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giovedì 21 novembre 2024

Wazza, come ogni 21 del mese, ricorda Francesco Di Giacomo


"Se vuoi qualcosa che non hai mai avuto,

devi essere pronto a fare qualcosa che non hai mai fatto".

(Thomas Jefferson)

21 novembre

Ci sarai sempre. Buon viaggio capitano!

Wazza

 

Ricordo di Giancarlo Varvo 

Un ricordo di Francesco Di Giacomo.

Uno dei tanti giovedì pomeriggio del 1974,

Passando da Capolea (mitico bar sotto i Palazzi Federici) 

vedo Francesco dall'alto degli scalini del bar, che mi grida a distanza: 

 Gianca! Che devi fa' sto fine settimana?

Non ho programmato niente, perché?

Vatte a prende du panni che Annamo a Riccione.

A France' con che annamo? C'è famo presta' il ferro da stiro da Ennumi (Franco Rosalia)

(Citroen Pallas crema e marrone) e chi guida io non ho patene, te stai peggio di me!

Nun te preoccupa,' abbiamo l'autista, Fabio, il fratello di Ennumi.

Annamo bene!

 

Di quei viaggi ne abbiamo fatti diversi, di giorno, di notte.

Quante cazzate abbiamo detto e quante mangiate.

Ormai l'equipaggio era collaudato.

Proprio in quei viaggi ebbi il piacere di conoscere Tiziano Ricci, che mai potevo pensare che in futuro sarebbe diventato un componente del Bancodi grande spessore.

Francesco continua a mancarci per tanti motivi...



mercoledì 20 novembre 2024

SUBMARINE SILENCE - "Atonement of a former sailor turned painter", di Valentino Butti

 


SUBMARINE SILENCE - Atonement of a former sailor turned painter

Ma.ra.cash records     

2024-ITA

Di Valentino Butti

 

A distanza di quattro anni dal precedente “Did swans ever see God?”, eccoci nuovamente a parlare dei Submarine Silence, uno dei numerosi progetti di Cristiano Roversi (Moongarden, Il porto di Venere, Catafalchi del Cyber, Lanzetti & Roversi… solo per rimanere in ambito prog). “Atonement of a former sailor turned painter”, questo il titolo dell’album, vede impegnati, oltre a Roversi (organo, piano, mellotron, tastiere, pedali bassi), il cantante Guillermo Gonzales, il chitarrista David Cremoni (entrambi “sottomarini” di lungo corso), l’altra vocalist Manuela Milanese (ospite già nell’album precedente) ed una sezione ritmica nuova di zecca con Marco Croci (Maxophone e Julius Project) al basso e Maurizio Di Tollo (già nei Moongarden, La maschera di Cera, Hostsonaten; ora Il porto di Venere e due album da solista all’attivo) alla batteria (e percussioni). L’immancabile, splendido, artwork di Ed Unitsky, fa da corollario al tutto. Mai come in questa occasione le abbondanti note di copertina (oltre alle liriche) sono necessarie per capire la storia di “Atonement…”. E, proprio dalle spiegazioni, mi farò aiutare per addentrarmi nei quarantacinque minuti dell’album (prevista pure la pubblicazione in formato LP). Un lavoro a tema, ma non solo. I vari brani sono come capitoli di una storia che si svolge in luoghi marittimi immaginari e senza tempo, ed ogni brano è pure un bozzetto, un quadro, con riferimenti sia letterari che cinematografici. In aggiunta, le liriche sono precedute da ulteriori osservazioni che specificano ed ampliano le vicende narrate ed il “viaggio” che sottintendono. Non ci soffermeremo più a lungo su queste ulteriori note, per non appesantire queste righe, ma ne avremmo gradito anche la versione in italiano.

Quattro sono i brani che compongono l’opera a cui si aggiunge la bonus-track “Zena”, presente nella sola versione in CD. Si inizia con “Majestic Whales” (che riprende e “stravolge” un brano di Anthony Phillips presente su “Sail the world” del 1994), uno splendido strumentale “liquido”, con un notevole “guitar-solo” di Roine Stolt (The Flower Kings), batteria possente ed atmosfere “genesisiane” molto spiccate (quelle dei brani più potenti di “A trick of the tail” per intenderci).

Una bordata ritmica e di hammond ed è subito “Les mots que tu ne dis pas”, la seconda traccia. Iniziamo ad apprezzare la voce di Guillermo Gonzales, il sound è sempre incalzante e la chitarra di Cremoni pare rivaleggiare con le tastiere di Roversi, mentre la sezione ritmica ci dà dentro che è un piacere. Poi tutto si placa per lasciare spazio anche alla voce di Manuela Milanese e al “solo” di Cremoni che ci conduce al finale. Ma non c’è tregua.

