BANCO: accadeva il 14 ottobre 2017 a Magenta

 Il 14 ottobre 2017 il Banco suona a Magenta (Mi), utilizzando la strumentazione dei CAP, il gruppo che aprirà il concerto.

Il giorno prima a Pisa il fonico era "scomparso" con tutta la strumentazione!

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Frank Zappa su Ciao 2001 nell'ottobre del 1984

In occasione del tour italiano di Frank Zappa, partito da Milano l’8 ottobre 1984, Ciao 2001, nel numero del 14 ottobre, dedica copertina e articolo a “Zio Frank”.

Per la cronaca il tour toccherà Bologna, Padova e Roma.

Di tutto un Pop…

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Il compleanno di Simon Nicol

Compie gli anni oggi, 13 ottobre, Simon Nicol, chitarrista, cantante, autore e fondatore dei mitici “Fairport Convention”.

Happy Birthday Simon!

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Simon Nicol è una figura di spicco nel panorama del folk rock britannico. Nato il 13 ottobre 1950 a Londra, è noto soprattutto per essere uno dei membri fondatori dei Fairport Convention, una delle band più influenti del genere.

Fairport Convention — with Simon Nicol, Ashley Hutchings, Richard Thompson Sandy Denny, Dave Mattacks, Ian Matthews, ('67-'68)

Nicol è un abile chitarrista e possiede una voce calda e caratteristica che lo ha reso inconfondibile.

Nonostante una breve pausa all'inizio degli anni '70, Nicol è l'unico membro originale ancora presente nella band, rendendolo una delle figure più longeve del gruppo.

Simon Nicol and Richard Thompson

Oltre ai Fairport Convention, Nicol ha collaborato con diverse altre band e artisti, tra cui la Albion Band, e ha anche intrapreso una carriera da solista.

Ha lavorato anche come produttore discografico, contribuendo alla realizzazione di numerosi album.

Fairport Convention, 1992

Nicol e i Fairport Convention hanno giocato un ruolo fondamentale nello sviluppo del folk rock britannico, mescolando elementi della tradizione folk inglese con sonorità più rock.

La musica dei Fairport Convention ha ispirato generazioni di musicisti e ha contribuito a definire il suono del folk rock.

I King Crimson il 12 ottobre del 1973

Il 12 ottobre 1973, durante il tour americano, i King Crimson sono ospiti del famoso programma “The Midnight Special” ed eseguono dal vivo “Lark’s Tongues in Aspic Part 2” e “Easy Money”.

Sembra che nel party serale John Wetton sia stato quello che ha… colpito di più!

Di tutto un Pop…

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October 12, 1973 

Hosts: The Bee Gees

--The Bee Gees - "Massachusetts," "Lay It on Me," "Alive," "Bye Bye Blackbird" & "Alone Again"

--The Bee Gees and Chuck Berry - "Reelin' and Rockin'" & "Johnny B. Goode"

--Chuck Berry - "Maybellene" "Sweet Little Sixteen"

--Apple and Appleberry - "Landlord"

--King Crimson - "Lark's Tongues in Aspic Part 2" & "Easy Money"

--Barbara Mason - "Yes I'm Ready"

--Lee Michaels - "Do You Know What I Mean," "Barefootin'" & "Same Old Song"

Analogy. Una copertina tra performance, body art e utopia hippie, di Renata Gatti

 

Analogy. Una copertina tra performance, body art e utopia hippie

di Renata Gatti

 

La copertina dell'album Analogy, pubblicato nel 1972, appartiene a quel ristretto gruppo di immagini che hanno saputo superare la loro funzione originaria per diventare vere opere visive. Ancora oggi viene ricordata come una delle copertine più audaci e discusse dell'intera stagione del progressive rock italiano. Dietro quella fotografia si cela un progetto sorprendentemente complesso, nato dall'incontro tra l'idea di Antonio Cagnola e la realizzazione fotografica di Alberto Carzaniga. Lo scatto risale in realtà al 1971, un dettaglio apparentemente secondario che si rivelerà fondamentale per comprendere la forma definitiva dell'artwork.

