EARTHSET - Bound (2022)
Di Enrico Meloni
Tornano gli Earthset,
quartetto bolognese che avevo conosciuto al Cinema Cappuccini a Genova nel
novembre 2019 (quando sì, ancora si potevano vedere i concerti con
spensieratezza) per la sonorizzazione del film muto “L’uomo Meccanico”
(intervista e mie impressioni sulla serata in un articolo pubblicato nel numero
di gennaio 2020 di MAT2020:
http://www.mat2020.com/files/MAT2020_GEN20.pdf
All’epoca mi accingevo a parlare di una band, composta fin dal 2012 da Ezio Romano, Luigi Varanese, Costantino Mazzoccoli ed Emanuele Orsini, alle prese con un ambizioso progetto finanziato da alcune importanti istituzioni e votato al recupero di una pellicola storica e importante, con tanto di sonorizzazione dal vivo del film muto.
Si trattava in ogni caso di musiche originali, e il progetto
era abbastanza peculiare da rappresentare una parentesi in qualche modo “a sé
stante” all’interno della carriera degli Earthset. L’Uomo Meccanico è stato
portato in tour in lungo e in largo, anche al di fuori dai confini nazionali, e
ha sicuramente migliorato lo status degli Earthset di band interessante e da
tenere d’occhio.
Come dire: nel novembre 2019, per quanto sia stata
un’esperienza fantastica (basta leggere il report linkato sopra), sono andato a
vedere un concerto degli Earthset dove la band proponeva sì pezzi propri ma in
un contesto così particolare da rendere il tutto qualcosa di decisamente
diverso da un concerto “classico”. Penso sia importante rimarcare il concetto
per dare la giusta dignità, alle composizioni, originali e inedite, che
compongono Bound, uscito nel marzo 2022 per Dischi Bervisti.
E parliamo di Bound, allora. 42 minuti di musica
senza soluzione di continuità, un'uscita musicale da considerarsi come progetto
artistico a 360°: non solo musica, quindi. Infatti, gli Earthset hanno
realizzato undici video-visuals (tante sono le canzoni che compongono l’album),
del video-non-videoclip che completano il progetto; video che potete vedere sul
canale YouTube della band:
https://www.youtube.com/channel/UCflPJZXoRcY5hGvGrXZbEeQ
Ogni canzone è
collegata alla precedente e alla successiva, ogni brano ha il proprio video
che, unitamente agli altri, andrà a comporre un'unica narrazione audiovisiva.
Bound non è solo musica, dicevo. Gli Earthset ci accompagnano in
un vero e proprio viaggio dove esploriamo il concetto di relazione, ossia la
base su cui si fonda l’intera esistenza, in ogni sua sfaccettatura. Questo
viaggio culmina con la relazione per eccellenza che dà vita a una band: l’album
è stato registrato dal vivo, senza pause e in un’unica sessione, quasi a
suggellare così l’apice massimo del momento creativo di quattro persone
racchiuse in una stessa stanza a fare ciò che amano di più.
E la musica? Senza voler abusare di etichette o definizioni
(leggo sul comunicato stampa “alt-rock”, e tanto basta), le composizioni
originali degli Earthset sono molto variegate e i cambi d’umore sono frequenti.
Non mancano alcuni passaggi più interessanti di altri, i riferimenti più chiari
possono essere i Radiohead e, per la voce, alcune cose dei Muse, oltre ai
Radiohead stessi.
I tempi sono spesso dispari ma non parliamo di un dispari
esagerato o caotico (sicuramente non siamo in ambito prog), difficile da seguire
(ciascuno/a di noi avrà un riferimento per una band “incasinata” e che odia):
gli Earthset ti prendono per mano e ti lasciano perdere nel loro ginepraio di
riff e cambi di ritmo, umore e contesto, per poi riprenderti e accompagnarti
alla prossima sezione/parte del viaggio a tutto tondo che rappresenta Bound.
La tensione non cala mai per troppo tempo, per cui
l’ascoltatore è sempre sulle spine a cercare di capire cosa accadrà dopo. Gli
arrangiamenti sono apparentemente semplici ma nascondono una certa
ricercatezza, sicuramente un grande pregio della band: a un secondo, terzo,
quarto ascolto si aprono mondi che inizialmente non sembravano essere lì
presenti.
