Il 16 settembre
2014 usciva l’album “Un’idea che non puoi fermare”, un doppio
Cd e triplo vinile utile a raccogliere pezzi “inediti” e versioni live del
grande repertorio del Banco del Mutuo Soccorso.
Progetto dedicato alla
memoria di Francesco di Giacomo dove, per esaltare la bellezza e la profondità
dei suoi testi, alcuni dei brani, vengono recitati da grandi attori: Alessandro
Haber, Toni Servillo, Giuseppe Cederna, Valerio Mastandrea, Franca Valeri,
Giuliana De Sio, Moni Ovada, Rocco Papaleo.
Un lavoro bellissimo,
degno omaggio a Francesco, e alla storia del Banco.
Wazza
Banco del Mutuo Soccorso - Official -
"Un'idea che non puoi fermare": 50 minuti di registrazioni inedite
più i grandi brani live con la partecipazione di Giuseppe Cederna, Giuliana De
Sio,Alessandro Haber, Valerio Mastandrea, Moni Ovadia, Rocco Papaleo, Toni
Servillo, Franca Valeri.
#sonymusic Alessandro Haber, Vittorio
Nocenzi e Rocco Papaleo stamattina a Roma alla presentazione del nuovo progetto
discografico del BANCO DEL MUTUO SOCCORSO, un tributo alla penna e alla voce
storica del gruppo: Francesco Di Giacomo: "Un'idea che non puoi
fermare", in uscita dal 16 Settembre in formato doppio CD e triplo vinile.
"Stormwatch", the Jethro Tull album that closes a
cycle, was released on September 14, 1979.
No cover was more prophetic: Anderson peering with binoculars
at an approaching storm... which will come with the death of John Glascock, and
then the internal quarrels that led to the dismemberment of the band.
Of all a Pop...
Wazza
Swan song for Jethro Tull: we are in 1979 and the band comes
to an end with an album that exudes creative fatigue and detachment in
interpersonal relationships. Considered the third of an openly Folk trilogy, it
actually seems to me that this album recovers the general sound explored in
BURSTING OUT. Already in HEAVY HORSES Anderson had talked about various
misunderstandings, that collaborative magic found in SONGS FROM THE WOOD had
already vanished and even more the mood in STORM flies low due to the health
problems of JOHN GLASCOCK present here only in three tracks, ELEGY, FLYING
DUTCHMAN and ORION... In fact, he never went on stage with the band, but he was
able to perform live at least DARK AGES, already ready in a first arrangement
in the HEAVY HORSERS-Tour.
The Album:
Anderson remembers how at that time he was at home reading
newspapers and magazines, very busy with his business and therefore attentive
to the weather situation given his commitment to the entrepreneurial field
(Anderson deals with salmon farming). He doesn't talk about this record as
desolate and cold and according to him NORTH SEA OIL is a piece of great
spirit, no song wants to be political but at least a little cynical and
sarcastic yes. Unfortunately, the band seems tired perhaps also because of the
various live commitments, and perhaps that creative spontaneity has been lost a
bit, they focus a lot on instrumentals. That these songs have been filed too
much in the studio can be heard because listening to them live they mesh great
(ORION and SOMETHING'S ON THE MOVE), DARK AGES already performed live is a bit
revised, given the worsening of the problems of bassist John Glascock Anderson
himself takes care of replacing him on bass, live the task will be up to Dave
Pegg, the whole album is supported by rock
and some acoustic lines, the formula of the double keyboardist overshadows John
Evan who on a compositional level disappears just to make room for David
Palmer, but the most dissatisfied in the end seems to be Palmer himself, who at
the time gave theory lessons to Anderson himself, the 70s sound is a bit
lost, we go a lot to synthesizers and
simulators to create atmosphere, Evan recovers the piano, now you can hear a
bit of the executive and almost brainy coldness of the Live of that period and
in my opinion the album suffers from it.
