Compie gli anni oggi, 16
maggio, Robert Fripp, l'uomo che ha
"inventato" i King Crimson. Chitarrista, compositore,
polistrumentista, produttore.
Il 16 maggio 1969
festeggiava il suo 23° compleanno suonando con i King Crimson, per la prima
volta al Marquee di Londra. Ancora poco conosciuti, erano gli ultimi in ordine
di importanza nel palinsesto della serata che comprendeva: Steppenwolf, Terry
Reid, Hard Meat e King Crimson.
La formazione comprendeva:
Robert Fripp (chitarra), Michael Giles (batteria), Greg Lake (basso e voce),
Ian Mc Donald (fiati, effetti vari), Pete Sinfield (testi, e luci).
Voluti fortemente da
John Gee, interessato a nuove forme di musica sperimentali, lasciarono tutto il
pubblico a bocca aperta per il loro sound complesso e "schizofrenico".
Molta acqua è passata
sotto i ponti da quel giorno, ma i King Crimson sono ancora "on the
road", inseriti nell'olimpo del progressive mondiale.
“Ogni stecca
ripetuta due volte è l'inizio di un arrangiamento”
(Frank Zappa)
Veniva rilasciato nel maggio
1968 "Lumpy Gravy",
il primo disco solista di Frank Zappa, quindi
senza le "Mothers of Inventions", un album orchestrale, molto
surreale, forse l'album che ha diviso più di tutti i suoi fans… chi lo giudica
il suo peggior lavoro e chi ne parla come un capolavoro di "dadaismo".
Ci suonano molti
artisti di fama, tra cui Eric Clapton e Al Viola, storico chitarrista di Frank
Sinatra, più alcune "Mothers", come Roy Estrada, Jimmy Carl Black.
Dei critici non si
ricorda nessuno... Zappa lo ricordiamo tutti!
Di tutto un Pop
Wazza
RECENSIONE
DI VALERIO D'ONOFRIO
Terminata la trilogia
freak (Freak Out!, Absolutely Free, We’re only in it for the money) Frank Zappa
ha l’opportunità di realizzare un suo sogno. Dirigere una vera e propria
orchestra composta da circa cinquanta musicisti. È una grande occasione ed una
sua grande ambizione, dimostrare di non essere un musicista come altri, bensì
un vero e proprio compositore moderno capace di miscelare gran parte della
musica degli ultimi cinquant’anni creando qualcosa di nuovo, una musica che
possa definirsi totale.
La scelta dei membri
dell’orchestra non va nella direzione di esperti musicisti classici ma, messe
momentaneamente da parte le Mothers (che comunque partecipano), si rivolge
verso una serie di musicisti jazz e rock. L’orchestra viene ribattezzata
“Abnuceals Emuukha Electric Symphony Orchestra & Chorus”.
Nonostante le
differenze con la precedente trilogia siano palesi non mancano le similitudini.
Zappa continua, pur con gli abiti del direttore d’orchestra, le sue gag
parodistiche e surreali, il suo tono irriverente e sarcastico. Se la trilogia
era riuscita a creare uno straordinario mix dei suoi due grandi amori, la
musica che ascoltava avidamente fin dalla giovanissima età, l’avanguardia di
Edgard Varese, John Cage o perfino Igor Stravinskij e il Rhythm and Blues di
Slim Harpo e di Lightnin’ Slim o il Doo Wop dei vari gruppi vocali, qui invece
c’è una chiara svolta verso l’avanguardia. Le parti vocali scompaiono e vengono
sostituite da dialoghi interminabili che spezzettano le parti musicali. Sembra
che Zappa con Lumpy Gravy e con il successivo omaggio al Doo Wop (il
deludente Ruben And The Jets) abbia voluto scindere le sue due passioni.