Va detto che le parti distorte riescono a colpire nel segno,
e la costante alternanza a momenti più eterei rendono Bound un disco
vario, valido e tutto da scoprire.
Un album da ascoltare più volte per lasciarsi rapire da
sonorità spesso dissonanti, al limite del noise, che sanno graffiare quando è
il momento giusto ma anche cullare nelle parti più riflessive.
Sono molto curioso di vederli dal vivo alle prese con queste canzoni.
https://soundcloud.com/earthsetband/sets/bound-1/s-tv6BRn9ogvv?si=80677c546a1d4a54870bd645a8a5e3ca
Commento di Fabio Rossi
Artista: Vincenzo Grieco & The
Exoplanets
Album: Outer Space
Genere: Hard Rock
Anno: 2022
Casa discografica: Red Cat Music/Inst
Fringe
Tracklist
1. Outer Space
2. Assault Troops
3. The Same Train
4. Motherless Boy
5. Mourning Sun
6. Wicked Times
7. Stop Talking
8. The Temple
9. Core Of The Sun
10.
On The Bridge
Line Up
Vincenzo Grieco: chitarra
The Exoplanets:
Giulio Giancristofaro: basso e voce
Piero Pierantozzi: batteria
Vincenzo Grieco,
chitarrista, compositore e insegnante di musica, ama visceralmente l’hard rock,
il blues e il funky. Si esibisce dal vivo con la sua band Vincenzo Grieco and
T.H.E. Rome Blues Authority che ho avuto modo di ammirare anni fa a Roma nel
corso di un concerto tenuto al Route 66 American Bistrot & Bar. In
quell’occasione gestivo un banchetto di vendita e presentavo il mio libro su
Rory Gallagher; con il gruppo conversammo piacevolmente sull’eccezionale
talento del chitarrista irlandese. Bei ricordi!
Nel
2019 Grieco ha pubblicato il suo primo album solista intitolato Misleading Lights
of Town. Se c’era un difetto riscontrabile in quel disco, questo era
costituito dall’eccessiva eterogeneità degli stili proposti. Il lavoro nel
complesso è valido, ma ho sempre pensato che sarebbe stato migliore se fosse rimasto
saldamente ancorato all’hard rock. Chissà se era nelle intenzioni di Vincenzo
cercare di aggiustare il tiro, perché tale “lacuna” è stata in larga parte
evitata nella nuova release intitolata Outer
Space.
Scevro
da eccessive divagazioni, il disco è gradevole all’ascolto e munito di alcuni
spunti di elevata caratura tecnica. Il funky e il blues lasciano il proscenio
al grunge e all’hard rock con risultati mirabili. Reputo indovinata la scelta
di Grieco di assestare la line up riducendola a un efficientissimo e potente
trio (d’altronde i Motörhead non erano forse in tre e spaccavano da Dio?). Outer
Space include dieci tracce che abbracciano un sound deciso, ben ancorato
agli anni Novanta con riferimenti ai Mr. Big, Soundgarden, Alice In Chains e
Stone Temple Pilots. Si parte decisamente alla grande con la vulcanica title
track, nonché primo singolo, seguita dalla granitica Assault Troops. Un
inizio con il botto! La voce graffiante di Giulio Giancristofaro, la sezione
ritmica che pesta come se non ci fosse un domani e la chitarra “hendrixiana” di
Grieco che sciorina assolo e riff in quantità industriale, creano un amalgama
interessante. Si sposta il tiro con The Same Train, un funky rock di
buon livello, palese tributo ai Red Hot Chili Peppers che Vincenzo apprezza
molto. Motherless Boy dispone di un riff trascinante che riporta tutto
sui binari più consoni alla filosofia del disco. Morning Sun ha contorni
più pacati, ma parimenti affascinanti. Stop Talking colpisce duro come
un pugno in piena faccia, un brano efficace anche per merito del cantato degno
di rilievo. The Temple, altro singolo apripista dell’album, è ancora un
eccellente esempio di come si possa suonare hard rock con passione anche in
questi tempi musicalmente disastrati. The Core Of Sun è contraddistinta
da un riffing intrigante, abrasivo e ossessivo. Chiude l’acustica On The
Bridge, caratterizzata da un soffuso e dolce andamento che denota l’alto
livello di ispirazione compositiva. In conclusione, Vincenzo
Grieco & The Exoplanets hanno fatto pienamente centro e spero di
vederli in concerto al più presto: una musica di tal fatta viene espressa al suo
meglio in sede live.