Anderson's voice seems filtered and a bit metallic, certainly
a bit low and perhaps tried by the many concerts, his work on bass is very good
(note the double picking, which seems to be one of his trademarks) someone
insinuates that his track has been slowed down in order to allow him to record
without difficulty,, the reverberation of his bass is due to the fact that it
has been sent into slight Overdrive and with a little bit of Flanger to make
bad what looks like a MUSICMAN BASS, the one Glascock used lately...
The instrumentals (strong point of the band), could have been
in favor of the record, instead they end up increasing the general chaos, ELEGY
is an honest melodic-melancholic instrumental piece of composition MADE IN
PALMER that I think was composed in honor of his father, only later dedicated
to the late Glascock, but with Jethro Tull he has little to share, WARM SPORRAN is almost a filler, from this
album the eclectic PROG themes disappear a bit since Dark Ages itself seems to
be a piece of recovery of the HEAVY HORSES sessions of which it seems was also
part WORKING JOHN, WORKING JOE then reprised in the following A.
It seems that the highlight existed and it was a real Prog
Suite with an impossible rhythm that drummer Barrie Barlow liked so much,
APOCALYPSE, a song composed by Palmer, surely the fact that Anderson considered
a song (ELEGY) in the keyboardist's name more than enough (the song had been
rehearsed) meant that it was abandoned into thin air, and the other songs of the period?? A STITCH
IN TIME comes from those sessions and will be released as a single together
with SWEET DREAMS version BURSTING OUT, KING HENRY'S MADRIGAL is another
instrumental with PEGG on bass and I think always arranged by Palmer, it will
end up in an EP that also takes up pieces of SONGS FROM THE WOOD.
Tired record but still JETHRO TULL record so to have to
understand the development of sound and creativity. From this album onwards
there will be changes in line-up and therefore also in writing as well as
sound, excellent work for a work but too weak to carry the name JETHRO TULL in
short.
Live:
As far as I know, this album was completely abandoned already
at the end of the 79-80 Tour, where DARK AGES, ELEGY, OLD GHOST, HOME, ORION,
DUN RINGILL, and SOMETHING'S ON THE MOVE were performed, later live only DUN
RINGILL had a little more space, the others instead remained a meteor.
North Sea Oil – transcribed by
Tulliano Sergio Ponti
Non è colpa mia se la tua realtà, mi costringe a fare guerra all'
umanità! (Demetrio Stratos)
Usciva il
15 settembre 1973 "Arbeit Macht Frei", primo album degli Area.
Il nome dell’album
è preso in prestito dalla scritta che campeggiava sui campi di concentramento
nazisti, "Il lavoro rende liberi".
Capolavoro
assoluto, fusione tra rock progressivo, jazz-rock, elettronica, avanguardia e
influenze medio-orientali (!!!).
Un disco
dal grande valore storico e culturale, visto l'anno in cui è uscito, musicisti
eccezionali, sopra tutti la straordinaria voce di Demetrio
Stratos. “Luglio, agosto settembre nero” diverrà
il "manifesto" del gruppo.
Oggi sono
tutti filo Area-Stratos, ma non erano di facile fruizione, difficili a
volte "capirli" dal vivo, e furono anche fischiati come ricorda lo
stesso Demetrio...
"Grazie veramente... grazie
perchè... vi spieghiamo anche perchè GRAZIE... perchè sono due giorni che ci
fischiano... a Roma, a Milano... abbiamo fatto Roma e Milano... e pensiamo che
questa città forse è quella... che musicalmente è più AVANTI... GRAZIE!" (Demetrio Stratos al pubblico di Vicenza dopo l'esecuzione del brano "Le labbra del tempo" (5.1.1973)
… di
tutto un Pop
Wazza
Il
movimentato ‘68 era passato da poco quando si stagliavano all’orizzonte
gli Anni di Piombo e nel pieno di quel periodo di incredibile fervore, non solo
politico, ma anche musicale e artistico, nel 1973 venne alla luce uno dei
più grandi capolavori che la musica italiana abbia prodotto: “Arbeit Macht
Frei”, album d’esordio
degli Area che, nati solo un anno prima con la formazione che li consacrerà, si
apprestavano a diventare uno dei gruppi più significativi del periodo.