Frank Zappa Lumpy Gravy 1967 con Al
Viola storico chitarrista di Frank Sinatra
Lumpy Gravy è in pratica una lunga serie di idee
e di intuizioni che vengono tagliate e cucite tra loro. Le parti musicali sono
interessanti ma spesso rimangono incompiute, pronte per un ulteriore
approfondimento che in parte troveremo nel bellissimo e più maturo album
successivo, Uncle Meat, in parte vengono lasciate lì, in dono ad un ipotetico
futuro musicista che possa riprenderle e proseguire su quella strada (chissà se
questo musicista esisterà mai). L’album ha solo due brani di quindici minuti,
collage di svariati e brevissimi altri brani. Il primo è uno splendido collage
d’avanguardia, il secondo è invece inferiore e rappresenta bene tutti i limiti
di questa nuova svolta di Zappa. I limiti di Lumpy Gravy stanno negli
interminabili dialoghi, a volte quasi irritanti, e nella eccessiva
frammentarietà che fa perdere forza ed efficacia alle parti strumentali. La
musica sembra quasi disperdersi all’interno di risatine, gag, rumori di bambini
e quant’altro. Questo si nota in particolare nel secondo brano dove, nonostante
i quindici minuti, le parti degne di interesse non superano i sei-sette minuti.
Da questo punto di vista Lumpy Gravy può considerarsi un’occasione mancata.
Lumpy Gravy rappresenta un’evoluzione nella
carriera di Zappa, una svolta tra il suo periodo freak destinato ormai a
terminare e il nuovo Zappa che stava nascendo, il genio di Uncle Meat, Hot
Rats, Burnt Weeny Sandwich, ecc. Da questo punto di vista resta un disco
fondamentale nella sua carriera, una tappa intermedia ma obbligata. Mancavano
pochi mesi, Uncle Meat era quasi pronto…
Doppio compleanno oggi, 15
maggio, per due talentuosi musicisti, Brian Eno e Mike Oldfield.
Tutti e due compositori e polistrumentisti... chapeau!!
Wazza
Mike Oldfield
Compie gli anni oggi anni Mike
Oldfield, polistrumentista, produttore e compositore britannico, nato a Reading
(Inghilterra). Arrivò alla fama mondiale con la sua opera di 1973 "Tubolar Bells", che è stata usata come parte della soundtrack di "L'esorcista". Ha anche avuto
una hit nel 1983 con il tema "Moonlight Shadow", cantata da Maggie Reilly.
Mike
ha continuato a registrare e attualmente si è semiritirato
alle Bahamas.
Brian Eno
Compie gli anni anche Brian
Eno, musicista, produttore e compositore britannico nato a Woodridge
(Inghilterra), noto inizialmente per il suo lavoro ai sintetizzatori nei
Roxy Music, ha avuto il suo più grande impatto artistico con le sue musiche
d'ambiente e la sua collaborazione con artisti come David Bowie, Talking Heads, Devo e U2.
Per qualcuno considerato un non musicista, Eno ha dimostrato
ampiamente il suo talento in questo campo, sia come tastierista/cantante/compositore, sia producendo le opere di altri musicisti.
Pink
Floyd were performing at The Warehouse in New Orleans, Louisiana
on
May 15, 1970
Brutta avventura per i Pink Floyd dopo le date del 15 e 16 maggio 1970,
al Warehouse di New Orleans.
Fu rubato il camion con tutte le costose
attrezzature, ma grazie ad una ragazza, figlia di un dipendente dell’FBI, in
poco tempo il tutto fu recuperato e terminò lo sconforto per i quattro
musicisti inglesi.
Di tutto un Pop!
Wazza
Maggio 1970: i Floyd stanno finendo
il tour in Nord America, ma non avrebbero mai immaginato cosa sarebbe successo
dopo le date del 15 e 16 maggio al “Warehouse” di New Orleans in Luisiana.
Dopo il concerto - in cui suonarono
anche la Allman Brothers Band e i Country Funk -, mentre i Pink Floyd dormivano
in albergo, dal loro camion furono rubate tutte le attrezzature per un totale
di 40.000 dollari!
Fu portato via tutto: 4 chitarre
elettriche (compresa la Black Strat che David aveva comprato poche settimane
prima), un organo, un impianto acustico da 4000w con dodici altoparlanti, 5
unità echo Binson, microfoni, 2 batterie e chilometri di cavi. Di conseguenza i
restanti concerti del tour, a Huston e a Dallas, furono annullati.
In un’intervista rilasciata a “Melody
Maker” Nick Mason disse: “Fu una catastrofe, ci ritrovammo seduti in hotel a
pensare: -ecco, è tutto finito-. Raccontando i nostri guai a una ragazza che
lavorava lì venimmo a sapere che suo padre lavorava per l’FBI. La polizia non
ci aveva aiutati molto. L’FBI invece si mise ad indagare e quattro ore dopo
ritrovò le nostre cose”.