È morto Arnold Skolnick, l’artista che nel 1969 disegnò il manifesto del famoso festival di Woodstock, una delle immagini cult della musica e della grafica.
Rip
Wazza
È morto a 85 anni Arnold Skolnick,
autore del poster pubblicitario di Woodstock, che si tenne nel 1969 nella
località di Bethel (New York) e fu uno dei festival più famosi della storia
della musica rock. Il poster di Skolnick è una delle più popolari e riprodotte
immagini legate a quei «tre giorni di pace e musica», come recitava il
poster stesso.
Skolnick è morto lo scorso 15 giugno
ma la notizia è stata diffusa solo di recente.
Skolnick era nato a Brooklyn nel 1937, sua madre lavorava in un’agenzia pubblicitaria e suo padre faceva il tipografo. Da giovane studiò arte e per tutta la vita fece il designer per la pubblicità ma anche per l’editoria e per il cinema: disegnò diverse copertine di libri e i titoli di testa di qualche film. Ma il lavoro per cui è più ricordato rimane il poster di Woodstock, anche se il figlio ha raccontato che Skolnick non era proprio il tipo che sarebbe andato a un evento di quel genere: «Non gli piaceva il rock, non gli piaceva la “drug culture” e l’arte psichedelica la odiava», ha detto al New York Times.
Quando fu contattato da James Morris, uno degli organizzatori del festival, Skolnick aveva 32 anni. Li mise in contatto un suo amico architetto. Morris gli commissionò il poster un giovedì e Skolnick glielo consegnò il lunedì dopo: «Era solo un lavoro come tanti altri», raccontò nel 2010. «Però questo diventò famoso!».
A proposito dell’uccello sulla chitarra, Skolnick ha raccontato che quasi tutti diedero per scontato che fosse una colomba, simbolo di pace, ma che lui nel disegnarlo si fece ispirare da un uccello gatto (Dumetella carolinensis) che aveva osservato a Shelter Island (New York).
Commento di Fabio Rossi
Artista: Solace Supplice
Album: Liturgies
Contemporaines
Genere: Art Rock/Prog
Rock
Anno: 2022
Casa discografica: FTF Music
Tracklist
1. Le Tartuffe
Exemplaire – 5:12
2. Sunset
Street – 4:08
3. A Demi-Maux
– 4:04
4. Les
Miradors – 6:43
5. Cosmos Adultérin
– 4:00
6. Schizophrénie Paranoïde – 3:13
7. Au Cirque des âmes – 4:08
8. En Guidant
les Hussards – 4:19
9. Liturgies
Contemporaines – 3:50
10. Dans la
Couche du Diable – 4:43
11. Marasmes
et Décadence – 4:32
Line Up
Eric Bouillette: vocals,
backing vocals, guitar, keyboards, violin, arrangements, composition
Anne-Claire Rallo: keyboards,
bass on « Les miradors », « Sunset street »,
« Schizophrénie paranoïde », « Au cirque des âmes », and
« Dans la couche du diable », lyrics
Jimmy Pallagrosi: Drums
Willow Beggs: bass on « Le tartuffe exemplaire », « Marasmes et
décadence », « En guidant les hussards », « Cosmos
adultérin », « Liturgies contemporaines » and « A
demi-maux »
Laurent Benhamou: saxophone on « En guidant les hussards »
Formazione francese con all’attivo un
promettente EP uscito nel 2020 per Anestheitze Productions, i Solace
Supplice esordiscono con il loro primo album fissando i cardini del
loro genere musicale. Il quartetto propone una visione modernizzata del rock a
forti tinte umbratili. In Liturgies
Contemporaines l’atmosfera è sovente eterea, misteriosa, depressiva,
goticheggiante a tratti ipnotica in contrasto con quella che Eric Bouillette e
Anne-Claire Rallo propinano con i Nine Skies, gruppo progressive fautore di una
musica più briosa e con testi in inglese. Eric con i Solace Supplice canta in
francese nel contesto di strutture sonore derivative dagli stilemi dei
Porcupine Tree, Cure, Depeche Mode e Tool.