In piena correnteprogressive,ma spaziando in più generi d’avanguardia,
gli Area proposero un sound personale ed elaborato, mai banale e ripetitivo,
rifuggendo il concetto di canzone” come
siamo abituati a concepirla, essenzialmente mettendo nei propri brani la
musica come elemento centrale. Inoltre li distingueva la forte matrice
politico-sociale presente nei testi, il loro costante tentativo di creare una
rivoluzione che prendesse forma inizialmente in ambito culturale, inseguendo il
sogno di un mondo nuovo tanto presente nelle menti di quei ragazzi che
manifestavano giorno dopo giorno nelle piazze.
Prima
ancora di uscire sugli scaffali, il disco fece scalpore per via della copertina
su cui campeggiava un’opera di Edoardo Sivelli rappresentante delle statuine
incatenate con una chiave in mano, immagine di forte allusione politica a cui
si aggiunse, oltre al titolo, la provocazione di collocare nel disco
una pistola di cartone.
Il
progetto si apre con “Luglio, agosto,
settembre (nero)”, brano tra i più celebri del gruppo, che si scaglia
contro la borghesia benpensante e falsa, figlia di un tempo intento a
distruggere le singolarità in favore di una totale omologazione. Un testo in
arabo schiude il brano, costituendo un incipit storico, a cui fa seguito la
voce inconfondibile di Demetrio Stratos che danza su un sound spaziante dalprogalle canzoni popolari gitane. Ad impreziosire il brano
già si aggiunge una sezione ispirata alfree-jazz, con il sax di Busnello a fare da padrone sui
continui cambi ritmici.
Il secondo brano, title track dell’album, lo apre un ispirato Giulio
Capiozzo, batterista del gruppo, con poliritmie ricercate sempre più vicine al
jazz che indicano la strada alla melodia principale, seguita nella seconda
strofa da un riff di basso e chitarra degno di nota. La voce di Stratos si
muove qui da potente a sinuosa —raggiungendo livelli eccezionali su di un brano in
continua evoluzione— arrestata solo dalla sua conclusione.
“Consapevolezza” è l’emblema
della fusione traprogressivee jazz-rock tanto ricercata dal gruppo, con un sound
molto vicino agli anni ‘60 a fare da sfondo in un testo che incita sempre più
chiaramente alla ribellione contro il sistema. Anche qui è chiara la fusione tra
Occidente ed Oriente, soprattutto nell’arpeggio
crescente su cui si incastrano le improvvisazioni di Fariselli.
Il Lato B
dell’album è affidato al capolavoro “Le labbra del Tempo”,una melodia vocale accompagnata dal sax tiene le fila del brano nella
prima parte, a cui si aggiunge una sezione ritmica che riesce a far convivere l’improvvisazione
di tutti gli strumenti in un continuo crescendo che, senza perdere coesione, ha
il suo apice nell’imperioso “IO HO” di Stratos, per poi viaggiare senza
più freni in una conclusione da brividi.
“250 Chilometri da Smirne””è senza dubbio il pezzo più tradizionale del progetto,
ma non per questo inferiore agli altri brani in esso contenuti. Un pezzo
interamente strumentale in cui, su una rete dal sound free-jazz, gli strumenti
si alternano in singoli soli.
Chiude l’album ”L’abbattimento dello Zeppelin”, brano di
pura sperimentazione in cui Stratos dà degna prova di sè, con un canto a tratti
nervoso e sincopato, su continue fughe strumentali.