È la volta di “Limbo of the rootless”: chitarre arpeggiate, la voce della Milanese, poi cresce l’intensità, si inserisce anche Gonzales ed inizia un’epica, vorticosa, cavalcata strumentale con una ritmica davvero spumeggiante. Il cantato diventa ancora più enfatico, le digressioni ritmiche sempre più articolate e spericolate.

Il finale è per sola voce (Manuela) e chitarra arpeggiata. La suite, nonché title track, chiude l’album “ufficiale”: ventuno minuti di grandissimo progressive rock d’annata. Il vertice assoluto, ad oggi, della produzione della band. E’ presente un impianto melodico di prim’ordine, con le due voci ed i cori davvero superbi; ci sono repentini sbalzi di umore musicale con le atmosfere acustiche e pastorali che si fondono con quelle decisamente rock; ci sono gli squarci sinfonici che conciliano i “vecchi maestri” seventies con il new prog del decennio successivo; ci sono le trame ritmiche articolate e la “semplicità” di qualche arpeggio della sei corde; ci sono, infine, le “grandeur orgiastiche” di un suono pieno e dirompente frutto (anche) di una qualità di registrazione ottimale. Insomma, se la parola “capolavoro” è sempre impegnativa (e non a tutti concesso l’uso…), mi permetto questa volta di “spenderla” senza esitazioni. La versione CD, come anticipato, comprende pure “Zena”: tre minuti di struggente malinconia, nati da un’idea melodica di Sergio Lattuada, tastierista dei Maxophone, scomparso qualche anno fa, che i Submarine Silence hanno completato e pubblicato come doveroso omaggio.

“Atonement of a former sailor turned painter” si candida prepotentemente come disco progressive italiano dell’anno e sicuramente sarà tra i protagonisti dell’”Arlecchino Azzurro”, sondaggio indetto (assieme all’”Arlecchino Doro”, scritto così) dalla storica Webzine “Arlequins” e che premia l’album italiano e straniero che più è piaciuto ai membri del forum.





Compie gli anni Gary Green (nell'articolo concerto dei Gentle Giant)

Compie gli anni oggi, 20 novembre, Gary Green, mitico chitarrista (polistrumentista) dei Gentle Giant, sempre in formazione, dalla nascita sino allo scioglimento del gruppo.

Ha collaborato tra gli altri con Eddie Jobson e Billy Sherwood.

Nel 2008, insieme ad altri due ex Gentle Giant, Kerry Minnear e Malcom Mortimer, forma i "Three Friends", che riportano dal vivo i cavalli di battaglia dei Gentle Giant.

Un gran bel manico!!!

Happy Birthday Gary!

Wazza





 Un bel concerto dei Gentle Giant...





martedì 19 novembre 2024

RAVEN SAD - "Polar Human Circle"- Commento di Luca Paoli

 


RAVEN SAD

Polar Human Circle

AMS Records | BTF Vinyl Magic

7 tracce - 56.36 min.

Edizione cd papersleeve

Di Luca Paoli

 

I Raven Sad, band italiana di progressive rock con influenze psichedeliche, raggiungono il traguardo del quinto album in studio con Polar Human Circle. Questo nuovo lavoro non solo conferma la qualità delle loro precedenti produzioni, ma rivela anche una maturità artistica che li posiziona tra le realtà più interessanti del nuovo prog italiano ed internazionale.

La band impegnata nell’opera vede Samuele Santanna alle chitarre, Marco Geri al basso, Fabrizio Trinci alle tastiere e voci, Francesco Carnesecchi alla batteria e Gabriele Marconcini alla voce solista. Ad aiutarli troviamo anche Morgana Bartolomei ai cori, Andrea Benassai al pianoforte Alessandro Drovandi alla tromba e Karoline Gierymski speaker.

La band di Santanna qui sfiora la perfezione, se non la raggiunge pienamente, proponendo un progressive rock moderno, ricco di idee e suonato in modo impeccabile.

Le liriche, cantate in inglese, ruotano attorno al tema del lato sociologico dell’essere umano, con gli autori che esprimono una speranza nella salvezza dell’umanità, oggi incamminata su un percorso quantomeno preoccupante.

Quindi l’attualità dei testi si sposa perfettamente con quella della musica che, partendo, dal prog dei Pink Floyd, Genesis, Marillion e Porcupine Trees (solo per fare qualche esempio) arriva, in modo molto personale ai giorni nostri.

La melodia regna sovrana in ogni brano, caratterizzando il lavoro in modo estremamente personale, grazie anche agli ottimi arrangiamenti e alla notevole perizia tecnica dei musicisti.

