa, lasciandoci però con la certezza che, alla
fine, il nostro limite invalicabile è il tempo, sinonimo sia di evoluzione che
di mortalità.
“Ruota eterna ruota pesante
Lenta nel tuo cigolio
Stai schiacciando le mie ossa e la
mia volontà…
Ah ruota gigante
Perché dunque mi fai pensare
Se nel tuo girare
La mente poi mi frenerai
Va la ruota va
Un colpo non lo perde mai…”
Fine della storia, della allegoria
che, come sempre, è solo l’inizio o il proseguimento di un’altra.
Questo album, come avrete capito, è
un’avventura sonora e concettuale straordinaria. L’unico limite è il suono:
quello del ’73, con le sole classiche otto piste di allora, è inciso un po’
piatto, batteria perduta al piano di sotto, senza dinamica. Tanto che il Banco,
con altre formazioni, Gianni andato via e Vittorio unica tastiera, l’ha
ripubblicato due volte: la prima nel ’91, suono trasparente e muscolare,
batteria sbattuta in faccia, e nel 2013, quando sono stati ripubblicati
entrambi i primi due Lp in versione deluxe: un live del 2012 + l’originale
rimixato e rimasterizzato. La prima volta ha sempre quel non so che, gli altri
fotografano bene non solo i cambiamenti del Banco, ma anche l’evoluzione
(darwiniana anch’essa, in fondo) delle tecnologie di registrazione e
post-produzione.
Per afferrare fino in fondo, per chi
non c’era, il senso pionieristico di “Darwin” bisognerebbe riascoltarlo con le
orecchie di ieri, quando gli anni ’70 erano ancora tutti da scoprire, le
ambizioni alte, e il risultato da mettere in prospettiva storica. Vittorio,
uomo trabordante di energia ancora oggi, totalmente dentro la sua musica e a
modo suo vero survivor, guarda indietro: «Credo che quando è nato il
progressive sia stato un esperimento d’avanguardia, perché la musica, come
qualunque cosa, va messa nel contesto in cui nasce. Noi pensiamo a Caravaggio
come un classico, ma quando Caravaggio ha dipinto i propri quadri è stata una
rivoluzione incredibile. Lui ha pensato alla luce elettrica, ai tagli teatrali
di nero e bianco quattrocento anni prima che Edison scoprisse la lampadina. Se
oggi lo vediamo come un classico, allora era avanguardia, un innovatore. Il
Banco oggi è un classico, siamo stati però sicuramente avanguardia, profonda
avanguardia. Chiaramente, questo ci ha reso la vita difficile per certi versi,
ma ci ha dato un respiro lungo per altri.
First Race, album di debutto degli
italo/svizzeri Hell Riders, ha avuto la
sventura di venire alla luce alla fine del 2019, a ridosso dell’incombente
pandemia che ha cambiato la vita di tutti noi da due anni a questa parte. In
pratica, non c’è stata la possibilità di promuoverlo in sede live, la dimensione
in cui una band dedita al più viscerale heavy metal ha la possibilità concreta
di esprimersi al meglio e farsi conseguentemente conoscere. Per realizzare un
disco come questo occorre energia, dedizione e sacrificio, oltre alla passione
naturalmente, ed è un peccato che passi inosservato. È giusto, quindi, parlarne
anche se è passato del tempo nella considerazione che si lascia gradevolmente ascoltare
e contiene alcune composizioni degne di nota. E’ evidente la voglia di affondare
le proprie radici nell’epoca d’oro, quando il metal imperava grazie a Motorhead,
Saxon, Iron Maiden, Judas Priest, Black Sabbath, e nell’analizzare i brani ho
trovato più di qualche riferimento ai mostri sacri degli anni ottanta. Ciò non
è da reputare come un fatto negativo perché gli Hell Raiders sono convincenti e
si rileva la ricerca di una propria dimensione artistica che sono certo potrà
essere sviluppata in futuro.
Ho qualche perplessità sul lavoro in sede di registrazione
perché con i mezzi a disposizione c’è la possibilità di incidere con una
qualità che qui manca. Sembra come se il disco fosse stato realizzato anni
addietro e non all’alba del 2020, almeno tale è la mia sensazione, ma può anche
darsi che l’intenzione di questi ragazzi sia stata proprio quella di voler
ricercare una certa ruvidità a scapito di un sound più cristallino.
La grinta
non manca di certo, come dimostra l’irruenza della title track che sembra saltata
fuori da un album di Lemmy e compagni o la maideniana Soldier of Steel. Nella
splendida Ghost Raider colpiscono il granitico riff portante e un bell’assolo
alla sei corde sciorinato da Richard, mentre Dragon Power ha un andamento nel
complesso più disincantato. Il grezzo mid-tempo posto alla base di Machanics
Armada è invitante nel suo incedere. Destination Manking è inizialmente malinconica,
sembra il preludio a una ballata… sbagliato! Gli Hell Raiders tornano a sfrecciare
veloci con le loro motociclette infernali nel contesto di una traccia metal in
cui a porsi in evidenza è il vocalism di Dave. La furiosa Queen of Death
dispone di un valido tema portante; ad eccellere un assolo di chitarra cucito
su misura su una ritmica adrenalinica. In Aviator la band dà il meglio di sé:
l’apertura è affidata a un fraseggio di chitarra pulito e arioso nel quale si
innestano efficacemente il basso della brava Caty e la batteria; la traccia si
snoda su un tema azzeccato con il gruppo che si esprime alla grande e la chicca
è l’assolo di chitarra veramente ben concepito e ai limiti dello stoner. L’esplosiva
B.T.K., consiglio la visione del video, e la conclusiva micidiale Beyond Death,
che mi ha rammentato con piacere i primi lavori dei Saxon e degli Iron Maiden,
chiudono un lavoro interessante. La formazione, nel frattempo è cambiata con
l’innesto di Bobo alle pelli, Sara Ceruti al basso e Dalto alla chitarra
solista. Attendiamo news!Heavy Metal is the law!