Tracce: Lato A
Luglio, agosto, settembre (nero) 4:27
Arbeit Macht Frei 7:56
Consapevolezza 6:06
Lato B
Le labbra del tempo 6:00
240 chilometri da Smirne 5:10
L’abbattimento dello Zeppelin 6:4
Formazione: Demetrio Stratos - voce, organo Hammond, steel drum
Victor Edouard Busnello - sassofono, clarinetto basso
Giulio Capiozzo - batteria, percussioni
Yan Patrick Erard Djivas - basso elettrico, contrabbasso
Patrizio Fariselli - pianoforte, piano elettrico
Paolo Tofani - chitarra elettrica, EMS VCS3, flauto
Compie gli anni oggi, 15 settembre…
il “divino” Gianni Leone.
Happy
birthday con besos Leo!
Wazza
Intervista di Claudio Rogai
Ciao Gianni, stasera avremo il
piacere di veder il Balletto di Bronzo in azione. Tu sei l’unico membro della
formazione originale, vuoi dirci qualcosa in merito?
Ho riformato il Balletto di Bronzo
nel 1995, dopo che mi sono accorto che intorno al gruppo, e in particolare nei
confronti dell’album “YS”, si era formato un vero e proprio culto, soprattutto
in Giappone. Ho rintracciato gli altri musicisti ma nessuno di loro era
interessato, così ho proseguito da solo, audizionando bassisti e batteristi per
tutta Roma; non ero alla ricerca di nomi famosi o altisonanti, volevo solo
musicisti tecnicamente preparati e allo stesso tempo energici, per tenere il
mio passo ci vuole gente giovane! Abbiamo attraversato vari cambi di organico,
ma la formazione attuale ritengo sia la migliore dal 1995.
Dalla seconda metà degli anni ‘90 in
poi abbiamo assistito ad una crescente rivalutazione della scena
Rock-progressive, cosa ne pensi?
Personalmente non credo nelle
“operazioni nostalgia”, preferisco essere giudicato per quello che faccio
adesso, per come suonerò stasera e non quarant’anni fa… Se sei ancora in grado
di suonare bene devi dimostrarlo. Ho accettato la sfida di suonare ancora come
Balletto di Bronzo perché sapevo di poterla vincere, non per convenienze di moda
o di recupero. Un nostro concerto include anche tanta musica che non è
strettamente etichettabile come Prog-rock, genere dal quale ero già in fuga a
metà anni ‘70, brani nuovi mai registrati in studio ma che suoniamo sempre dal
vivo e che rendono l’idea di ciò che sono oggi. Naturalmente senzatradire l’intenzione originale,
non stravolgerei mai un brano scritto nel 1973, per rispetto del pubblico che
si aspetta “quella” versione.
Il pubblico stesso è diverso, ci sono
molti giovani che erano bambini o forse neanche nati durante il periodo d’oro
del Progressive…
Esatto, molti ragazzi vengono da me a
fine concerto per farsi autografare il CD e mi dicono “che fortuna avete
avuto a vivere gli anni ‘70!”. Non erano tutte rose e fiori ma sicuramente
c’è del vero, all’epoca c’eravamo noi marziani, capelli lunghi e vestiti
stravaganti, e la gente normale che ti guardava con sospetto. Il vantaggio era
che se incontravi qualcuno come te lo riconoscevi, sapevi che il suo modo di
porsi nei confronti della società era sincero, come il tuo, che portava avanti
certe idee di rivoluzione culturale, sessuale, eccetera. Oggi è tutto più
semplice, allo stesso tempo più banale.
Parliamo del tuo strumento, la
tastiera, quali sono stati i tuoi riferimenti in gioventù?
Keith Emerson e Brian Auger sono i
più grandi tastieristi della storia. Punto. Ma io non cercavo di imitarli,
all’epoca lo facevano tutti, volevo invece trovare una voce mia. E poi i miei
miti musicali erano Jimi Hendrix e Frank Zappa! Tutti avevano qualcosa in
comune che mi piace moltissimo, ovvero l’aggressività. Solo nell’arte,
s’intende!
