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lunedì 28 aprile 2025

Mick Ronson: era il 29 aprile


Mick Ronson, chitarrista, cantante, produttore, se ne andava il 29 aprile 1993, a soli 46 anni, per un male incurabile.
Era noto al grande pubblico per essere stato il chitarrista di David Bowie nei suoi "Spiders of Mars", del periodo "Ziggy Sturdast"
Questo è sicuramente riduttivo, Mick era un bravissimo chitarrista, e ha arrangiato tutti i successi di Bowie; la leggenda racconta che quando Bowie lo chiamò per chiedergli di suonare con lui Mick storse la bocca… ma la cosa che lo convinse fu il fatto che i concerti di Bowie "erano pieni di belle ragazze"!

Produttore del capolavoro di Lou Reed "Transformer", basta citare "Perfect Day" e "Satellite of Love", dove suona la chitarra distorta con un pedale "wha wha". 
Grande appassionato della musica italiana, è uno dei pochi casi in cui un musicista straniero incide "cover" di brani italiani. Sul suo primo album da solista arrangia e incide "Music is Lethal", la versione inglese di "Io vorrei... non vorrei... ma se vuoi", di Lucio Battisti.
Nel secondo "The empty Bed", "Io me ne andrei", di Baglioni.
Suona con Ian Hunter e in tour con  Bob Dylan e la sua "The Rolling thunder revue".
Collabora nel 1987 con il gruppo italiano Moda (senza accento sulla à), di Andrea Chimenti.

Per non dimenticare… ma soprattutto per riscoprire !
WK

Con David Bowie


 Il "cast" completo di Rolling Thunder Revue 1975

Il compleanno di Eddie Jobson

Compie gli anni oggi, 28 aprile, Eddie Jobson, tastierista, violinista.

Forse si fa prima a scrivere con chi "non" ha suonato... enfant prodige, entra ancora minorenne nei Curved Air; nel 1973 sostituisce Brian Eno nei Roxy Music e inizia una carriera straordinaria, sino a che, nel 1976, approda alla corte di Frank Zappa.

Fonda il supergruppo degli UK, con Allan Holdsworth, Bill Bruford e John Wetton.

Phil Manzanera, Bryan Ferry, Andy Mackay and Eddie Jobson of Roxy Music speak onstage during the 2019 Rock & Roll Hall Of Fame

Durante il tour americano del 1979, come "spalla" dei Jethro Tull, si "invaghisce" (musicalmente) di Ian Anderson ed entra nel suo riformato gruppo dopo il "sisma" di “Bursting Out!” Dave Pegg, ama raccontare questo aneddoto: "Eddie sul palco era circondato da tastiere, che suonava contemporaneamente con le due mani, da entrambi i lati; alla fine del soundcheck gli allontanavo le tastiere di quel tanto che Eddie non ci potesse arrivare..." forse è per questo che se n’è andato subito?

Dalla metà degli anni '80 si dedica alla carriera solista, sperimentazione e colonne sonore; forma poi gli UKZ.

È stato special guest con gli Yes, King Crimson, Deep Purple, Fairport Convention, Brian Ferry, Bill Bruford, Phil Collins, Amazing Blondel… vado avanti?

Nel 2012, insieme a John Wetton, e Terry Bozzio, ha riformato gli "UK", ottenendo sold out in tutti i concerti. Insomma, un fenomeno.

Nell’aprile 2017, insieme a Marc Bonilla, ha portato in tour un tributo a John Wetton e Keith Emerson chiamato “Fallen Angels Tour”.

Nel 2019 viene inserito nella Rockand Roll Hall of Fame come membro dei Roxy Music.

Happy Birthday Eddie!

Wazza

UK
 





venerdì 25 aprile 2025

Compie gli anni Fish

Compie gli anni oggi, 25 aprile, Fish (Derek Dick), voce del gruppo rock britannico Marillion dal 1981 al 1988.

Il singolo ”Kayleigh" arrivò al secondo posto nel Regno Unito nel 1985.

"Lasciati i Marillion, Fish evolve in artista solista e attore occasionale.

Di tutto un Pop…

Wazza




Grande fan dei Jethro Tull, del connazionale Ian Anderson









giovedì 24 aprile 2025

RocKalendario del secolo scorso – Aprile, di Riccardo Storti

 


RocKalendario del secolo scorso – Aprile

di Riccardo Storti


1955 – Alla fine dell’Ottocento c’era un inventore svedese, tale Carl Lindström, creatore di grammofoni e fonografi, che decise di fondare una ditta in Germania, denominata “Parlophon”. Nel 1923 si occupò di produzioni discografiche jazzistiche, ma quattro anni più tardi l’azienda venne assorbita dalla britannica Columbia. Quest’ultima, nel 1931, si fuse con la Gramophone per dare vita alla EMI; intanto, nel frattempo, alla sotto-etichetta di origine teutonica si aggiunse la “e” finale e la Parlophone continuò a dedicarsi al jazz e all’intrattenimento. Nel 1950 viene assunto un giovane diplomato della Guildhall School of Music and Drama: costui si chiamava George Martin e aveva lavorato già qualche anno alla BBC. 