Un disco che va assaporato con la giusta tranquillità, seguendo tutte le tracce dalla prima all’ultima così da entrare meglio nel mondo dei Raven Sad.

Vi assicuro che non ci si annoia; al contrario, ci si innamora del lavoro delle tastiere, della chitarra, che si distingue con assoli irresistibili senza mai eccedere, e della sezione ritmica, precisa e versatile.

Se dovessi scegliere delle tracce tra le sette presenti, menzionerei “Andenes”, che apre l’album con il pianoforte e la bella voce di Gabriele Marconcini. È una ballata intensa e malinconica, resa ancor più magica dalla chitarra lirica e profondamente ispirata di Santanna.

Come non citare la muscolare “The Obsidian Mirror” che sa anche accarezzare – sempre con la chitarra a marchiare a fuoco il brano.

Non posso non citare il fiore all’occhiello dell’album: la suite finale “Polar Human Circle”. Con i suoi 27 minuti, suddivisi in sei movimenti, è un brano che da solo vale il prezzo del biglietto. Qui si trova tutta l’essenza dei Raven Sad: melodia, cambi di tempo ed umori, anche un filo di jazz che male certo non fa, un magnifico lavoro all’organo e alle tastiere, chitarre sempre al top e una sezione ritmica che sottolinea e sigilla i vari mood del brano.

In conclusione, questo è il prog del nuovo millennio: un genere in cui le radici storiche fungono da trampolino di lancio per nuove avventure, audaci e perfettamente calate nei nostri giorni. Se amate il prog e non siete "regressive", questo è un disco che non potete lasciarvi sfuggire.

Buon ascolto.




Emerson Lake & Palmer: il 19 novembre del 1973 usciva “Brain Salad Surgery”

1973 advertising from Rolling Stone december 1973

«”Brain Salad Surgery” fu creato in un periodo in cui ognuno nel gruppo era ricettivo ai massimi livelli. Fu l'ultimo vero album della band»

(Keith Emerson)

Usciva il 19 novembre 1973Brain Salad Surgery”, quinto album degli Emerson Lake & Palmer, come diceva Keith Emerson, forse l’ultimo vero album “corale” del trio.

La copertina è una delle più suggestive del prog, e fu realizzata dall’artista svizzero H.R. Giger.

Il titolo, "Brain Salad Surgery", fu probabilmente tratto da un verso della canzone “Right Place, Wrong Time”, dell'artista rhythm and blues Dr. John, uscita nel febbraio del 1973, ed è un'espressione slang per indicare la fellatio.

L'album raggiunse la seconda posizione nelle classifiche britanniche e la sedicesima negli U.S.A

Di tutto un Pop…

Wazza

Disse Greg Lake:

Non ci siamo mai sentiti presuntuosi, cercavamo solo di ottenere il meglio da noi stessi. La musica è il frutto emotivo di un contratto non scritto tra persone. È importante avere una visione e ELP sposava l'artigianato con le emozioni. Ci sono quattro aggettivi per inquadrarci: eravamo espressivi e potenti da un lato, dinamici e romantici dall'altro. Se riascoltate le parti di piano suonate da Keith in "Take a Pebble" ne avrete un esempio palpabile.

Con "Brain Salad Surgery", il nostro apice artistico, siamo stati fortunati e preveggenti, anticipammo la letteratura fantascientifica e i romanzi cyberpunk, e poi la copertina di Giger era meravigliosa. "Brain Salad Surgery" era un prodotto d'arte, solo che non si poteva dire, sembrava troppo per un gruppo rock. Il nostro faro-guida era la bellezza, esattamente l'opposto dei nostri giorni, che hanno dimenticato che cosa sia la parola "artigiano". Molti produttori non hanno idea di cosa sia la musica, imparano qualche trucco da studio d'incisione e si lanciano su Internet.

Oggi il rock è finito. Il termine rock'n'roll non luccica più, ha perso la sua brillantezza. Tutto è diventato manufatto e l'industria è piegata solo alle logiche del profitto.”



This photo is from backstage on 12.07.73 in Toronto
 






lunedì 18 novembre 2024

Racconti sottoBanco: la "Carovana del Mediterraneo"

                                                                  
Racconti sottoBanco

Il 18  novembre 1978 la "Carovana del Mediterraneo" fa tappa a  Roma, Palazzo dello Sport. Lo spettacolo è del tipo itinerante, con Angelo Branduardi ed il Banco del Mutuo Soccorso, Maurizio Fabrizio, Alan King...
Buona parte del set di Branduardi con il Banco venne pubblicata nel 1980 sul triplo album "Concerto”…
 Wazza


La “Carovana del Mediterraneo” fu un progetto musicale ideato da Angelo Branduardi alla fine degli anni '70, realizzato da David Zard con la collaborazione di Alberto Pugnetti e consistente in due tour europei tenuti insieme ad altri artisti che, oltre all'Italia, toccarono Paesi come la Francia e la Germania Ovest (il muro non era ancora crollato - ndr).

