Compie gli anni oggi, 2 ottobre,
Mike Rutherford, membro fondatore dei
Genesis.
Inizialmente bassista, poi dopo la
dipartita di Steve Hackett, si trasformò in chitarrista.
Oltre alla lunga carriera con i Genesis ha registrato due album solisti, e nel 1985 fonda il gruppo “Mike+ The Mechanics” con il cantante Paul Carrack.
Happy Birthday “Pluto”!
Wazza
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IL SEGNO DEL COMANDO
“Sublimazione - live”
Di Andrea Pintelli
sublimazióne s. f. [dal lat. tardo e
mediev. sublimatio
-onis]. – 1.
a. L’azione, il fatto di sublimare, di rendere o di essere
reso sublime: s. di un
affetto, di
un sentimento; ne’
pubblici infortuni ... si
vede sempre un aumento, una
s. di virtù (Manzoni); tendere
alla s. spirituale per mezzo dell’ascetismo e della contemplazione. b. In
psicanalisi, termine introdotto da S. Freud (ted. Sublimierung) per indicare
la trasformazione di impulsi istintuali primitivi, soprattutto sessuali, a
livelli superiori e socialmente accettabili, e comunque di carattere non
sessuale, come processo prevalentemente inconscio operante nella produzione
artistica e creativa e nella sfera religiosa; v. anche neutralizzazione (nel sign. 8). 2. In fisica e
chimica, fenomeno consistente nel passaggio di una sostanza dallo stato solido
allo stato aeriforme direttamente, senza passare per lo stato liquido (il
fenomeno inverso prende il nome di brinamento,
sebbene nell’uso corrente si usi spesso, anche per questo, il termine sublimazione); calore di s., la quantità
di calore che occorre somministrare a un grammo di sostanza per ottenerne la
sublimazione; tensione
di s., la tensione di vapore della sostanza allo stato solido:
generalmente bassa a temperatura ordinaria (meno che per alcune sostanze come
lo iodio, la canfora, l’antracene, ecc., che perciò sublimano facilmente),
cresce con la temperatura stessa (fonte: Treccani).
Questi i
significati ufficiali del termine Sublimazione, scelto da Il Segno Del
Comando come titolo del suo disco dal vivo, appena pubblicato, che corona i
suoi trent’anni di attività. Prodotto insieme a Nadir Music, è una summa del
percorso artistico che ha portato questa band a diventare il cardine del
movimento dark prog. I brani in esso
contenuti, che ripercorrono la loro carriera dandogli ulteriore lustro
attraverso reinterpretazioni da manuale, sono stati registrati il 31/01/2025 a
Pesaro presso lo spazio Webo, nell’ambito dell’evento “Gala delle Nobili
Sinfonie”, nel quale il gruppo ha condiviso il palco con il Balletto di Bronzo
e Mad House. Le bonus tracks sono state registrate il 30/10/2022 durante
un’esibizione al T-Blok (Olanda). Sensi e contenuti ufficiosi, invece, questo
nuovo capitolo della saga ISDC ne contiene tanti altri: purificazione,
crescita, evoluzione, metamorfosi, intensità, energia, interscambio,
condivisione, trasformazione, passione, esperienza, dinamismo, profondità.
Di fatto “Sublimazione - live” è un alto rito
collettivo, come d’altronde ogni altro concerto de Il Segno Del Comando sa
essere, dove viene abbattuta realmente (e senza retorica) la distanza tra
musicisti e pubblico, creando un’unica entità capace di incanalare forza,
volitività, rinnovamento dello spirito. Parteciparvi è darsi e aprirsi, siccome
quel che si riceverà sarà tanto e prezioso.
Il
Domenicano Bianco (dall’album che porta lo stesso titolo) dà il via alla cerimonia,
e la carica è massima fin da subito. Dinamismo e fantasia dominano la scena, in
cui svetta la matura ugola d’acciaio di Morello con la sua carica drammatica
che rendono appieno l’atmosfera del brano. La granitica sezione ritmica gira a
mille, col basso di Banchero protagonista indiscusso del suono. Sulla Via della Veglia (da “L’Incanto
Dello Zero”) è qui maggiormente corposa rispetto alla versione su album, con la
band coesa come mai prima d’ora. Grandissima potenza, infinita poesia si
abbracciano nel donarsi incondizionatamente come fossero ardenti amanti. Le
pause di questa traccia rendono le ripartenze ancor più decise e teatrali. Nel Labirinto Spirituale (anch’essa da
“L’Incanto Dello Zero”) pone l’ascoltatore nei meandri più rarefatti del
repertorio dei nostri, in cui trepidazione e inquietudine rafforzano la parte
psichica. Il testo della canzone è, come noto, un gioiello e l’interpretazione
qui fornita da Morello è delicata e parecchio sentita, esaltandone gli accenti.