Martin si farà notare subito per lo spirito intraprendente e l’indubbio talento di arrangiatore, così il 1° aprile del 1955, all’età di 29 anni, divenne responsabile dell'A&R (artisti e repertorio). In una carriera durata più di sei decenni, è oggi considerato uno dei più grandi produttori discografici di tutti i tempi, con 30 singoli arrivati al primo posto nel Regno Unito e 23 negli Stati Uniti. Ecco qui una delle prime produzioni del 1955 che sanno di jazz ma guardano chiaramente al rock’n’roll.

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1965 – È il 9 aprile, quando irrompono sulla scena gli Zombies (non ancora quelli di Romero!): Begin Here segna l’esordio discografico della band di St. Albans. Immerso nel contesto beat inglese, l’album si distingue per un approccio più raffinato e malinconico rispetto a molte delle band contemporanee. Gli Zombies si mettono in mostra per l’uso elegante dell’organo elettrico di Rod Argent, le armonie vocali sofisticate e l’intensità interpretativa di Colin Blunstone. 

Tra i brani più rilevanti spiccano She’s Not There, il loro primo grande successo internazionale (poi ripreso da Santana in Moonflower nel 1978), e The Way I Feel Inside, canzone dal forte afflato intimista per voce e organo. Interessanti anche alcune delle cover presenti nel disco, come You've Really Got a Hold on Me di Smokey Robinson (già ripresa dai Beatles in With the Beatles) in medley con Bring It On Home to Me di Sam Cooke, e una sorprendente versione di Summertime di Gershwin, in modalità waltz-jazz con un efficace solo al piano elettrico Hohner Pianet di Argent. Begin Here è oggi riconosciuto come una pietra miliare del primo pop britannico, capace di sapere unire energia e raffinatezza musicale.

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1975 – Sperimentazione rock e canzone d’autore irrompono alla grande negli studi della Cramps, quando il 21 aprile esce Non gettate alcun oggetto dai finestrini, esordio di Eugenio Finardi. Emblematica la fotografia in copertina che ritrae il musicista dietro alle sbarre: in realtà si tratta di una gabbia che va a coprire solo la testa, insomma una bella metafora immaginifica, studiata ad arte da quel genio di Gianni Sassi con la realizzazione istantanea dell’obiettivo di Cesare Monti. L’opener Se solo avessi è un bel pugno nello stomaco, anche grazie alle svise della chitarra di Camerini e del violino di Lucio Fabbri, mentre la coppia ritmica Bullen – Calloni conferisce il giusto passo al motore rock del brano. 

Il versante più cantautorale non è esente di originalità come nella ballata Quando stai per cominciare o nel remake hard di un classico della canzone di protesta come Saluteremo Signor Padrone oppure nella delicatezza scritturale di Storia della mente, composta con Claudio Rocchi. Stesso afflato poetico in Afghanistan (firmata anche da Camerini), Caramba (attualissima) e Take It Easy. Occhio, anzi, orecchio al sottofondo perché ci sono certi suoni provenienti da altri mondi (le “porte del cosmo che stanno su in Germania”?): li hanno prodotti il moog di Giuseppe “Baffo” Banfi del Biglietto per l’Inferno e il VCS3 di un certo Franc Ionia (sì, Franco Battiato).

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1985 – A proposito di Battiato, nell’aprile di quest’anno il catanese fa uscire un nuovo album – Mondi lontanissimi – e una raccolta di canzoni in inglese - Echoes of Sufi Dances. Il primo è il risultato di una pausa transitoria con un parziale allentamento del sound elettronico e il reintegro di strumenti acustici (attraverso la rinnovata supervisione di Giusto Pio): si vede all’orizzonte il “Battiato che sarà” di Fisiognomica, benché persista la presenza dei sequencer e delle batterie elettroniche. Quanto ai temi trattati, c’è un ritorno alle tematiche apocalittico-fantascientifiche (Via Lattea e No Time Non Space) con adeguati approfondimenti esistenziali, sempre mediati dalla filosofia di Gurdjieff (L’animale). 

Il resto è una sensata reprise di canzoni già edite in precedenza da Alice (Chan-son egocentrique e I treni di Tozeur) e da Battiato stesso (Il re del mondo qui con un nuovo arrangiamento e Temporary Road, passata in TV nel 1983); omaggio alla propria terra in Risveglio di primavera in continuità con le precedenti Mal d’Africa e Stranizza d’amuri.