Genesis
- 1969 (Top: Peter Gabriel. Middle-left to right: Tony Banks, Mike Rutherford. Bottom-left to right: Anthony
Phillips, Chris Stewart)
La leggenda narra che il 14
settembre 1969 i Genesis tennero il
loro primo concerto a pagamento in un cottage nel Surrey, di proprietà
dell'insegnante di Peter Gabriel, della Sunday School.
Ormai non erano più solo la band del
collage. A marzo dello stesso anno avevano firmato il contratto con la Decca, e
fatto uscire il loro primo album "From Genesis to Revelation".
Qualche anno dopo, diventarono uno
dei gruppi più innovativi della scena rock-progressive!
…
di tutto un Pop…
Wazza
Mike
Rutherford, Anthony Phillips, Tony Banks, Peter Gabriel & John Mayhew
I fratelli Giles
conobbero Robert Fripp attraverso la pubblicazione di un annuncio atto alla
ricerca di un organista /cantante (!!). Dopo essersi trasferiti a Londra, ottennero
un contratto discografico con la DERAM, sotto-etichetta della Decca… l’album vendette
600 copie.
La casa discografica
decise di investire su questi tre musicisti, aggiungendo Ian Mc Donald e la sua
fidanzata Judy Dyble, e il poeta Pete Sinfield. L'album ebbe all'epoca scarsissimo successo commerciale (stimato attorno alle 600 copie vendute), il che indusse poco dopo Pete Giles a lasciare la band; a rimpiazzarlo, Fripp, McDonald e Mike Giles chiamarono una vecchia conoscenza di Fripp, il bassista/cantante Greg Lakee, pochi mesi dopo, con l'ingresso in pianta stabile del poeta Pete Sinfield (già amico e collaboratore di McDonald) come paroliere e addetto a luci e suoni, nacquero i King Crimson.
È passato poco più di un anno da quando scrissi, su Mat2020,
la recensione del terzo disco “PopArticolare” del duo Mobili Trignani(qui
la potete leggere: http://mat2020.blogspot.com/2023/04/mobili-trignani-poparticolare-di-luca.html)
ed è un piacere poter scrivere del nuovo lavoro “Webinar”,
uscito sempre per l’etichetta Music Force il 20 Luglio di quest’anno.
La band è sempre formata dai due amici di vecchia data, Nicola Modesti (batteria, voce e cori, basso, synth e
chitarra) e Fabrizio Trignani (chitarre, voce e
basso) nati e cresciuti ad Arsita (Te).
Lo stile rimane, fortunatamente, un pop cantautorale di
qualità, caratterizzato da testi che riflettono fedelmente la nostra società e
la vita quotidiana. Il tutto è arricchito da un tocco di leggera ironia,
offrendo all'ascoltatore oltre 40 minuti di musica piacevole e scorrevole, mai
complicata o pesante. Al contrario, spesso è accompagnata da ritmi coinvolgenti
che non solo catturano l'attenzione, ma invitano anche a seguire il tempo,
magari battendo il piede a ritmo.
Il disco è composto da 13 tracce, tutte registrate presso il
Mobile Studio di Cassetta Records di Paul BraNeagade e interamente scritte dal
duo. Un elemento che accomuna ogni brano è l'ironia e la freschezza, qualità
sempre più rare in un'epoca in cui siamo costantemente bombardati da notizie
tragiche e drammatiche. Personalmente, sento il bisogno di disintossicarmi con
una buona dose di leggerezza terapeutica, e queste canzoni rappresentano
esattamente quel tipo di sollievo pur trattando temi di assolta attualità.
Tra i brani che più mi hanno colpito desidero segnalarvi la
title track “Webinar”, che su di un ritmo reggae contagioso ci
racconta che “insegnava nei corsi – per non farsi fregar – da
chi vendeva corsi – concorsi e webinar.