I brani sono ben concepiti e ottimamente
registrati grazie al lavoro di Alexandre Lamia (altro membro dei Nine Skies).
Occorrono svariati ascolti per entrare nella filosofia artistica della band e
il cantato in francese richiede ai meno avvezzi uno sforzo suppletivo di
concentrazione. Le undici tracce possiamo inquadrarle in una posizione
equidistante tra l’Art Rock e il Progressive e liricamente rappresentano un
attacco frontale alla nostra derelitta società contemporanea. Non c’è spazio
per il disincanto ma solo per la riflessione. La chitarra è la vera dominatrice
dell’album ma è da evidenziare anche l’ottimo apporto della sezione ritmica.
Nel complesso non ho ravvisato cali di
tensione e ho riscontrato una certa coesione complessiva con picchi creativi
nella veemente opener Tartuffe Exemplaire, in Les Miradors con intriganti
tastiere e un pregevole assolo alla sei corde, in Schizophrénie Paranoïde
dove a eccellere è il lavoro alla batteria, in En guidant les hussards con
il sassofono sugli scudi e nella title track supportata da un video affascinante
e contraddistinta da un superbo assolo di chitarra.
Consiglio l’ascolto di Liturgies
Contemporaines, un progetto in aperta controtendenza rispetto alla deriva
in cui ristagna il mondo della sette note.
Ci ha lasciato oggi Massimo Morante: era nato a Roma il 6
ottobre 1952.
E’ stato un chitarrista, cantante e compositore, cofondatore
del gruppo rock-progressive dei Goblin e autore di celeberrime colonne sonore
horror, fra cui “Profondo rosso”, “Suspiria” e “Zombi”.
Sono tante le giornate che ho sprecato
quante volte incosciente e disperato
aspettando che il domani fosse lui, e lui da
solo
a risolvermi i problemi, ad offrirmi le
occasioni
(Francesco Di Giacomo)
21 giugno
Ci sarai sempre. Buon viaggio Capitano
Wazza
“C’è il Banco del Mutuo Soccorso al festival della FGCI! Cazzo, và che manifesto!”. Che poi è la copertina di ‘Banco’, il primo album inglese del gruppo, con la famosa foto in bianco e nero di Francesco Di Giacomo che lancia in aria una scarpa, ma il mio amico Zante non lo sa. Non li abbiamo mai visti dal vivo: PFM, Area e altri sì e più volte, ma il Banco no: sono una “cosa di Roma”, a Milano si sono visti poco. Ma hanno suonato tanto in casa mia, con ‘Darwin!’ avanti e indietro sullo stereo, grazie a una copia prestatami da un compagno di banco sì, ma non del loro, visto che li amava come un gatto ama il limone. A colpirmi era stata prima la grafica – a un passo di quelle della Cramps di Gianni Sassi – e l’idea alla base del disco, uno dei primi concept album di primo piano. Poi, la musica. Pezzi come “La conquista della posizione eretta” non sono pane e nutella per un ragazzino di 15 anni, ma i tempi erano molto diversi e una larga fetta del pubblico del prog rock viaggiava intorno a quell’età, per quanto possa sembrare incredibile. Così, ‘Darwin’ era l’unico disco che conoscevo bene del gruppo. Sì, “gruppo”. Band? E chi la usava, quella parola?