Quanto a Echoes of Sufi Dances, tale progetto discografico, volto a fare conoscere il compositore in ambito anglosassone, si rivelò un fallimento a causa di discutibilissime traduzioni letterali – oggi diremmo – “copia e incolla”, incapaci di trasmettere l’essenza del mondo lirico e poetico di Battiato.

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1995 – Sempre in formissima i King Crimson. E chi li abbatte, quelli? Un solo album in tutti gli anni Novanta, ma una pietra miliare del decennio. Portano in campo un’esperienza paurosa, sanno stare la passo con i tempi e, come accadde negli anni Ottanta, il loro Thrak – uscito il 3 aprile – si cala subito nel sound contempoaneo, fondendo nel proprio linguaggio stilistico scorie provenienti da ambiti inediti come il grunge, il math rock, l’heavy metal, il noise e il nu jazz. Con il demiurgico e quintessenziale Robert Fripp, accompagnato dai sodali Belew, Bruford e Levin, si aggiungono un ulteriore elemento percussivo, Pat Mastelotto e una specie di bassista che proprio bassista non è per gli esiti timbrici del suo strumento, infatti, il nuovo arrivato Trey Gunn suona lo stick. 

L’album è perfetto e snocciola una serie di composizioni di livello sopraffino, che sintetizzano al meglio quello che i King Crimson erano nel 1995 (e non nel nostalgico passato): la forza dinamica della title track e di Vroom, le allucinazioni di Code: Marine 475 e di Radio, gli insospettabili lasciti melodici beatlesiani di Dinosaur e della ballad pseudo-lennoniana Walking on Air, il rumorismo intelligente di B’Boom, le ombre raffinate di Inner Garden, il funky strisciante di People (tra Peter Gabriel e RHCP), le mosse latine di One Time, le eresie blues tra Prince e Nirvana in Sex Sleep Eat Drink Dream. Un capolavoro che, a distanza di trent’anni, non ha ancora perso smalto.  

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martedì 22 aprile 2025

THE TRANCE DIMENSIONALS feat. NIK TURNER-“SPACE ANGELS"-Commento di Andrea Pintelli


 

THE TRANCE DIMENSIONALS

feat. NIK TURNER

“SPACE ANGELS"

Di Andrea Pintelli


Lo scorso gennaio è uscito il secondo album dei The Trance Dimensionals, creatura di Steve Hillman. Intitolato Space Angels, prodotto e distribuito dalla Black Widow Records (gloria sempre) è la prosecuzione di Synchronicity del 2022, e viaggia più che mai sulle ali dello space rock, chiaramente influenzato dai maestri Gong e Hawkwind. Steve ha una lunga carriera alle spalle iniziata agli albori degli anni Settanta come sperimentatore di suoni elettronici, tramite il suo audio generator, prendendo spunto da immensità quali Tangerine Dream e Amon Düül. Proseguita come tastierista e chitarrista negli anni Ottanta e Novanta, ha via via sfornato dischi d’assoluto interesse in ambito prog e, appunto, space rock, diventando a sua volta un riferimento per le nuove generazioni. Space Angels è (anche) l’ultima collaborazione di Nik Turner, il quale è deceduto durante la sua lavorazione e a cui l’opera è dedicata.

Il tutto inizia con una suite dai sapori decisamente d’altrove, ma netti e inequivocabilmente rock, che include Space Groovin’, N.D.E., e The Journey Beyond. La prima si avvale di un intro a base di vento cosmico che ne delinea fin da subito l’ambito space, aprendosi a un tempo ben sostenuto, dove le rocciose chitarre ne tessono la trama e l’inserto di sax dona quella fantasia che ne completa la favola. La seconda parte ha toni più soffusi e sognanti, ingentiliti da magnifiche tastiere che con poche note costruiscono, da sole, un ambiente inafferrabile. La terza parte è improvvisazione del sax di Turner e voce narrante di Angel Flame. Si passa poi a Space Angel, tremendamente hard space, che non lascia spazio a dubbi sul proprio impeto. Essa ha andamento marcato e granitico, senza fronzoli, senza cordialità varie. Il successivo combo Moon Dancer e Amunet viaggia su tempi maggiormente mitigati, ma le invenzioni di batteria di Dai Rees rendono la prima parte cattiva e piena di livore, mentre la seconda si concentra su percussioni tribali e un esercizio chitarristico di notevole bravura compositiva. Poi altra suite costruita su tre brani, ossia Field of Reeds, D-Rider, e Transdimensional Beings. Sbalordisce il passaggio stilistico della prima parte, quasi giocosa, sicuramente psichedelica, in special modo nella voce che ne istruisce l’evocazione sinistra del collocamento. Con diffusa forza espressiva si passa alla seconda traccia dove la forma canzone si trova d’accordo con i suoi toni poco edificanti; quasi una nenia per adulti, dove Hillman ha spazio per le sue mirabolanti creazioni, rendendolo protagonista indiscusso. L’ultima stazione cosmica, è proprio il caso di scriverlo, su quale pianeta si trova? Il titolo ne esterna il significato nascosto. Higher and Higher fa ripartire la navicella dei The Trance Dimensionals con motori caldi e rodatissimi, in un piacevole contesto mid-tempo dominato dal sicuro basso di Dave Anderson e dalla voce astrale di Mr. Dibs. In ultimo, ecco Slinky, un po’ swing (Clog), un po’ free (Turner). Chiusura strana e stranita, carica di sarcasmo e magia.