Eterea e limpida, giunge a compimento (anche) grazie alla penetrante melodia
dell’assolo di chitarra. La Bianca Strada
(da “Il Domenicano Bianco”) è suggestione infinita, in cui le tematiche dark
prog risplendono al loro massimo. Il lavoro presentato dalle tastiere è una
manna, in cui sembra di tuffarsi in un mare di espressività armonica,
proseguito successivamente dai sinuosi intrecci chitarristici che elevano la
traccia al proprio apice. La Taverna dell’Angelo
(da “Il Segno Del Comando”) è uno dei cavalli di battaglia del gruppo e qui
viene ripresentata con nuovissimi abiti in cui le tinte oscure hanno il
sopravvento. Profuma di contemporaneità, pur nella sua veste di evergreen, in
cui i famosi contrasti fra potenza e introspezione sono attivamente aumentati
dalla partecipazione emotiva dei musicisti che emerge con empatia.
Straordinaria. Il Segno Del Comando
(dall’album omonimo), simbolo e marchio indelebile, è una cavalcata che dal
vivo sfiora i quindici minuti, ma che travalica il tempo in ogni sua forma e
dimensione. Brividi immediati a ogni suo ascolto, per tanti e vari motivi, è di
fatto un’invocazione da un’altra dimensione che arriva fino a noi. Il pathos
che viene prodotto da questa versione è uno zenith, un vortice sonoro che
abbraccia e travolge, grazie al lavoro collettivo dei vari: chitarre al
fulmicotone sia in fase ritmica che in quella dedicata agli assoli, immense tastiere
infuocate, basso e batteria che creano mondi sonori differenti ad ogni
passaggio, ritmi che cambiano repentinamente, una voce significativa che non
ripete ma dona nuova vita al pezzo. Gli elementi ci sono tutti per questo sabba
d’oggiogiorno. Aseità (da “L’Incanto
Dello Zero”) è Diego Banchero e il suo basso come prolungamento della propria
anima. Esplorativo verso gli archetipi, voce dell’essenzialità, cuore e mente
vissuti in un equilibrio mai scontato. Un incanto che si fa incantesimo. Il Mio Nome È Menzogna (anch’essa da
“L’Incanto Dello Zero”), altro concerto, altra dimensione. Il brano viene
spogliato dagli orpelli (comunque non inutili, s’intende) e reso in forma più
scarna rispetto alla versione in studio, ma pare un bene siccome emergono i
suoi pregi. Asciutto e immediato, è episodio di grandissima presa. Missa Nigra (da “Il Segno Del Comando”)
è un altro dei brani più emblematici della band. Denso, tenebroso, fosco, ha il
titolo che dice tanto (non tutto); è una chiara evocazione in musica, i cui
paesaggi sonori sono fra i più avvincenti e intriganti che si conoscano in
ambito dark prog. Coraggio e fermezza per prenderne parte, allucinante com’è;
un viaggio non senza pericoli al quale non ci potrà mai abituare, ma pieno di
fascino e quindi di sicura presa. Il
Calice Dell’Oblìo (da “L’Incanto Dello Zero”) è reso essenziale,
maggiormente diretto, di fatto un potente episodio tratto da un grandissimo
disco. Il gruppo ne rende una prospettiva diversa, in cui completa il messaggio
grazie a un’interpretazione di assoluto vigore.
La dimensione live aiuta ogni artista, ma in questo caso siamo di
fronte a un processo di trasformazione e miglioramento continuo che coinvolge
tutte le percezioni. Personalmente avrei desiderato trovare pezzi anche da “Der
Golem” e “Il Volto Verde”, giusto per completare il quadro del loro cammino, ma
sono sicuro che questo live farà comunque la felicità degli ammiratori de Il
Segno Del Comando, e sarà altresì una succulenta occasione di conoscenza per
nuovi ascoltatori. Apprezzo l’aprirsi a nuovi orizzonti stilistici dei nostri,
perché solo attraverso il progresso c’è incremento. Lunga vita a questa band,
dunque, nella speranza che i dormienti emotivi possano (ri)svegliarsi per
venire a popolare il nostro stuolo di appassionati di questa meravigliosa
realtà musicale che non ha pari in nessun luogo e che è fonte d’ispirazione per
tanti e diversi epigoni. Abbracci diffusi.