Poi, con un sound da luna park non posso non citare la
divertente “Cover”, che rende omaggio al cantautorato classico … eppure
a noi ci piacciono le cover – alcune sembrano le nostre – in
testa i testi di Battisti … così come la successiva “Tim” che
racconta di quando abbiamo bisogno di un servizio ma lo stesso è inefficiente …
ottime le voci e gli arrangiamenti.
Sicuramente tra i brani più impegnati del disco è “Pasolini”,
che vede anche la partecipazione di Carmine Valentino Mosesso, che
recita la poesia tratta da “La Terza Geografia”.
Vorrei, inoltre sottolineare “Triage”, ballad
che pone in evidenza un problema di drammatica attualità quale è quello del
servizio sanitario italiano … questo codice – verde camice – non
s’intona bene – con l’educazione – si, dovrei capire – che
sei qui da molte ore – ma in assenza di salute – sono attese
complicate.
Vi assicuro che tutto il disco merita di essere ascoltato e
riascoltato e vedrete che, con spensieratezza, vi farà pensare e ragionare su
temi che banali non sono, ma sempre cullandovi con belle voci e ottimi momenti
musicali.
La canzone d’autore italiana ha parecchi eredi e, fra questi,
non possiamo non inserire i Mobili Trignani.
Gerry Conway,former drummer of Jethro Tull, was
born on September 11, 1947.
He played in Ian Anderson's band in the early 80s.
Previously, he had been a member of other bands, such as Fotheringay or Ecletion
and recorded Dark-Eyed Sailor with Steeleye Span, his friends.
Conway has also worked on the debut albums of singers such as
Sandy Denny and Shelagh McDonald, as well as being part of Cat Stevens' band
for six years.
Since 1999 he has been a member of Fairport Convention and,
occasionally, also of Pentangle.
He passed away on March 29 of this year due to complications
related to degenerative disease.
Si concludeva L'11settembre 2011 il
Progressivamente Festival, "creatura" di Guido Bellachioma,
con lo straordinario concerto delle Orme + Banco del Mutuo Soccorso tenuto nella splendida location della
"Casa del Jazz" a Roma (ex villa della banda della Magliana).
Una serata da
"incorniciare", con una risposta di pubblico superiore alle attese,
tant’è che poco dopo l'inizio del concerto dovettero aprire le porte, per
motivi di ordine pubblico.
Allego la recensione di Damiano
Fiamin, che fotografa alla perfezione le emozioni di quell'indimenticabile
concerto
Wazza
Live report: Le Orme + Banco del
Mutuo Soccorso @ Casa del Jazz - Roma 11/09/2011
articolo a cura di Damiano Fiamin
Le premesse erano ottime, le
aspettative elevate: Le Orme e Banco del Mutuo Soccorso, due dei più grandi
nomi del progressive rock italiano avrebbero calcato per la prima volta un
palco capitolino in occasione della giornata conclusiva del "Progressivamente
Festival 2011". Nella bella cornice
della Casa del Jazz di Roma, una villa confiscata a uno dei boss della banda
della Magliana e divenuta una dei poli culturali della Capitale, per una
settimana si sono susseguiti seminari, workshop e concerti tenuti dai più
grandi nomi del progressive nostrano. Evidentemente, la manifestazione ha avuto
successo: la giornata di chiusura ha registrato il tutto esaurito; nonostante
gli sforzi degli organizzatori, la Questura non ha rilasciato il permesso per
aumentare la capienza e non sono pochi coloro che sono stati costretti ad
ascoltare il concerto fuori dai cancelli.