Tracklist:

SPACE GROOVIN’ / N.D.E. / THE JOURNEY BEYOND 11:44

SPACE ANGEL 3:48

MOON DANCER / AMULET 6:28

FIELD OF REEDS / D-RIDER / TRANSDIMENSIONAL BEINGS 12:24

HIGHER AND HIGHER 4:04

SLINKY 1:57

 

Line up:

ANGEL FLAME: vocals

DAVE ANDERSON: bass

MIKE BEW: vocals & bass on “Moon Dancer” & bass duet with Dave on “Field of Reeds”

STEVE HILLMAN: guitar, keyboards & synths

DAI REES: drums & percussions

feat. NIK TURNER: vocals sax & flute

 

Special guests:

CLOG: fretless bass on “Slinky”

JEZ CREEK: cosmic oscillations

MR. DIBS: vocals on “Higher and Higher”

 

Music, lyrics and narratives by Steve Hillman except: Space Groovin' & N.D.E. lyrics by Nik & Steve

Nik improvised sax on The Journey Beyond & Slinky and improvised flute on Transdimensional Beings

D-Rider music and lyrics by Nik Turner Published by EMI United Partnership Ltd.

Higher and Higher lyrics by Dai Rees

Nik Recorded at Foel Studio, Wales, April 2018 & June 2021 Engineered by Mike Bew

Angel, Dave, Dai and Mike recorded at Foel Studio, Wales, June 2023 Engineered by Mike Bew

Mixed & produced at Foel Studio, Wales, by Dave, Mike, Steve & Dai

Mastered by Ian Anderson at The Sonic Surgery, Scotland

Front cover art & custom typography by Nick Beery aka Beery Method

  

per contatti:

andrea.pintelli@gmail.com





Il 22 aprile 1945 nasceva Demetrio Stratos

Gli Dei se ne vanno, gli arrabbiati restano!

Buon compleanno Demetrio…

Wazza

Demetrio Stratos, alias Efstràtios Dimitrìu (nato il 22 aprile 1945), è una delle figure più iconiche e leggendarie della storia del rock "colto" - ma anche della musica (italiana e non).

Il cantante, polistrumentista e musicologo di origine greca (poi naturalizzato italiano) è notissimo per essere stato frontman prima de I Ribelli e poi degli Area - una vera istituzione nei generi fusion e prog rock. Ma nel contempo si è dedicato a numerosi altri progetti, lavorando e collaborando con tanti colleghi e sperimentatori del suono.

Con gli Area incise cinque album fra il 1973 e il 1978 - anno in cui abbandonò la band per dedicarsi totalmente ai suoi studi nel campo della ricerca vocale. In questo ambito era riconosciuto come un'autorità e infatti subito inanellò una serie di contatti e collaborazioni con John Cage (che lo invitò a esibirsi al Roundabout Theatre di New York), Merce Cunningham, la Dance Company, Andy Warhol, Jasper Johns...

Ma purtroppo la tragedia era in agguato. Nel 1979, infatti, Stratos - appena trentaquattrenne - venne colpito da una forma gravissima di anemia aplastica (ossia una insufficiente produzione, nel midollo osseo, di cellule del sangue di tutti i tipi). Andò a farsi curare presso il Memorial Hospital di New York, dove con costose terapie e un trapianto di midollo osseo sembrava che avrebbe potuto ritrovare la propria salute. Ma, proprio alla vigilia di un grande concerto organizzato da amici musicisti italiani (fra cui la PFM) per raccogliere fondi da destinare a pagare la degenza di Stratos, lui morì.

Era il 13 giugno del 1979.






sabato 19 aprile 2025

Tommaso Varisco – "Six String Eps", di Luca Paoli

 


Tommaso Varisco – Six String Eps

Di Luca Paoli

 

Ci sono storie che non si raccontano solo con le parole, ma anche con sei corde. E a volte con sei EP

 

Quando la musica nasce da qualcosa di profondo, da un bisogno vero, ogni nota diventa un passo di un cammino, ogni suono lascia un segno o consola come una carezza.