I protagonisti dell'immagine sono gli stessi musicisti del gruppo. Vengono ritratti integralmente nudi in un prato all'aperto, con il corpo ricoperto da decorazioni dipinte che richiamano forme botaniche stilizzate e motivi arabescati. Quattro figure si raccolgono attorno a un masso mentre una quinta compare isolata accanto a un'ampia fascia blu oltremare che attraversa verticalmente la copertina. Una chitarra, una grancassa e alcuni veli leggeri costituiscono gli unici elementi estranei alla presenza umana.

A una prima osservazione si potrebbe essere portati a leggere la fotografia semplicemente come una provocazione costruita sulla nudità. In realtà il lavoro di Carzaniga appare molto più sofisticato. Le pose sono statiche, quasi rituali. I corpi perdono gran parte della loro dimensione quotidiana e vengono trasformati in elementi plastici immersi nel paesaggio. Il body painting modifica la percezione delle forme anatomiche e contribuisce a una sorta di metamorfosi visiva che avvicina i musicisti a sculture viventi inserite nel verde.

In questo equilibrio tra natura, immobilità e rappresentazione emerge con particolare forza la figura della cantante Jutta Nienhaus. La sua presenza catalizza immediatamente lo sguardo dell'osservatore e finisce per assumere il ruolo di figura centrale dell'intera composizione. Più che una semplice componente della band, appare come una musa contemporanea, una presenza magnetica che riflette il carattere teatrale e intensamente espressivo della sua vocalità.

La nudità proposta dagli Analogy va inoltre collocata all'interno del contesto culturale dei primi anni Settanta. In quel periodo il corpo nudo non rappresentava soltanto un elemento estetico o decorativo. Era spesso un linguaggio attraverso cui mettere in discussione convenzioni sociali, morali e culturali. La copertina sembra inserirsi pienamente nel clima di liberazione che caratterizzò il movimento hippie e la controcultura internazionale, evocando un rapporto diretto con la natura e una dimensione quasi rituale dell'esistenza.

La fotografia dialoga apertamente anche con la Body Art, una delle espressioni artistiche più significative di quel periodo. In questa corrente il corpo diventava supporto dell'opera, superficie pittorica, strumento performativo e mezzo di riflessione politica. Il colore applicato sui corpi dei musicisti sottrae il nudo alla sua dimensione ordinaria e lo trasforma in un'esperienza artistica tridimensionale. Pittura, fotografia e performance convivono così all'interno della stessa immagine.

Da questo punto di vista è interessante osservare come l'opera anticipi suggestioni che oggi possono richiamare il lavoro di Vanessa Beecroft. Pur appartenendo a generazioni e contesti diversi, entrambe le esperienze sembrano condividere una medesima intenzione. Il corpo viene sottratto alla quotidianità per essere collocato in una dimensione simbolica, sospesa e quasi mitica, nella quale la presenza umana assume il valore di una costruzione estetica e concettuale.

Uno degli aspetti più curiosi della copertina riguarda però la celebre fascia blu che occupa una parte rilevante dell'immagine. L'elemento, apparentemente concepito come scelta grafica, nasce in realtà da una necessità pratica. Quando venne realizzata la fotografia il gruppo si chiamava ancora Yoice e la formazione comprendeva anche il bassista Mauro Rattaggi. In seguito al cambio di nome e all'uscita del musicista dalla band, si decise di recuperare il servizio fotografico senza realizzarne uno nuovo. La soluzione fu quella di coprire la figura di Rattaggi con la banda blu, sfruttandola contemporaneamente come spazio destinato al nome del gruppo e del disco.

Quello che poteva apparire come un semplice espediente tecnico si trasformò così in uno degli elementi più riconoscibili dell'intera composizione. La fascia verticale introduce infatti una forte tensione cromatica e geometrica all'interno di una scena altrimenti dominata dalle forme organiche della natura e dei corpi. L'intervento grafico modifica la lettura dell'immagine senza comprometterne l'equilibrio visivo.