Arriviamo nel pomeriggio. Parco Ravizza, un sole quasi agostano che picchia come un katanga. Platea di sedie di legno vuote, non c’è nessuno, solo io e Zante. Mancano sei ore all’inizio del concerto, è il mio primo sound check di un gruppo famoso, tutto mi fa un’impressione enorme. Pierluigi Calderoni prova i suoni fragorosi della sua batteria; Gianni Nocenzi, sciarpa di seta al collo, seria aria bohemien, fa in fretta: un paio di minuti e il suo piano verticale è a posto. Il mega crinieruto e baffutissimo tecnico di palco è di una calma olimpica, tra una mitragliata di “Marce’… Marce’, chiama al mixer la spia di Rodolfo che nun arriva…”. E’ Marcello Todaro, chitarrista del gruppo nei primi due album, che da un po’ ha lasciato il posto a Rodolfo Maltese, che sta provando al microfono il suo corno inglese. Gli altri non si vedono. E Francesco Di Giacomo? Dov’è il cantante, il leader, il look del Banco?
E’ un’altra parola che non si usa, “look”, nel giugno 1976. E nemmeno “immagine”: quando c’è qualcuno che spicca in un gruppo lo si indica come “elemento più rappresentativo”, per motivi artistoidi e mai legati all’aspetto. Nella PFM è lotta tra Franz Di Cioccio e Mauro Pagani, negli Area domina Demetrio Stratos e nei parenti un po’ poveri delle Orme noti Aldo Tagliapietra perché è quello col basso davanti al microfono. Ma quando dici ‘Banco del Mutuo Soccorso’ tutti vedono Francesco Di Giacomo: nessun gruppo si identifica con un suo componente come il Banco col suo “cantante ciccione”, famosissimo anche tra chi non segue non solo il progressive, ma la musica tout court. I soli a non accorgersene sono i discografici della Ricordi, che sulle copertine dei primi tre album del gruppo (‘Banco del Mutuo Soccorso’, ‘Darwin!’ e ‘Io sono nato libero’) non spingono più di tanto sull’immagine del vocalist. Cantanti obesi? Da noi si conoscono Gepy (& Gepy), in pista dagli anni ’60, Demis Roussos degli Aphrodite’s Child (poi rivale di Julio Iglesias nel cuore delle mamme) e il leggendario – negli USA – The Bear dei Canned Heat, quelli di ‘On The Road Again’, da noi conosciuta in seguito per l’agghiacciante versione dei Rockets. Per il Banco dovranno arrivare Emerson, Lake & Palmer e un contratto con la loro etichetta, la Manticore, per adeguarsi all’ovvio: è sulla cover di ‘Banco’ (debutto europeo in inglese, sulle orme della PFM di qualche tempo prima) che finalmente Francesco appare in tutta la sua magnitudo nei panni di un surreale ciabattino nudo e decisamente sovrappeso: farà epoca la famosa foto sul retro copertina, così come mamma l’ha fatto, con un capitello a proteggere le parti nascoste. ‘Ciao 2001’, il settimanale-Bibbia del prog-rockista, parla benissimo dell’album, come aveva fatto coi due album inglesi della PFM. Dischi ignorati all’estero, tutti e tre, nonostante le bufale propinateci dai nostri giornalisti musicali.
Si spengono le luci, il sole è tramontato da un pezzo dopo le esibizioni di Angelo Branduardi in duo con Maurizio Fabrizio e dei tedesconi Babylon. Adesso saremo in diecimila. Un faro illumina Francesco Di Giacomo, enorme, imponente e ispirato. “Ci avete aspettati per due ore, stasera vi dobbiamo tanto”. Parte ‘Requiescant in pace’, potente, drammatica, quasi metallica. La folla è una curva calcistica: ovazione, poi un’altra ovazione, e ancora. La voce è un aquilone che sale e ondeggia. Suono assordante, gruppo al top della forma che spara a raffica tutte le pallottole: ‘Dopo niente è più lo stesso’, ‘L’albero del pane’, ‘La conquista della posizione eretta’. Il piano e voce di ‘750.000 anni fa…l’amore?’ vengono coperti da un ruggito da gol al derby, che raddoppia ai primi accenni di ‘Non mi rompete’. Nel bailamme generale, l’inedito ‘Il ragno’ e ‘Suggestioni di un ritorno in campagna’ scavano il finale di ‘Metamorfosi’. Intorno è quasi isteria collettiva. Pierluigi Calderoni, Renato D’Angelo, Rodolfo Maltese, Gianni e Vittorio Nocenzi e Francesco Di Giacomo lasciano il palco. Ce ne andiamo groggy come dopo un aperitivo con Sonny Liston. Dalle casse parte una versione in inglese di ‘Si dice che i delfini parlino’, che uscirà in autunno. La voce ci risuonerà nelle orecchie per giorni.