Il progetto Six String EPs di Tommaso Varisco è questo: un diario sonoro fatto di intuizioni, omaggi, pensieri in fuga e radici che riaffiorano.

Su MAT2020 oggi vi racconto una storia fuori dal tempo, in bilico tra passato e presente, tra America interiore e inquietudini collettive.
Una storia da leggere e da ascoltare in silenzio.

Ci sono storie che non si raccontano con le parole, ma con le corde di una chitarra. E quando quelle corde sono sei, e gli EP altrettanti, si ha tra le mani qualcosa che assomiglia a un diario intimo, lungo venticinque anni.

Il progetto Six String EPs di Tommaso Varisco nasce da lontano, eppure vive con intensità nel presente. Iniziato nell’autunno del 2024, si concluderà nell’inverno del 2026, ma più che una serie di pubblicazioni è un percorso umano.

Sei EP che raccolgono brani inediti, scritti e pensati nell’arco di un quarto di secolo: c’è chi direbbe che è un mosaico di tempi diversi, ma è anche una linea continua, fatta di radici che affiorano e pensieri che cercano forma.

Alcuni brani, come Stay In My Bed, affondano le loro origini nel 1999, con il testo che ha preso corpo solo anni dopo, fino alla stesura definitiva nel 2025. Altri, come Nest e Behind Your Line, recuperano registrazioni casalinghe del 2012, nude, solo voce e chitarra. Questo recupero del passato non è mai nostalgia fine a sé stessa, ma materia viva, rimodellata oggi con cura e visione.

A dare coerenza a questo insieme è anche il lavoro artigianale e profondo di Marco Degli Esposti, che nel suo studio Happenstance ha registrato, arrangiato, suonato gran parte degli strumenti e coinvolto musicisti da ogni parte del mondo. Il risultato è un’opera che respira libertà: libera nei suoni, nelle strutture, nei generi. E proprio per questo profondamente autentica.

La voce di Varisco è uno dei cardini di questa narrazione: canta con misura, con sincerità, senza orpelli. È una voce che non cerca di impressionare, ma di farsi ascoltare davvero. Una voce che porta il peso della verità, del non detto, della fragilità umana. Ogni parola pronunciata sembra trovare il proprio tempo e il proprio spazio, come se la musica stessa attendesse il momento giusto per accadere.

Six String EPs è un viaggio che procede senza fretta, seguendo il ritmo delle stagioni e delle emozioni. In The War EP, uscito nel novembre 2024, Varisco affronta il tema della guerra con sguardo lucido, senza retorica.

Behind Your Line, accompagnata da un videoclip intenso, scuote e invita a guardare le cose in faccia: è una riflessione profonda sulla disumanizzazione, ma anche un richiamo alla solidarietà e all’empatia.

La risposta a questo dolore arriva con The Longing For Peace EP (febbraio 2025), dove l’amore diventa riscatto e possibilità. Brani come To Move On raccontano l’addio senza alzare la voce, in un clima sospeso tra Helsinki e il vento d’autunno.

Ad aprile 2025 arriverà The Spring EP (Memories To Remember), in cui il risveglio naturale si intreccia a quello interiore.

Liberation Day, registrato con un semplice telefonino, chiude l’EP con una forza genuina: è una canzone civile, dedicata al 25 aprile, che non ha paura di dire da che parte stare. La sua semplicità è la sua potenza.

A seguire, arriveranno Songs of Love (The Summer EP), Spaceboy (The Autumn EP) e infine Driving Backwards (The Winter EP), con cui Varisco sembra tornare alle origini, su una spiaggia d’inverno, nell’immobilità dolce dell’infanzia. Non c’è finale più giusto per un’opera che non cerca un traguardo, ma un senso.

Il suono, in generale, è semplice ma pieno di sfumature, sempre diretto, mai ripetitivo. Alcuni musicisti arrivano da lontano – come Tin Sky, Jorge Yacoman, Nadine Haberl, O'Man – e aggiungono il loro tocco in modo leggero, senza mai rubare la scena.

Ogni brano dà l’idea di essere nato da un bisogno vero, e gli arrangiamenti rispettano sempre l’anima della canzone. Six String EPs è una proposta rara, fuori dal tempo e dalle mode.

Un racconto per chi ha voglia di ascoltare con attenzione, di lasciarsi attraversare. Non promette soluzioni, ma suggerisce la possibilità di trovare bellezza anche nella frattura, nella cicatrice, nel silenzio.

In un’epoca che corre, Varisco sceglie la lentezza. E ci ricorda che, se ascoltiamo davvero, la musica può ancora essere rifugio, specchio, o risposta.