Anche dal punto di vista fotografico il lavoro rivela una notevole competenza. La nitidezza della scena, la profondità di campo estesa e l'assenza di evidenti distorsioni suggeriscono una costruzione accurata dell'inquadratura. La luce naturale appare morbida e uniforme, contribuendo a creare un'atmosfera sospesa che accentua il carattere performativo della rappresentazione. Nella fotografia nulla appare improvvisato. Ogni elemento sembra concorrere alla creazione di un'immagine in equilibrio tra documento, messa in scena e opera artistica.

Anche l'intervento successivo che inserì la fascia blu appartiene a una stagione della grafica ormai scomparsa. Tutto il processo venne infatti realizzato con strumenti analogici, attraverso montaggi fotografici e fotocomposizioni eseguite manualmente, in un'epoca in cui le possibilità offerte dal digitale erano ancora lontane. Questo dettaglio contribuisce ad accrescere il fascino storico dell'opera e testimonia il livello di artigianalità richiesto dalla progettazione grafica discografica di quel periodo.

Rimane infine un ultimo elemento affascinante. Nonostante abbia firmato una delle immagini più iconiche e ricercate dai collezionisti del progressive rock internazionale, Alberto Carzaniga resta una figura relativamente poco documentata. In qualche modo la sua storia riflette quella di molti creativi attivi nella Milano dei primi anni Settanta, protagonisti di una stagione irripetibile nella quale fotografia, musica, grafica e avanguardia dialogavano continuamente senza preoccuparsi delle distinzioni disciplinari.

A oltre mezzo secolo dalla sua comparsa, la copertina di Analogy continua a colpire perché riesce a tenere insieme numerosi livelli di lettura. È documento di un'epoca, manifesto di una sensibilità controculturale, esperimento vicino alla Body Art e raffinata costruzione fotografica. La sua forza non risiede soltanto nell'audacia della nudità, ma nella capacità di trasformare un semplice ritratto di gruppo in una riflessione visiva sul corpo, sulla natura e sulla libertà espressiva.

ASCOLTO

Tracklist

Lato A

1.   Dark Reflections – 7:00 (Martin Thurn)

2.   Weeping My Endure – 4:50 (John Milton, Martin Thurn)

3.   Indian Meditation – 4:10 (Martin Thurn)

4.   Tin's Song – 1:40 (Martin Thurn)

Lato B

1.   Analogy – 9:45 (Analogy)

2.   The Year's at the Spring – 4:35 (Elizabeth Barrett Browning, Martin Thurn, Jutta Nienhaus)

3.   Pan-Am Flight 249 – 5:15 (Martin Thurn, Jutta Nienhaus)

 

Formazione

Jutta Nienhaus: voce

Martin Thurn: chitarra elettrica, chitarra acustica a 12 corde, flauto, bongos

Wolfgang Schoene: basso

Nicola Pankoff: tastiere

Hermann-Jürgen "Mops" Nienhaus: batteria

Mauro Rattaggi: basso (presente nelle traccie bonus delle edizioni successive)

King Crimson: il 10 ottobre del '69 usciva "In the Court Of Crimson King"

Il 10 ottobre del 1969 usciva per la Island Records “In the Court of the Crimson King”, primo album in studio dei King Crimson.

È generalmente considerato uno dei più grandi album del rock progressivo: la musica in esso contenuta travalica, secondo i critici, i confini del rock e attinge dal jazz e dalla musica classica, costituendo comunque un ponte tra generi diversi.

Qualcuno ha scritto che l’album “… potrebbe essere l'album di rock progressivo più influente mai pubblicato…”.

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Van der Graaf Generator: nell'ottobre del 1975 usciva "Godbluff"

Nuovo album - “Godbluff” - e tour in UK per i Van der Graaf Generator, nell’ottobre del 1975.