Celeste rilascia un nuovo capitolo
della propria saga, Anima Animus, andando a riprendere,
riarrangiare e ovviamente risuonare alcune fra le migliori composizioni
solistiche di Ciro Perrino. La
prolificità del suo leader, apparentemente senza confini, si eleva andando a
riproporre in chiave attuale canzoni dimenticate o meno, siccome ad esse viene
data nuova vita andando ad ampliarne il ventaglio dei loro significati. Questa
si chiama importanza: sono motivi così intensi e profondi che hanno meritato
l’accoglienza di Celeste. Un progetto assolutamente ambizioso e mirato, per
dirla tutta. Andando nello specifico, vanno nominati gli album dai quali i
brani presenti su “Anima Animus” arrivano, quindi: “Far East” del 1990 (Cosmic
Carnival e El Mundo Perdido), “The Inner Garden” del 1992 (Lilith),
“Moon In The Water” del 1994 (Roots And Leaves e Secret Crime),
“De Rerum Natura” del 1997 (Anima Animus, De Rerum Natura e Moon
And Cloud Dancing). Queste canzoni, insieme ad altre, erano state
successivamente inserite in tre compilation a tema; un trittico dedicato alla
ricerca interiore atta a migliorare la qualità della propria esistenza. Esse
sono: “Energetic (playlist: music to find our own inner rhythm)”, ossia una
raccolta di brani adatti a ripristinare un rinnovato equilibrio di energia
psico-fisica, favorendone il movimento del corpo e il benessere dello spirito,
nonché aiutando a trovare il proprio ritmo interiore - “Soothing Heart
(playlist: music for relaxation)”, ossia una raccolta di brani che
predispongono ad un ascolto interiore, alternando momenti di calma e lieve
movimento, come il vento, la brezza, le onde del mare, per ristorare l’energia
del cuore - “Inner Inspiration (playlist: music for meditation)”, raccolta di
brani adatti a creare la giusta atmosfera per momenti di meditazione e
rilassamento; consigliata a chi si dedica e pratica Reiki, Yoga, Meditazione e
vuole canalizzare al meglio l’energia.
Anima Animus, traccia che ha anche dato il titolo
a quest’opera, si presenta in maniera introspettiva (credo non potesse essere
altrimenti) per poi virare verso lidi fiabeschi cari ai Celeste, dove la
sinfonia d’insieme espone sé stessa ad alti livelli qualitativi veramente
inusuali per l’ormai pressoché defunto panorama musicale italico. Grande prova
dei fiati, che sul finale raccontano un mondo volutamente fantasioso. Roots and Leaves, dolcemente prog, ha
ritmo piacevole e ammiccante, con mix di fiati e pianoforte a dettare la linea.
Originale e figlia della seconda parte degli anni Settanta, trova un flauto che
si fa stupendo nel saper colorare i chiaroscuri lasciati dalla melodia. Da
volare e far volare. Cosmic Carnival rilassa
donando rintocchi percussivi nati nella natura e per la natura. Il basso la fa
da padrone a tessere le fila di questo non luogo, che resterà a lungo riparato
dalle nefandezze d’oggigiorno, grazie a sorprendenti armonie che crescono e si
sviluppano lungo la strada spirituale di ognuno di noi. Una carezza d’amore per
il prossimo che Ciro ha saputo rendere viva sul pentagramma. De Rerum Natura, ossia “la natura delle
cose” o “sulla natura”, è in origine un poema didascalico latino in
esametri di genere epico-filosofico, scritto da Tito Lucrezio Caro nel I secolo
a.C.