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mercoledì 16 aprile 2025

Dalle radici prog al cuore del disagio contemporaneo: "Burnout" di Laborious Breakdown-Commento di Alberto Sgarlato

 


Laborious Breakdown – “Burnout” (2025) 

di Alberto Sgarlato


Oggi, la nostra storia inizia partendo dai Mogador e proseguendo con i Trewa: sono due band, i Mogador più legati al rock progressivo classico, i Trewa più virati verso il folk-rock, ma ambedue contaminate da innegabili influenze metal, che hanno visto la luce nel Comasco durante il primo decennio degli anni 2000 e che hanno dato alle stampe quattro album ciascuna.

Chi segue con affetto e trasporto la scena progressiva italiana in tutte le sue declinazioni conosce bene questi due nomi. E di conseguenza conosce il polistrumentista Luca Briccola, che di entrambe ha fatto parte.

In questo 2025, Briccola annuncia il suo debutto solista. E quando diciamo solista lo intendiamo nel senso più letterale del termine, visto che in questo album l’artista comasco compone, produce e suona tutti gli strumenti, svelando competenze tecniche davvero di altissimo livello.

L’esperienza per fare ciò, maturata ormai in quasi due decenni di produzioni e di collaborazioni, non gli manca. Briccola sceglie però di non firmare l’album con il suo nome e cognome, bensì dietro una sorta di pseudonimo progettuale, Laborious Breakdown.

L’album consta di una sola traccia interamente strumentale, della durata di 42 minuti. Sappiamo che volendo si possono raccontare interi romanzi, senza per questo dover cantare neanche una singola parola. Pensiamo a un album come “Music inspired by the Snow Goose”, dei Camel, che metteva in scena in forma strumentale gli orrori della battaglia di Dunkirk rifacendosi all’omonima opera letteraria di Paul Gallico. O pensiamo ancora a “Tubular bells”, di Mike Oldfield, che per le sensazioni di ansia e di inquietudine che riusciva a generare attraverso alcune sue partiture, fu scelto persino come colonna sonora da William Friedkin per il suo film “L’esorcista”.

Un altro aspetto fondamentale della musica è quello di veicolare un messaggio forte all’interno dell’epoca in cui nasce: così se i Camel in qualche modo negli anni ‘70 erano succubi di un conflitto mondiale terminato da 30 anni ma che ancora, tramite la Guerra Fredda, sembrava dietro l’angolo, se i Goblin, musicando le paure dei film di Dario Argento, in realtà generavano una proiezione del senso di instabilità dell’Italia negli anni di piombo, allo stesso modo Luca “Laborious Breakdown” Briccola, attraverso la musica realizza un concept album dedicato a uno dei più grandi mali della nostra epoca. Il disco si intitola “Burnout”, e già il titolo riassume ogni cosa: con questa parola viene infatti descritta la sindrome da stress da lavoro; in questo III Millennio da una parte caratterizzato dalla velocità, dalla frenesia e da ritmi sempre più elevati, dall’altra segnato da un’economia incentrata sul cosiddetto turbocapitalismo e sul consumismo più sfrenato, solo in Italia e solo negli ultimi due anni circa l’80% dei lavoratori ha sofferto o sta soffrendo di questo disturbo nervoso.

L’album “Burnout” potrebbe anche essere inteso, in realtà, come quattro suite, della durata di circa una decina di minuti ciascuna, caratterizzate da quattro titoli che riassumono le quattro fasi della sindrome da burnout secondo la psicologia contemporanea. Ma “spezzettare” l’opera in questa maniera significherebbe mortificarla, sminuirla e non comprenderla nella sua interezza.

“Burnout” è concepito per essere un unico brano e come tale va ascoltato, metabolizzato e assorbito per coglierne profondamente l’essenza.

La fiamma dell’entusiasmo lavorativo che pian piano va a spegnersi, le illusioni e le aspettative che si diradano, la rabbia crescente, la sensazione di trovarsi davanti a vie di fuga che si affacciano sul nulla. Così Briccola descrive poeticamente ciò che in psicologia è stato diagnosticato e codificato.

E attraverso quei famosi 42 minuti di musica, tutto ciò si traduce in una intro affidata a sibili, vento, dissonanze e rumorismo che offrono la sensazione di crescita di questo disagio interiore; qui ben presto prende forma un arpeggio chitarristico che segnerà il tema portante della prima parte. Ma il brano accelera, tra riff chitarristici ipercompressi su cui si snodano virtuosismi di sintetizzatore; un Hammond di gusto hard-rock (si potrebbe pensare agli Uriah Heep o Kansas) “urla” alternandosi con le acrobazie del Moog, mentre le chitarre sembrano continuare a farsi via via più dure.