In perfetto orario, dopo i rituali
discorsi introduttivi da parte dei promotori, salgono sul palco Le Orme. La
formazione è quella che ha realizzato “La via della seta”, l’ultimo album del gruppo, uscito
proprio all’inizio di quest’anno. Lo storico batterista del
gruppo, Michi dei Rossi, è affiancato da
musicisti di tutto rispetto come Jimmy Spitaleri, già cantante dei Metamorfosi, Michele
Bon, alle tastiere, Fabio Trentini, basso e chitarra acustica, William Dotto
chitarra elettrica e acustica, e Federico Gava al pianoforte. Proprio come
accadde per l’album da studio, è bello notare come la coesistenza di
musicisti di generazione diversa riesca in qualche modo a dare una marcia in più al gruppo che si propone al suo
pubblico con vigore ed energia. Senza dilungarsi troppo in chiacchiere, Le Orme
infilano un pezzo dopo l’altro,
alternando brani tratti dalla loro ultima fatica a grandi classici, per la
gioia dei fan che gli siedono davanti. Dopo una settimana di concerti, l’amplificazione della Casa del Jazz è abbondantemente collaudata e non ci
sono sbavature degne di nota per quanto riguarda la strumentazione; nei momenti
di maggiore concitazione, Gava e il suo pianoforte finiscono leggermente al di
sotto degli altri musicisti ma non si arriva mai a una sopraffazione completa
di nessuno dei partecipanti. Michi dei Rossi realizza una performance
eccellente: nel suo regno di piatti e pelli, governa senza esitazioni,
scandisce il tempo e condisce le frasi musicali dei suoi colleghi con brio e
professionalità; quando emerge e si avvicina al pubblico, riesce ad
accattivarsene la simpatia grazie alla sua auto-ironia, manifestando un genuino
piacere per le reazioni del pubblico. Eccellente anche Spitaleri, vero e
proprio rocker d'’annata,
invecchiato nel fisico ma indomito nello spirito e nella voce; nonostante gli
anni, riesce a mantenere un’ottima
estensione vocale e calca il palcoscenico con decisione. Meno evidenti per
presenza scenica ma comunque di gran livello le esibizioni di Dotto e Trentini:
i due chitarristi si profondono in assoli di qualità, arpeggi intricati e
accompagnamenti tecnicamente convincenti; saranno pure nuovi acquisti nella
formazione de Le Orme ma hanno certo un curriculum di tutto rispetto alle
spalle! Il giovane Gava, al pianoforte, è relegato un po’ in disparte su un
palcoscenico che, effettivamente, non permette grandi manovre da parte dei
musicisti; bravo, comunque, gran simbolo della nuova corrente intrapresa dalla
band, in grado di mescolare senza timore vecchio e moderno per ottenere nuove,
incredibili, alchimie sonore. Dopo un’ora abbondante di concerto, Le Orme si accingono al commiato, lasciando
la scena al Banco del Mutuo Soccorso.
Il pubblico ha certamente apprezzato
l'esibizione delle Orme ma è evidente che l'attesa maggiore è riservata al
gruppo di Nocenzi e di Giacomo; non appena i musicisti si affacciano sul palco,
scoppia un’ovazione rumorosa, un’acclamazione di gioia per un gruppo
che, oltre ad avere il vantaggio di giocare in casa, ha certamente segnato la
storia del progressive del nostro paese in maniera indelebile. Nonostante fosse
stato annunciato nella presentazione iniziale, è con un certo rammarico che viene registrata l’assenza di Rodolfo Maltese; il
chitarrista non sale sul palco insieme ai suoi colleghi per motivi di salute. È
un Banco in gran spolvero, nonostante tutto, quello che si presenta al pubblico
della Casa del Jazz: di Giacomo è in forma straordinaria, la sua voce ha ritrovato tutta l’energia che, nelle recenti
esibizioni, pareva essersi affievolita. Nocenzi, come d’abitudine, siede tra tastiera e
organo, dirigendo il gruppo con impeto quando si tratta di pigiare i tasti neri
e bianchi e pacatezza quando, invece, si abbandona a digressioni nostalgiche e