Tracklist:
1.
Il
domenicano bianco
2.
Sulla
via della veglia
3.
Nel
labirinto spirituale
4.
La
bianca strada
5.
La
taverna dell’angelo
6.
Il
segno del comando
7.
Aseità
8.
Il
mio nome è menzogna (bonus track)
9.
Missa
nigra (bonus track)
10. Il calice dell’oblio (bonus track)
Componenti da traccia 1 a 7:
Diego Banchero – basso
Davide Bruzzi – chitarra e tastiere
Roberto Lucanato – chitarra
Riccardo Morello – voce
Beppi Menozzi – tastiere
Paolo Serboli – batteria
Componenti da traccia 8 a 10:
Diego Banchero – basso
Davide Bruzzi – chitarra e tastiere
Roberto Lucanato – chitarra
Riccardo Morello – voce
Fernando Cherchi – batteria
Artwork: Paolo Puppo.
Mixing e Mastering: Diego
Banchero.
Master
montage: Tommy Talamanca (Nadir Music).
Photo by Ago Sauro.
Prodotto da Il Segno del Comando
e Nadir Music.
Musiche e testi di Diego Banchero (eccetto La Taverna dell’Angelo e Il Segno del Comando, testi di Mercy).
Per contatti col sottoscritto: andrea.pintelli@gmail.com
John Strada - Basta Crederci Un Po’
(Crinale, 2025)
di Luca Paoli
Undici canzoni come specchi incrinati, dove la vita si riflette senza filtri
Release album: venerdì 7 novembre 2025
A volte ascoltare un disco è come aprire un quaderno che non ti aspetti: pieno di scarabocchi, note a margine, emozioni che ti colpiscono senza chiedere permesso. Così è stato per me con Basta crederci un po, il nuovo lavoro di John Strada.
C’è sempre un confine sottile tra il
bisogno di raccontare e quello di salvarsi, e qui quel confine diventa il filo
invisibile che attraversa ogni brano: tra la vita quotidiana, le illusioni, la
rabbia e le piccole speranze che ci portiamo dentro.
Il disco respira tra l’Emilia e l’America, tra la canzone
d’autore italiana e le radici rock’n’roll che da sempre accompagnano Strada. Ma
c’è qualcosa in più questa volta: come racconta lo stesso Strada, c’è stata una
svolta nel suo modo di scrivere, guidata da nuove ispirazioni, letture e
ascolti. Ha scritto, distrutto, rivisitato, e solo quando si è reso conto di
avere del buon materiale ha deciso di affidarsi a Don Antonio Gramentieri,
un vecchio amico e produttore artistico, per trasformare quelle canzoni in un
percorso coerente. Ascoltarlo è come entrare in quel percorso: tra familiarità
e sorpresa, ogni canzone diventa un piccolo diario che non smette di parlare.
Attorno alla voce e alle chitarre di Strada si muovono la
batteria di Diego Sapignoli, le tastiere di Nicola Peruch, le
percussioni di Denis Valentini e i cori di Daniela Peroni e Laura
Zoli. Un suono curato, essenziale, registrato a La Casina di Modigliana e
rifinito da Ivano Giovedì al Waveroof di Castel Bolognese.
Ogni tappa della carriera di Strada sembra un tassello di un
mosaico più grande. Dal progetto multidisciplinare di Dalla periferia
dell’anima (2008), dove musica, racconti di Gianluca Morozzi e fotografie
dipinte da Andrea Samaritani si intrecciavano in un’unica esperienza, fino al
dvd live del 2010, che catturava l’energia dei concerti. Poi Live in Rock’a
(2012), con la sua forza immediata, e Sangue e polvere, che ha
raccontato il dolore e la resilienza dopo il terremoto emiliano. Non si può
dimenticare il riconoscimento europeo per Meticcio (2014), l’apertura
internazionale di Mongrel (2016), fino alla delicatezza acustica di Fra
Rovi & Rose (2020). Ogni disco ha lasciato un segno diverso. Come se
Strada stesse scrivendo un unico diario: corde di chitarra, parole, inchiostro.
Ogni capitolo racconta un pezzo della sua vita e del nostro tempo.