I Celeste lo interpretano come fosse il loro respiro, per
regalare vita a chi lo ascolta. Non ha alcun genere di paragone o similitudine
con altre bellezze in musica, ma ha solo e unicamente il coraggio
nell’affrontare la grande sfida, vinta, di farne parafrasi in suoni. Elegiaca,
con finale da brividi. Lilith,
divenuta nell’Ottocento simbolo della libertà delle donne (pur avendo antiche
origini leggendarie di negativi significati) tende la mano al mondo femminile
per abbracciarne le motivazioni realistiche, portandone ancora una volta alla
ribalta la sacrosanta lotta per l’emancipazione e i diritti troppo a lungo
negati. Canzone dominata prima dalla voce di Ines Aliprandi e poi dal sax e dal
flauto, è un piccolo gioiello che si fa sogno vivente. El Mundo Perdido è fatti di suoni
d’ambientazione centro-sudamericana, e come suggerisce il titolo, narra di un
qualcosa di estinto. Sebbene risvegli un messaggio di dolorosa attualità,
riesce a suggerire all’ascoltatore una speranza per il futuro, recandone le giuste
attenzioni a quello che ancora si ha a disposizione, da preservare, difendere e
amare. Secret Crime è forse
la più distante del lotto dalla filosofia dei Celeste, poiché è dal jazz che
trae ispirazione. In ogni caso non un episodio distaccato dalla filosofia
complessiva del disco, ma un capitolo che andava scritto e letto e suonato per
globalità del messaggio finale. Voce, sezione ritmica e tastiere protagonisti
indiscussi di questa cavalcata. Moon
and Cloud Dancing, ultimo brano dell’album, è, per chi scrive, il suo
apice. Un’ode alla vita vera. Tollerante coi sentimenti altrui, arricchisce
secondo dopo secondo; nemica dell’ipocrisia, rende omaggio all’essenzialità,
condannando il superfluo e l’inutile; evocativa di quanto di bello e sano possa
ancora esistere; succosa come il frutto preferito di ciascuno di noi, essa
invita a guardare la propria e l’altrui esistenza come unica, vera e possibile
moneta fonte di benessere. Un’immensa prova di congiunzione artistica di anime
pulite.
Oggettivamente “Anima Animus” è un disco da avere; se siete
fra quelli che colgono da tempo questi messaggi, ne uscirete migliorati; se
siete lontani anni luce da essi, farete grandi scoperte che vi aiuteranno nel
tempo. Abbracci diffusi.
Davide Mocini - 12 Strings Guitar in
“El Mundo Perdido” and “Cosmic Carnival”
Marco Fadda –
Percussion
All tracks composed
by Ciro Perrino
Graphics by Massimo Mazzeo
Le registrazioni si sono svolte tra gennaio e febbraio 2025
presso il Mazzi Studio di Borghetto S. Spirito con il Sound Engineer Alessandro
Mazzitelli e sono proseguite da marzo ad aprile 2024 presso i Rosenhouse
Studios di Vallecrosia con i Sound Engineer Alessio e Andy Senis.
Usciva il 12 maggio 1972 "Exile on Main Street", doppio album dei Rolling
Stones, capolavoro del rock-blues…
Di tutto un Pop…
Wazza
Il 12 maggio del 1972 esce il nuovo LP
dei Rolling Stones, il primo doppio album della loro carriera. Si chiama
"Exile on Main street", perchè nell'inverno dell'anno precedente gli
Stones avevano lasciato la patria a causa del nuovo regime fiscale che rischiava
di risucchiare tutti i loro guadagni. Così le pietre vanno in esilio, proprio
come dice il titolo dell'album, nel Sud della Francia.
Si ritrovano nella lussuosa villa in
Costa Azzurra che Keith ha affittato assieme alla fidanzata Anita Pallenberg e
qui, tra fiumi di alcol e droga, nasce uno degli album rock più leggendari
della storia. La creatività e l'ispirazione di Mick e Keith sono davvero
incredibili. I 18 brani del disco trasudano country, blues, gospel, rockabilly,
rock n' roll senza alcuna inibizione: un viaggio teso al recupero della propria
memoria storica con disarmante innocenza e con una certa rilassatezza.
Alla villa in quei mesi transitano
parecchi amici degli Stones, ma uno in particolare, Gram Parsons (in quel momento
membro dei Byrds) , ha un ruolo fondamentale. Influenza infatti le sonorità
country del disco e, pur non accreditato, è presente nel cuore di uno dei pezzi
più emblematici dell'album: "Tumbling Dice".
Il brano viene utilizzato come primo
singolo, e narra la storia di un giocatore d'azzardo che non è in grado di
giurare fedeltà alle sue donne. Il bassista della band, Bill Wyman, è assente
al momento dell'incisione. Lo sostituisce Mick Taylor, il giovane prodigio
della chitarra rock-blues che ha rimpiazzato Brian Jones. Al pianoforte c'è niente
di meno che Ian Stewart.
Anche se sono necessari parecchi anni
prima che pubblico e critica valutino adeguatamente "Exile on Main
Street", il doppio album degli Stones è oggi considerato il loro disco
capolavoro.