Non mancano, però, momenti in cui i soli chitarristici, pur giocati su una tecnica elevata, si fanno a tratti più melodici. E qui e là sembrano persino fare capolino dalle retrovie altri sintetizzatori dai suoni metallici, percussivi e tintinnanti (qui la lezione dei Goblin o del Mike Oldfield citati all’inizio, tra le righe sembra trasparire).

Ma l’animo umano è fatto di mille sfumature e lo scopo di questo disco è proprio quello di esplorarle tutte. Per cui, tra momenti di puro metal prog e altri dove si fa protagonista un organo “figlio” di “Brain Salad Surgery” degli ELP, non mancano inaspettate e ariose aperture pianistiche e di gusto cameristico (ascoltare la parentesi tra il 15° e il 17° minuto per credere, ma non è l’unica).

E spesso è proprio in questi momenti più soft che si insinuano anche ricami chitarristici dai toni suadenti.

Verso il 25° minuto rientriamo nel tema iniziale, virando da qui verso imprevedibili suggestioni di prog “pastorale” (la scuola di artisti come Steve Hackett o Anthony Phillips è qui piuttosto forte), ma in questo album i momenti di quiete sono quasi sempre preludio a evoluzioni più tese ed energiche. Il tutto verso una toccante chiosa pianistica che ci accompagnerà all’impennata finale.

Un album certamente non facile, che richiede numerosi ascolti e che impone concentrazione, ma che sa come arrivare dritto al cuore dell’ascoltatore.







sabato 12 aprile 2025

Schena- Commento all'album "La grazia invincibile"

 


Schena- La grazia invincibile

(La Stanza Nascosta Records)

 

Anticipato dal riuscito singolo Poesia facile (testo di Dino Campana), è uscito per La Stanza Nascosta Records La grazia invincibile di Schena.

La grazia invincibile è quella della natura, quella della connessione tra poesia e natura, ma anche quella di un lavoro che di una grazia invincibile sembra essere pervaso nelle melodie, negli arrangiamenti e nella performance interpretativa.

Il paragone (lusinghiero) che ci viene in mente, all’ascolto dell’album, è quello con Mille Baci di Patrizia Cirulli, artefice di un “capo-lavoro” nel senso etimologico del termine (la definizione è del critico musicale Andrea Podestà), al quale fu attribuito il primo Lunezia 2016, che proprio in quell’occasione istituì la sezione “Musicare i poeti”.

Musicare i poeti è quello che ha fatto anche Schena, con l’eccelsa produzione di William Duarte, realizzando una sapiente fusione fra la musicalità e la purezza proprie dei versi di Ernesto Ragazzoni, Antonia Pozzi e Dino Campana con la poeticità intrinseca all’arte musicale. Senza vincolo di genere musicale e in maniera fedele alla diversa personalità dei tre poeti, con rispetto e un debito di amore per le parole di Ernesto, Dino e Antonia (così si legge nella nota stampa), i brani si succedono in una alternanza di conflitto e pacificazione, raccontando paesaggi potenti e la ricerca inesausta di un contatto più autentico con la realtà.

Particolarmente suggestiva- a tratti sorprendente- “Amore senza ritorno” (testo di Dino Campana), impreziosita dal cantato di Margherita Valtorta, un’effusione di grazia.

Nessuna sbavatura per un disco prezioso, costellato di episodi felici. Altra menzione d’onore va a al combat folk di “Parole contro le parole” (testo di Ernesto Ragazzoni).

La Terra, regolata biologicamente dai cicli naturali, è perfetta anche “senza soccorso di poeti e sofi”. L’interrogativo finale è puntuto e attualissimo: Se facessimo un poco come loro: chiacchiere niente, e alquanto più lavoro?






martedì 8 aprile 2025

Edmondo Romano, Simona Fasano: "ES/SÉ" -Commento di Di Luca Paoli

 


Edmondo Romano, Simona Fasano

 ES/SÉ (Visage Music, 2025)

Di Luca Paoli

 

Da diversi anni, seguo con interesse l'attività di Edmondo Romano, affascinato dalla varietà dei suoi progetti musicali, risultato di una costante ricerca sonora e di un'innata propensione alla sperimentazione.

Non solo con i suoi strumenti a fiato, ma anche mescolando la sua musica con il teatro, ampliando ulteriormente i confini della sua espressione artistica.

L'album ES/SÉ nasce dalla collaborazione tra Edmondo Romano e Simona Fasano ed è un viaggio musicale che esplora la crescita interiore e la trasformazione personale. Il titolo richiama il contrasto tra l'"Es" freudiano, che rappresenta gli impulsi più profondi, e il "Sé", simbolo dell'identità consapevole. Questo concetto si traduce in un percorso sonoro che affronta le fragilità umane e il loro possibile superamento attraverso un itinerario onirico di suoni e parole.