I brani scorrono come pagine di un diario imperfetto, pieno
di spigoli e annotazioni a margine. Basta crederci un po’ mi ha colpito
subito. Un elettro-blues ipnotico che mette a nudo la finzione dei social: vite
curate a tavolino, sorrisi costruiti. Ascoltandolo, ho pensato alle persone che
conosciamo ogni giorno e a quanto ci raccontiamo versioni di noi stessi che non
esistono davvero.
Ballando in città è un respiro leggero nel disco. Ti fa
scivolare in un mondo sospeso, dove tutto sembra possibile e nessuno riesce
davvero a rovinare i sogni. Mi ha fatto sorridere, e per un attimo ho
dimenticato la gravità dei temi del disco.
Parlavo da solo è quasi un monologo interiore. Entrare in quella
testa significa seguire dubbi, rimpianti, scoperte improvvise. Non è facile da
seguire, ma ogni ascolto rivela piccole verità, frammenti che cercano una
conclusione sempre in sospeso.
Non ti dirò ti amo parte ruvida, quasi a voler
respingere, e poi sboccia in un ritornello fresco e luminoso. Non è mai
sdolcinata. Parla di un amore imperfetto, fatto di gesti e dettagli, fragilità
e onestà. L’ho percepita come una carezza inattesa, tra parole e silenzi.
Manca il respiro ti prende allo stomaco. È un pugno lento e
inesorabile. Strada racconta la frustrazione di non essere diventati ciò che
sognavamo da ragazzi, senza indulgere nel vittimismo. Rabbia e tenerezza si
mescolano: la consapevolezza dei propri limiti diventa un sentimento vero,
tangibile.
Girasoli è un brano silenzioso e pesante, che prende le mosse dalla
storia di Federico Aldrovandi, il diciottenne ferrarese morto nel 2005 durante
un controllo di polizia. John Strada sceglie di raccontarla con delicatezza e
rigore, senza indulgere ma senza nemmeno trasformarla in slogan: la voce resta
ferma, il dolore non viene attenuato, e la musica diventa un’ombra discreta che
accompagna l’ascoltatore, costringendolo a riflettere sulla violenza, sulla
paura e sull’ingiustizia che possono ancora attraversare le nostre vite.
La scuola è finita esplode in energia e leggerezza. I
cori di ragazzi e ragazze portano il brio della gioventù, la voglia di libertà,
di non piegarsi al mondo degli adulti. Ti fa battere il cuore e ricordare
l’euforia di quei momenti in cui tutto sembrava possibile.
Amore social racconta delusione e attesa che non viene ricambiata.
Lui aspetta, lei non arriva. Nella voce di Strada c’è tutta la fragilità e la
speranza di chi si affida a un legame costruito a distanza. Ti fa sentire amore
e vuoto nello stesso istante.
La vita va restituisce una sensazione di sospensione. Giorni uguali,
promesse non mantenute, routine che non lascia scampo. È il racconto di un
disadattato che osserva il mondo dalla sua finestra, senza illusioni, e ti
porta con sé nel suo piccolo universo.
Giocattoli rotti è la ballata più dolorosa del disco. Rimpianti,
ricordi, tentativi di aggiustare ciò che ormai è spezzato. Ogni ascolto lascia
un peso, un’amarezza sottile, che si mescola alla bellezza della melodia.
Infine, “La tygre e l’agnello” chiude l’album con un colpo secco.
Il ritmo incalzante e la voce parlata disegnano immagini forti. Il titolo
richiama le poesie di William Blake (The Tyger e The Lamb), che
interrogavano la doppia natura dell’essere umano, tra ferocia e innocenza. Qui
quell’immaginario viene spostato nel presente: un racconto crudo sul
femminicidio, senza risposte rassicuranti, solo un’inquietudine che resta
addosso.
Basta crederci un po’ è un disco che guarda la realtà senza filtri, senza paura di
alternare leggerezza e dolore. John Strada ci accompagna in un mondo che
conosciamo bene: fragilità e illusioni, ma anche resistenza e speranza. Basta
davvero crederci un po’? Forse sì. Almeno nella musica che non smette di
raccontarci chi siamo.
E in quel racconto c’è qualcosa che va oltre le parole e le
note: c’è lo spazio per fermarsi un attimo, per riflettere sulle nostre
giornate, sui gesti imperfetti, sulle emozioni che cerchiamo di nascondere.