Il 12 maggio del 1967 i Pink
Floydtennero un concerto -
spettacolo alla prestigiosa Queen Elizabeth Hall di Londra, intitolato
"Games For May - Space Age Relaxation For The Climax Of Spring".
Qui debuttarono con un nuovo congegno musicale che in seguito sarebbe diventato
noto come "Azimuth Co-ordinator", un dispositivo tipo joystick usato
per "distribuire" i suoni intorno alla sala. Alla band venne vietato
di suonare nuovamente alla Elizabeth dopo aver macchiato i tappeti e le
poltrone della sala con fiori e bolle "sparate" da una macchina. Fu
uno dei primi concerti “psichedelici” e sperimentali che fecero conoscere i
Pink Floyd, nel circuito musicale “che conta”.
Di tutto un Pop…
Wazza
Qualche dettaglio…
Games for May è stato un concerto di musica rock
che ha avuto luogo presso la Queen Elizabeth Hall il 12 maggio 1967, tre mesi
dopo l'apertura della sede. Fu uno dei primi eventi concertistici significativi
tenuti dai Pink Floyd. Lo spettacolo fu organizzato dai manager dei Pink Floyd
Andrew King e Peter Jenner della Blackhill Enterprises e promosso dal promotore
di musica classica Christopher Hunt.
Games for May fu descritto come un "rilassamento
dell'era spaziale per il culmine della primavera: composizione elettronica,
proiezione di colori e immagini, ragazze e Pink Floyd". Il concerto
comprendeva alcuni dei primi singoli della band e materiale dal loro album di
debutto ancora da pubblicare - The Piper at the Gates of Dawn. Durante
la performance, alcuni membri della band crearono effetti sonori tagliando la
legna sul palco, un uomo vestito da ammiraglio distribuì narcisi e le bolle
prodotte da una macchina mentre lo spettacolo era in corso macchiarono tutti i
mobili del corridoio. Di conseguenza, ai Pink Floyd fu vietato di … ritornare!
Fu il primo concerto in Gran Bretagna
a presentare sia un complesso spettacolo di luci che un sistema di altoparlanti
surround quadrifonico a quattro canali. Un dispositivo di missaggio del suono
chiamato " Coordinatore azimutale " fu utilizzato per dirigere i
suoni a più altoparlanti in tutta la stanza. La musica dal vivo fu integrata
con suoni da nastri preregistrati. Roger Waters creò gli effetti del nastro
dell'alba di apertura utilizzando richiami di uccelli e altri suoni naturali
(un effetto che ha poi utilizzato in "Cirrus Minor” e “Grantchester
Meadows "). I suoni gorgoglianti alla fine dello spettacolo furono creati
da Rick Wright mentre il pezzo finale fu costruito da Barrett. A quel tempo, la
canzone che sarebbe diventata " See Emily Play " era conosciuta come
"Games for May".
Ricordiamo Mia
Martini, era il 12 maggio 1995 quando decise di andarsene!
Era considerata la "Julie
Driscoll" italiana, il "Battisti in gonnella".
Fu una delle poche donne a partecipare
e vincere i Festival Pop negli '70.
Poi la maldicenza, le malelingue, e
tutta la stupidaggine di certi discografici, contribuì a rovinare la su fragile
personalità.
Per non dimenticare…
Wazza
Come nacque la
terribile maldicenza che "portava sfortuna"...
Mimì all’epoca stava suonando in giro
per l’Italia accompagnata dal suo gruppo “La Macchina”, composto dagli ex “I
Posteri” Riccardo Caruso (voce e tastiere), Giorgio Dolce (chitarra), Giovanni
Baldini (basso) e Daniele Cannone (batteria), con i quali inciderà anche una
manciata di covers.
Intorno al maggio ’71 viene notata dal
discografico Alberigo Crocetta che le propone un contratto con la RCA a patto
però di sbarazzarsi dei suoi musicisti, i Free Love, il cui sound è ritenuto
troppo duro.
Sul momento Mia probabilmente non se
la sente di abbandonare i compagni, ma per venire incontro all’etichetta
discografica, accetta di registrare il suo primo singolo, “Padre davvero”, con
un’altra line up (chiamata anch'essa "La macchina") di cui fecero
parte proprio alcuni componenti dei Free Love più il tastierista Stefano
Sabatini che da allora cominciò a gravitare nel gruppo.