La prima edizione si tenne nella stagione 1978-1979; ad essa parteciparono, oltre ad Angelo Branduardi (al suo debutto in tour in Europa), alcuni artisti con cui aveva collaborato in passato, come il Banco del Mutuo Soccorso (Branduardi aveva suonato il violino nell'album "Come in un'ultima cena" e aveva scritto i testi per la versione inglese "As in a Last Supper"); LUIGI LAI, celebre maestro sardo di launeddas (che aveva suonato nell'album "La pulce d'acqua"); Maurizio Fabrizio (da tempo collaboratore di Branduardi) e Felix Mizrahi (famoso violinista egiziano accompagnato dal suo gruppo etnico). Le prime date si tennero in Italia; il tour proseguì poi all'estero, in Gran Bretagna, Francia, Germania Ovest, Svizzera e Belgio".
Il set di Angelo Branduardi proviene direttamente dal triplo LP ufficiale "Concerto", pubblicato dalla Polydor nel 1980. Proprio su questo album sono presenti sette tracce tratte dal concerto di Verona del 15 settembre1978 con la “Carovana del Mediterraneo”.


Genesis: il 18 novembre 1974 usciva ”The Lamb Lies Down On Broadway”

 


Usciva il 18 novembre 1974The Lamb Lies Down On Broadway”, ultimo album dei Genesis con Peter Gabriel… 

REPORTAGE FOTOGRAFICO FORNITO DA WAZZA

Di tutto un Pop…

Wazza

Giunto alla soglia del giro di boa degli anni ’70, il progressive rock comincia ad accusare segni di stanchezza. Esaurita la spinta propulsiva dei primi King Crimson e Gentle Giant, il genere si barda dietro una coltre di conservatorismo virtuosistico. Il periodo “classico” sembra già lontano e si fanno strada le pomposità tastieristiche del Rick Wakeman solista e degli Emerson Lake & Palmer del dopo Trilogy.

Gli anni tra il ’73 e il ’75 rappresentano una sorta di bivio, dunque, per le band progressive: si tratta di scegliere con quali strumenti affrontare la decadenza. Sono anni in cui i Genesis, all’apice del loro successo dopo il notevole consenso raggiunto da capolavori come Foxtrot e Selling England By The Pound, si godono i bagni di folla italiani e, finalmente, anche il tanto sospirato riconoscimento in patria. Tutto sembra andare per il meglio, fino a quando una telefonata da Hollywood segna l’inizio della fine per la storica formazione britannica.

Allettato dalle richieste del regista William Friedkin (L’Esorcista) che gli aveva proposto di adattare per il cinema il soggetto del nuovo lavoro, Gabriel chiede clamorosamente al gruppo di sospendere le registrazioni dell’album per “prendersi una pausa”. Sappiamo come è finita la storia: prima di sfiorire e di sfaldarsi a causa dei dissidi interni, i Genesis riescono a regalare al proprio pubblico l’opera più importante, il colpo di coda finale e decisivo. Un disco da amare o da odiare, lungo, complesso. Rischioso, nel suo tentativo di superamento degli stereotipi del rock progressivo al culmine del suo percorso.

Basato su un soggetto di Peter Gabriel, autore solitario dei testi, The Lamb Lies Down On Broadway è un concept album dalla trama ben definita, vicina al modello della Rock Opera. La narrazione del mondo di Rael, un portoricano che vive a New York, spesso si distende su atmosfere oniriche e fantastiche che cozzano con lo svolgimento della storia, donandole un allucinato senso di mistero. La musica sottolinea le immagini forti e impressionanti dei testi di Gabriel lasciandosi trasportare dagli incubi del protagonista e mostrando il suo lato più drammatico e teatrale. Caso eccezionale per i Genesis dell’epoca, nessun brano dell’album supera gli 8 minuti di durata.

Eppure, non si ha l’impressione di avere a che fare con materiale musicale “facile”. Si tratta soltanto di un tentativo di spogliare il Progressive rock dai suoi pesanti orpelli. Il carattere unitario di questo doppio album rende contestuali anche episodi lontani dal tipico stile dei Genesis, come il pop dei singoli Counting Out Time e The Carpet Crawlers o brani più sperimentali come The Waiting Room e Silent Sorrow In Empty Boats.

La grandezza di questo disco sta proprio in questo suo equilibrio, capace di evitare sia gli eccessivi virtuosismi, sia le cadute di stile nella volgarità del pop da classifica.