Una voce che fa pensare. Definita spesso come tenorile, a torto: Di Giacomo del tenore avrà forse fraseggio e tonalità, ma timbrica ed estensione non lo avvicinano nemmeno a un tenore di grazia. Il difetto di volere trovare a tutti i costi parentele stilistiche ridondanti non rende giustizia a una delle nostre pochissime voci autenticamente originali, una voce indefinibile perchè inclassificabile. Se ci aggiungiamo la musicalità del Banco del periodo 1972-1976 (gli anni-apice del progressive), ecco che alle nostre orecchie la voce e i testi di Francesco Di Giacomo volano sulle intuizioni spesso folgoranti di Vittorio Nocenzi rilanciando la posta nel fine corsa del prog-rock, scavalcato dall’urgenza dei tempi e dissoltosi alle prime avvisaglie del 1977. Il sentiero che il Banco percorrerà in seguito e che porterà a Sanremo non si potrà lontanamente paragonare alla strada da cui veniva. Comprammo tutto del gruppo, dopo il concerto di quella sera, e li rivedemmo altre volte, anche se già l’album che uscì di lì a poco – ‘Come in un’ultima cena’ – ci suonò poco ispirato. Forse erano le avvisaglie dei tempi che cambiavano, di noi che cambiavamo, dell’arrivo di altre cose a cui guardare prima e in cui tuffarsi dopo, della musica che non era più solo musica.
Dopo tutti questi anni mi dispiace ancora di avere causato un incidente diplomatico a Francesco Di Giacomo e Vittorio Nocenzi. Poco dopo l’uscita di ‘Come in un’ultima cena’ erano stati ospiti in una trasmissione a Radio Regione a Milano, che il giorno prima li aveva definiti “politicamente ambigui”. Il giorno dopo avevo telefonato in studio in diretta dicendo a Francesco e Vittorio dell’accusa del giorno prima: non mi sembrava per niente corretto parlare a vanvera in assenza degli interessati. Loro prima mi ringraziarono, poi Vittorio Nocenzi si lanciò in una memorabile analisi in diretta di cosa poteva e non poteva essere definito “politicamente ambiguo” nel mondo della musica e delle radio libere. A fine trasmissione, Francesco e Vittorio mi telefonarono a casa invitandomi a un’assemblea pubblica che si sarebbe tenuta il giorno dopo alla Palazzina Liberty: sarebbe stata l’occasione per conoscerci di persona. Non potei andarci.
Non potevo sapere che Francesco Di Giacomo non l’avrei mai incontrato, e oggi mi dispiace molto di più. Gli avrei detto che ai miei occhi era l’unico a non avere pagato il dazio dell’oblio riservato ai suoi colleghi dell’epoca anche grazie al suo personaggio, che resta nell’immaginario di chi è venuto dopo e non può sapere cosa fossero il Banco del Mutuo Soccorso e gli anni Settanta. Perché il cantante, l’autore, l’uomo colto e dolce che gli amici ricordano oggi sono tutt’altro che sminuiti dalla foto in bianco e nero nei panni di un ciabattino che lancia in aria una scarpa sulla copertina di un disco. Johnny Stewart nel suo libro ‘Rockers’ ci parla di un’epoca lontana, quella degli anni ’60-’70, in cui il brutto diventava cool e spianava la strada a modelli improbabili, dalla musica alla cultura pop trasversale. Pensando a Francesco Di Giacomo, preferisco rievocare di seguito l’umore delle parole di Mario Pasi nel suo imprescindibile volume dedicato a Maria Callas.
Un giorno si dirà che c’è stato un tempo in cui un personaggio improbabile, grasso e con una lunga barba saliva sul palco per fare una musica astrusa, e la folla acclamava lui e la sua voce. Lo spettacolo finisce, lui si inchina e saluta con la mano, gli gridano “Bravo! Bis!!!”, e lui saluta ancora e ancora. Così era, prima degli addii.
(pubblicato da "Indiscreto")