Di tutto un Pop…

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Estate 1975: eravamo a Londra quando ci capitò di leggere della ricostituzione della formazione originale di uno dei nostri gruppi preferiti in assoluto, i Van Der Graaf Generator. E non solo: il quartetto stava effettuando alcuni concerti sul Continente. Si immagini la nostra sorpresa quando scoprimmo che giusto in quel momento il gruppo era impegnato a fare concerti... in Italia! (E visto che parliamo di tempismo: quell'estate fu l'unica volta in cui gli Henry Cow suonarono nella nostra città - ovviamente mentre noi eravamo altrove.) Cercammo (invano) di superare il nostro disappunto. In effetti questo riformarsi appariva alquanto strano - esattamente allo stesso modo in cui aveva destato sorpresa la notizia che il gruppo era sul punto di sciogliersi, tre anni prima: cioè a dire nel momento in cui un seguito devoto, concerti entusiasmanti e una progressione brillante di eccellenti album di studio - The Least We Can Do Is Wave At Each Other ('70), H To He, Who Am The Only One ('70) e Pawn Hearts ('71) - sembravano annunciare un'imminente esplosione commerciale.

Ma fummo fortunati: assistemmo infatti al concerto londinese tenutosi al New Victoria Theatre il 30 agosto. Conosciuto per il suo procedere non ortodosso, il gruppo iniziò il concerto nella quasi totale oscurità, con un sottile e solitario flauto a scandire l'introduzione di The Undercover Man, brano d'apertura di un album ancora non pubblicato, Godbluff. Se ben ricordiamo il nuovo album fu eseguito nella sua interezza, con solo pochi tra i vecchi cavalli di battaglia in scaletta (Lemmings e Man-Erg) accanto ad alcuni brani provenienti dalla produzione solista di Peter Hammill (Forsaken Gardens, In The Black Room e A Louse Is Not A Home).

Godbluff fu pubblicato nell'ottobre del '75. L'ascolto mostrò che il gruppo aveva sensibilmente modificato la propria estetica, abbandonando il lavoro di produzione meticoloso con tonnellate di sovraincisioni in favore di un approccio più diretto, snello e "live" dove le radici soul, jazz e r&b dei musicisti emergevano con facilità. Il che non voleva certo dire che la musica fosse ora più semplice o commerciale che in passato; tutto l'opposto; e c'era un nuovo senso di urgenza, una superficie nervosa, più dura.

Godbluff si rivelò essere l'album preferito di chi scrive tra quelli dei Van Der Graaf Generator di quel periodo (sebbene ottimo nei suoi termini, l'album del 1977 intitolato The Quite Zone, The Pleasure Dome è opera di un gruppo molto diverso). E lo è ancora, dato che il successivo Still Life ('76) offriva picchi più elevati ma anche cose meno riuscite (a nostro parere, naturalmente); mentre le quattro lunghe tracce di Godbluff - The Undercover Man, Scorched Earth, Arrow, The Sleepwalkers - mostravano un'unità di ispirazione che rendeva il disco fortemente unitario.

Abbiamo deciso di acquistare la nuova edizione rimasterizzata in digitale di Godbluff. Le edizioni rimasterizzate in digitale ci lasciano di solito decisamente scontenti: troppe frequenze alte, pochi bassi, poco "calore", un suono complessivo stancante dove i colpi di piatto costituiscono una minaccia per l'udito. Siamo quindi lieti di poter dire che l'album suona molto bene - decisamente meglio, a nostro avviso, dei brani apparsi alcuni anni fa sul box quadruplo del gruppo intitolato The Box. 

Qui non c'è niente di veramente "nuovo", ma i pedali di basso su The Undercover Man, il lavoro di clavinet su Scorched Earth e Arrow, il basso elettrico su The Sleepwalkers sono apprezzabili con facilità, mentre i piatti non fanno mai "fi-zz...". Due brani dal suono orribile registrati dal vivo in quel periodo - Forsaken Gardens e A Louse Is Not A Home - completano il tutto.

Riascoltando Godbluff - album che conosciamo praticamente a memoria e che non ascoltavamo più da moltissimo tempo - riflettevamo su come a quei tempi quel tipo di qualità, quel concetto di "stirare la canzone", fossero dati per scontati. Mentre oggi Godbluff suona come il precursore di una musica che non è mai arrivata. Il che è decisamente strano.

Beppe Colli