riflessioni poetiche; il tastierista, in effetti, prende la parola in più
occasioni per raccontare aneddoti e impressioni sul concerto, prendendo spunto
dai pezzi appena suonati per lasciarsi andare a considerazioni ad alto rischio
di retorica che, grazie alla sua abilità, riescono ad arrivare allo spettatore
senza appesantimenti di vacua utilità. Nel periodo di silenzio richiesto al
pubblico per commemorare l’anniversario
dell’attacco terroristico subito dagli
Stati Uniti dieci anni fa, non c’è alcuna considerazione facile, solo una
condanna, sentita e vera, verso qualunque estremismo, qualunque sia la sua
natura e la sua motivazione. Il Banco infiamma il pubblico di fan che, ormai,
cercano di avvicinarsi quanto più possibile al palco, sedendosi anche a terra
pur di stabilire un legame ancora più forte con la band. La scaletta proposta
non riserva molte sorprese: la quasi totalità dei brani proviene dai primi tre
capolavori del gruppo. Stranamente, non viene suonato uno dei brani che, da
sempre, hanno più successo dal vivo: Metamorfosi; l’assenza viene ampiamente compensata
dall’allungamento degli altri brani, tra i
virtuosismi vocali del cantante e gli assoli degli strumentisti, si ha l’impressione che il gruppo voglia
omaggiare la sede del concerto con una deriva jazz che, certamente, ha il
potere di esaltare gli astanti. Il basso di Ricci, come sempre, si inerpica in
geometrie sonore complesse che ben si accompagnano alla prestazione di Masi
alla batteria; la sezione ritmica, che in un gruppo come il Banco rischia di
passare in secondo piano, svolge il suo compito in maniera precisa e
convincente. Bravi anche Papotto, ai fiati, suoni di sottofondo e rumori vari e
Marcheggiani che, con la sua chitarra, si lascia infervorare dallo spirito del
rock & roll, producendosi in assoli lanciatissimi e muovendosi sul palco
più di tutti gli altri musicisti messi insieme. Graditissima sorpresa verso il
finale del concerto: durante la presentazione dei componenti del gruppo, sale
sul palco Rodolfo Maltese. Sebbene visibilmente provato, il chitarrista
accompagna i suoi compagni nell’esecuzione degli ultimi pezzi, prima che le
luci si spengano e il gruppo scompaia dietro le quinte.
Ma le sorprese non sono finite: a dar
corpo a una speranza che aleggiava nell’aria, il Banco torna sulla scena
accompagnato da Le Orme. I due gruppi al gran completo saturano il palco in una
jam session progressive in cui ben tredici musicisti si sono affiancati per la
gioia del pubblico, suonando insieme due dei brani più famosi delle discografie
dei due gruppi: Uno sguardo verso il cielo e Non mi rompete.
Divertenti e coinvolgenti fino alla
fine, entrambi i gruppi hanno riempito, anche fisicamente, la scena in un
omaggio agli astanti che non poteva esaurirsi in maniera migliore con il
sigillo della cavalcata di chiusura di Non mi rompete.
Il pubblico, ormai, valica qualunque
confine ipotetico e si assiepa fino a ridosso della struttura metallica su cui
stanno suonando i musicisti, riempiendo ogni spazio utile, quasi a voler
abbattere fisicamente il confine che li separa dai musicisti, confine che, a
livello spirituale, è già crollato da tempo.
Applausi in piedi da parte di tutti i
presenti, vicini e lontani dal palcoscenico, che incitano e gloriano entrambi i
gruppi che, sentitamente, ringraziano. Davvero un bel concerto, ottime
dimostrazioni di bravura da parte di entrambe le band che hanno saputo
dimostrare come sia possibile essere un gruppo di spessore senza per questo
perdere il rapporto con i fan. Auto-ironia e capacità di svecchiarsi hanno
permesso a questi artisti di passare i quarant’anni di attività e rimanere
ancora sulla cresta dell’onda; vista la loro prolificità per quanto riguarda i
concerti, consiglio a tutti di andare a vedere il prossimo.