Ascoltando questo album, ti accorgi che credere non è solo un atto di fiducia o
ottimismo: è un modo di restare presenti, di continuare a osservare, amare e
sorprendersi. In ogni canzone c’è la pazienza della vita che scorre, e la forza
gentile di chi, come Strada, sceglie di raccontarla senza filtri, con
sincerità, senza mai scadere nel semplice buonismo. Alla fine, Basta
crederci un po’ ti lascia con la sensazione di aver percorso insieme un
piccolo viaggio intimo, fatto di luci e ombre, di dolore e di dolcezza, un
viaggio in cui riconosci te stesso ad ogni passo.
RocKalendario
del secolo scorso – Settembre
di Riccardo Storti
1955 – 10 settembre. Il primo successo di Chuck Berry, Maybelline, raggiunge la posizione più alta in classifica, il numero 5 nella Billboard Top 100. Quando Berry portò per la prima volta la canzone a Leonard Chess, il brano si intitolava Ida May, ma il proprietario della casa discografica pensò che fosse "troppo rurale".
Così, notando una scatola di mascara sul pavimento dello studio, Chess esclamò: "E che cavolo! Perché non chiamiamo questa dannata cosa Maybelline?", modificando accortamente l’ortografia per evitare problemi con la nota azienda di cosmetici.
1965 – Il 25 settembre negli USA balza al n. 1 dell’Hit Parade, la controversa Eve Of Destruction di Barry McGuire. Siamo in piena Guerra Fredda e il tema cupo e apocalittico del brano fu così divisivo da essere bandito dalla programmazione di alcune radio statunitensi. Pensate che la canzone fu inizialmente offerta ai Byrds, che però la rifiutarono, mentre i Turtles ne incisero una versione, pubblicata nel loro album di debutto del 1965 (It Ain't Me Babe), poco prima che fosse registrata quella di McGuire.
Il cantante, anni dopo, ricordò che Eve of Destruction era stata registrata in una sola sessione di registrazione, un lunedì mattina (12 luglio), leggendo il testo scarabocchiato su un foglio accartocciato. Il giovedì successivo, alle 7 del mattino, ricevette una telefonata dalla casa discografica che gli consigliò di accendere la radio: quella canzone stava passando già in onda.
1975 – È Settembre quando esce uno dei capolavori assoluti del jazz-rock italiano: La Valle dei Templi del Perigeo. La copertina resta un’icona e anche il disco è divenuto presto una pietra miliare tale da sevidenziare la maturità del gruppo. Dopo l’esordio di Azimuth e il bis con Abbiamo tutti un blues da piangere, questo nuovo disco impone il Perigeo all’attenzione di un pubblico sempre più vasto.
Oltre al title track, si distinguono i guizzi frizzanti dell’opener Tamale e di Looping, l’ossessivo 5/4 di Il mistero della Firefly, l’intimismo da colonna sonora di Pensieri e di Alba di un mondo, i passaggi carioca di Cantilena e le evocazioni tra fusion e World Music nella conclusiva Un cerchio giallo. In line-up, oltre al consolidato quintetto (Biriaco, D’Andrea, Fasoli, Sidney e Tommaso), si aggiunge la presenza di Tony Esposito con le sue percussioni.
1985 – 3 settembre. Steve McQueen sbarca in USA. No, non si tratta dell’attore, bensì dell’album della pop band inglese Prefab Sprout che, in primavera, aveva pubblicato il disco in Gran Bretagna, mentre l’uscita negli States mutò titolo in Two Wheels Good, probabilmente ispirandosi alla moto cavalcata dal cantante e chitarrista Paddy McAloon, ritratta in copertina.
Un album che vendette tantissimo grazie soprattutto ai singoli When Love Breaks Down, Appetite e Goodbye Lucille #1.
1995 – 21 settembre, irrompe Buon compleanno Elvis di Luciano Ligabue. Abbandonato il ticket con la storica band d’appoggio dei Clan Destino, Liga balla da solo dando alle stampe un disco più vicino alle radici rock, blues, se non addirittura, folk rock: l’acustico e l’elettrico convivono placidamente tra ballad e r’n’r.
Sarà un successo di vendite da paura anche grazie ad una serie di singoli (Certe notti, Viva!, Hai un momento, Dio?, Quella che non sei, Seduto in riva al fosso, Vivo morto o x e Leggero) che faranno da traino alla diffusione del 33 giri. Tra i musicisti, l’hammondista Pippo Guarnera, che alcuni di noi ricordano quale collaboratore dei Napoli Centrale e di Eugenio Finardi.