Al Festival Nuove Tendenze di
Viareggio (27 maggio – 2 giugno 1971) Mimì però ci va con i vecchi compagni e
vince, malgrado le roventi polemiche inscenate dal suo compagno di allora, Joe
Vescovi dei Trip. Quella sarebbe stata l’ultima volta che si sarebbe esibita
con gli ex “I Posteri” (ovvero, la prima formazione della Macchina) che si
congedano da lei lasciandola sola alla vigilia del Festivalbar dell’8 agosto
1971.
Sullo scioglimento della prima
"Macchina" c’è anche chi sostiene che alcuni membri della band
abbandonarono la cantante in quanto non se la sentirono di affrontare una
tournèe nazionale. Tuttavia, è plausibile pensare che il veto della RCA avesse
influito non poco sullo scisma.
L'ESTATE A
VIAREGGIO DEL 1971 E GLI ECHI DEL "PRIMO FESTIVAL POP"
(nella foto: la
prima pagina del quotidiano LA STAMPA del 31 maggio 1971;
il fotografo probabilmente non sapeva che
stava immortalando MIA MARTINI, vincitrice a pari merito con la PREMIATA
FORNERIA MARCONI e gli OSANNA
Comunque sia, a partire dall’agosto
’71 Mia Martini si mette a caccia di nuovi musicisti per dar vita a una seconda
formazione della Macchina, e il primo ad arrivare fu ancora Stefano Sabadini
che abbandonò definitivamente i Free Love, sostituito da John Picard al violino
elettrico e dall’organista Fabio Cammarota.
Dopo qualche mese di attività con il
nuovo assetto (Caia, gli Stogel, Cammarota e Picard) però anche i Free Love
devono separarsi temporaneamente per impegni privati: John e Fabio per
sostenere gli esami di diploma di violino e Carl (che nel frattempo aveva
cominciato anch’egli a collaborare con la nuova Macchina) per un viaggio in
America.
A quel punto, e siamo circa nei primi
mesi del 1972, Gianni Caia e Steve Stogel rimasti discoccupati, raggiungono
Sabadini nella nuova Macchina che finalmente acquisisce un’identità stabile
(Caia, gli Stogel, Sabadini e Montaldo) e parte in tournèe con Mia Martini.
Nel mese di febbraio però, un destino
crudele spezzerà la loro carriera. Ricorda così, il chitarrista dei Libra
Nicola di Staso in un'intervista ad Augusto Croce del 2008:
"Ero amico di Gianni Caia,
lavorava in un negozio di dischi a via Galli[...] Quando successe la disgrazia
stavano suonando con Mia Martini. […] Tornando la notte stessa da una serata
nel Sud Italia per poter assistere ad un concerto di un gruppo inglese a Roma -
me lo ha raccontato il loro autista del furgone che conoscevo -, un colpo di
sonno e... morirono Gianni e Steve […]. Una vera tragedia."
In sintesi, la cronaca dell'epoca
riportò invece così l’incidente:
“Gianni Caia, 20 anni e Steve
Stogel 23, sono morti sull’autostrada Salerno-Reggio Calabria nello scontro tra
il loro pullmino e un autocarro. Gli altri due, Stefano Sabatini (18 anni) e
Mauro Montaldo (20) sono ricoverati in gravi condizioni all’ospedale di
Salerno. I quattro giovani provenivano da Siracusa dove sul loro Ford Transit
erano diretti a Milano e a Torino dove erano stati ingaggiati per alcune serate.
Nelle vicinanze di Salerno verso le 23, il Transit ha tamponato violentemente
l’autocarro che lo precedeva".
Fabio Cammarota Gianni e Steve
morirono sul colpo mentre Mauro e Stefano vennero soccorsi dall’autista
dell’autocarro Emilio Panfili e portati all’ospedale di Salerno grazie a auto
di passaggio. Per Stefano i medici si riservarono la prognosi e al momento il
solo Mauro venne dichiarato guaribile in 40 giorni.
Questo è quanto ci è dato di sapere su
quel terribile evento.
Non molto tempo dopo, venne
organizzato un concerto al Piper per ricordare gli amici scomparsi ed aiutare
economicamente le loro famiglie: in particolare la mamma di Gianni, all'epoca
in stato di grave difficoltà economica.