I due artisti hanno scelto un titolo che sintetizza simbolicamente il percorso di ricerca e conoscenza di ognuno di noi. L'inconscio, secondo la teoria freudiana, custodisce le nostre ferite, ma anche le immagini e le percezioni che plasmano la nostra realtà interiore. Attraverso la musica e la parola, ES/SÉ si muove tra archetipi universali e vissuti personali, dando voce a un viaggio profondo di consapevolezza e trasformazione.

Edmondo Romano, compositore e polistrumentista di straordinaria versatilità, si distingue nel panorama musicale per la sua vasta esperienza nei generi folk, world, progressive e sperimentale. La sua incessante ricerca lo conduce a esplorare sonorità evocative e immersive, dove strumenti a fiato provenienti da diverse tradizioni culturali si fondono in un linguaggio musicale unico. 

La sua abilità nel creare atmosfere suggestive, unita a una profonda sensibilità artistica, lo consacra come figura di spicco nella scena musicale contemporanea, capace di trascendere i confini tra i generi e di offrire esperienze sonore di rara intensità.

Simona Fasano, cantante e attrice, è anche autrice dei testi dell’album. Con una carriera che spazia tra teatro e musica, si distingue per la sua voce intensa e la capacità di trasmettere emozioni profonde.

In ES/SÉ, la sua interpretazione diventa il mezzo per esplorare le fragilità umane, alternando dolcezza e intensità con una versatilità che rende ogni brano un'esperienza vissuta. La sua vocalità, calda e avvolgente, si muove tra sussurri evocativi e momenti di pura espressione emotiva, rendendo l’ascolto coinvolgente e catartico.

L’album è strutturato in due parti: "Female side" e "Male side".

La prima, con brani come "Rose Moon", "Mon Jardin", "Enfado" e "Impermanenza", affronta il dolore, la paura della morte e la vulnerabilità emotiva.

"Rose Moon" si muove tra sonorità eteree e profondità espressive, rappresentando un rito simbolico che invita a lasciar andare il controllo e ad accogliere l'imprevedibilità della vita. "Mon Jardin" trasforma la sofferenza in rinascita, mentre "Impermanenza" esplora il vittimismo e la possibilità di spezzare schemi autodistruttivi. "Enfado" si addentra nel vortice emotivo di tristezza e rabbia, unendo pensiero, sensazioni e percezione sensoriale.

La seconda parte, attraverso tracce come "Spazio vuoto", "La presenza", "L'inconfessata processione" e "Invisibilis", affronta il senso di vuoto, la ricerca di sé e il peso dell'abbandono.

"Spazio vuoto" porta alla luce le convinzioni inconsce che limitano la crescita personale, mentre "La presenza" invita a una piena consapevolezza di sé. "L'inconfessata processione" racconta il viaggio interiore alla ricerca di un senso, e "Invisibilis" trasforma il rifiuto e l'abbandono in una nuova consapevolezza di sé.

Il singolo "Rose Moon", pubblicato nell’aprile 2024, ha anticipato l'album con un brano che funge da rito simbolico per affrontare la paura della morte e accettare l’incertezza della vita.

Simona Fasano descrive ES/SÉ come "otto rituali per ricordare la nostra origine sacra e canalizzare il nostro potere autentico". Questa dimensione spirituale emerge anche nella scelta degli strumenti, che uniscono antico e moderno, e nell’uso di più lingue, enfatizzando la complessità della comunicazione umana.

Pubblicato dall’etichetta Visage Music, un punto di riferimento per la world music e le sonorità contemporanee, l’album si distingue per la profondità delle sue atmosfere e per un impianto sonoro che fonde elementi ancestrali e moderni in un'esperienza immersiva e intima.

Il disco vede la partecipazione di numerosi musicisti: Roberto Piga e Alessandra Dalla Barba ai violini, Ilaria Bruzzone alla viola, Kim Schiffo e Arianna Menesini ai violoncelli, Riccardo Barbera al contrabbasso, Fabio Vernizzi al pianoforte, Alessandro Serri al flauto traverso, basso e cori, e un ensemble vocale composto da Karin Selva, Giulia Beatini, Paola Cialdella e Vera Marenco.

ES/SÉ è un’opera che invita a un viaggio interiore, affrontando emozioni profonde attraverso la forza evocativa della musica. La sinergia tra Edmondo Romano e Simona Fasano ha dato vita a un lavoro intenso e suggestivo, capace di coinvolgere l'ascoltatore in un'esperienza sonora autentica e senza tempo.

Prendetevi il tempo per ascoltarlo come merita: immergetevi nelle sue sonorità e lasciatevi trasportare dal dialogo tra strumenti e voce. Scoprirete un mondo in cui antico e moderno si fondono con rara armonia, regalandovi un'esperienza sonora che, proprio come è successo a me, vi affascinerà profondamente.