È chiaro che ricomporsi in un momento
del genere non fu una cosa facile, ma con grande forza d'animo Sabatini e Carl
Stogel ricostruirono un gruppo per partecipare al concerto di Caracalla
nell'autunno del 1972, con il batterista Giovanni Liberti e il sassofonista
Stefano Cesaroni: fu l'ultima volta dei "Free Love"
I soli Liberti e Sabatini avrebbero
formato i Kaleidon l'anno successivo.
L'incidente ebbe gravi ripercussioni
anche su Mia Martini che da quel momento in poi, acquisì la tristemente nota
patente di iettatrice. Mimì raggiungerà Gianni e Steve il 12 maggio del 1995
seguita da Carl Stogel che ci ha lasciato nell'autunno del 2004.
Memorabile
concerto del Banco del Mutuo Soccorso al Palladium
di Roma il 12 maggio 1992.
La band
festeggiava 20 anni di carriera; il concerto venne filmato, una parte fu
utilizzata per il “VHS” (poi DVD), “Ciò che si vede è”,
per la regia di Paolo Logli, che tornerà a collaborare con il Banco per
i testi di “Transiberiana”.
Di tutto un Pop…
Wazza
Registrazione
del concerto che Il Banco Del Mutuo Soccorso tenne al Palladium di Roma il 12
maggio del 1992.
Il Banco del
Mutuo Soccorso è uno dei gruppi chiave del rock progressive italiano: le loro
esibizioni sono accolte sempre da una schiera di appassionati, segno evidente
di coerenza e onestà artistica che pochissimi altri gruppi italiani possono
vantare.
Vittorio
Nocenzi (tastiere), Rodolfo Maltese (chitarra), Francesco Di
Giacomo (voce), Pier Luigi Calderoni (batteria) e Tiziano Ricci
(basso), ripercorrono i migliori successi del gruppo.
Usciva l'11 maggio
1970 il triplo album "Woodstock: Music
from the Original Soundtrack and More", colonna sonora dell'omonimo
film sui tre giorni di "peace, music & love" più importanti della
musica rock.
Per avere altre tracce
del concerto bisognerà aspettare molti anni.
Singolare la storia
legata alla copertina proposta a fine articolo. All'epoca un disco
introvabile, solo d'importazione e dal costo elevatissimo per le
tasche di noi "pischelli".
Di tutto un Pop…
Wazza
Joe Cocker
Jimi Hendrix
Jefferson Airplane
I Jefferson Airplaine
concludono la maratona notturna iniziando a suonare alle 08.00 del mattino di
domenica.
Attirati dalla musica
due ragazzi si mettono in piedi avvolti in una coperta, scambiano qualche
parola, sorridono e si abbracciano.
Stanno assieme da
qualche mese e non sono esattamente due "veri hippy": Bobbi Kelly è
una ragazza di campagna impiegata di banca e Nick Ercoline uno studente
costretto a svolgere due lavori per pagarsi il college.
Burk Uzzle, un giovane
fotografo che occasionalmente collabora con Newsweek, fa appena in tempo a fare
qualche scatto per immortalare il momento.
Uno di quegli scatti
diventerà, ad insaputa dei protagonisti, la copertina ufficiale del leggendario
disco (multiplatino) "Woodstock: Music from the Original Soundtrack and
More" e la fotografia "ufficiale" di un'intera generazione.
Tanto è andato perduto
di quel 1969: passioni e ideologie, l'esistenzialismo romantico, l'innocente
ingenuità del movimento hippy, la rivoluzione del sapere, il confuso ardore dei
movimenti anti-Vietnam, la Summer of Love, Dennis Hopper e Peter Fonda, Jack
Kerouac ed i beatnik, il femminismo, la psichedelia, le lotte per i diritti
civili... ma non Nick e Bobbi.
Loro sono stati insieme sino a due anni fa, quando Bobbi è mancata: hanno avuto due figli.
I "Tre giorni di
pace e amore" di Woodstock sono diventati semplicemente "una
vita".
Non hanno mai chiesto
soldi per quella foto, solo un ingrandimento dell'originale da tenere in casa,
dimostrando di aver conservato gran parte dello spirito hippy che aveva animato
quella generazione.
Bobbi Kelly Ercoline è mancata lo scorso marzo, all'età di 72 anni.