L’IMPERO DELLE OMBRE - “Oscurità”
Di Andrea Pintelli
L’Impero Delle Ombre, ormai a tutti gli effetti fra i
principali gruppi di doom metal a livello europeo (pur se il cantato è in
italiano), ha rilasciato il quarto album dal titolo Oscurità. Pubblicato, ovviamente, dalla Black
Widow Records (gloria sempre), si pregia di andare ancor più in profondità
rispetto ai loro lavori precedenti, o meglio, verso l’abisso delle tenebre,
alla ricerca di sonorità sofferte, ispirate, energiche, tetre, incisive. Un
insieme di escursioni che i componenti del gruppo hanno effettuato nei meandri
dei luoghi più proibiti e oscuri, appunto, della psiche umana per proiettare sé
stessi nelle loro composizioni; a noi fruitori il compito di accettare la sfida
di rivivere le storie raccontate, sostituendo idealmente i ragazzi della band,
qui nella terra della finta luce.
Il Mio Ultimo Viaggio è posta come prima traccia, e titolo più appropriato non potevano partorire. Ambientazione doom “in purezza”, iconica, arcana: otto minuti di lento e inesorabile tragitto verso il riposo eterno, verso il luogo in cui tutti finiremo. Straziante nelle atmosfere, deprimente, ma atrocemente vera.
Si prosegue con Zulphus Et Mercurius, con clavicembalo e flauto ad introdurne i contenuti. Un breve incipit che lascia spazio ad atmosfere doom, ma contaminate da spunti hard rock e da un lirismo che lascia il segno. Il tappeto sonoro tastieristico aiuta moltissimo il risultato finale che il gruppo si è prefissato.
Lacrime nella Pioggia, annunciata da un temporale nefasto e da un inusuale sax, ha andamento maggiormente sostenuto rispetto alle canzoni precedenti, ha tiro ed è straniante quanto basta per solleticare la fantasia dell’ascoltatore. Un ottimo esempio di qualità compositiva mai fine a sé stessa. Sicuro e inquietante l’assolo di chitarra.
Dagon, ispirato dal racconto di H.P. Lovercraft, si avvale di un coro iniziale per definirne il contesto, con al centro la narrazione che, come scattante serpente si insinua nella nostra immaginazione, cercando di approntarla a tanta inattesa e granitica resa sonora. Le tastiere disegnano i profili dei protagonisti come fossero dei miraggi, lontani e impalpabili, ma in realtà vicinissimi.
Macara è doom metal fin dalla prima nota e rende omaggio al cinema horror italiano del secolo scorso, rendendo esplicito uno degli argomenti d’ispirazione de L’Impero Delle Ombre. Possessioni e follia si intersecano per regalare attimi di puro terrore, angoscia e inquietudine. Un film in musica.
La Taverna del Diavolo, ossia quel posto tristemente leggendario (realmente esistito) in cui si organizzavano atrocità e attività deprecabili. Le sonorità del pezzo sono più fosche e minacciose che mai, atte a rappresentare gli affreschi demoniaci apparsi all’interno dello sconvolgente locale.
Il Gatto Nero, chiaro omaggio a E.A. Poe il cui titolo è tratto da una sua narrazione, parte con marcata potenza e folle mistero, dipanandosi in un devoto omaggio all’autore americano. Lodevole il lavoro delle chitarre, che si incrociano, si attraversano, procedono insieme in un apprezzabile scontro/incontro.
Circolo Spiritus Navona 2000 chiude il lavoro ed è un trionfo esoterico di prim’ordine. Siamo ora in pieno italian dark sound, dove il doom si mischia col prog, in cui gli accenti metal si stringono a quelli rock, mentre le esposizioni di diversi cambi di tempo (davvero ben suonati) vanno di pari passo con le tante investigazioni interiori.
Personalmente seguo questa band dalla loro prima uscita
discografica, omonima, risalente al 2004, cui fecero seguito “I Compagni di
Baal” del 2011 e “Racconti macabri, vol. III” del 2020, e ora questo
“Oscurità”, e in essi sono evidenti sia la crescita professionale della band,
che l’evoluzione sonora della loro proposta, fermo restando che ognuno brilla
di bagliori neri sempre differenti, portando volutamente ombre e raggi
deprimenti, e sono da considerare una (importante) storia a sé. Cemetery rock,
lo chiamano: io credo sia qualcosa (molto) di più. Abbracci diffusi.
Tracklist:
1)
Il Mio Ultimo Viaggio
2)
Zulphus Et Mercurius
3)
Lacrime nella Pioggia
4)
Dagon
5)
Macara
6)
La Taverna del Diavolo
7)
Il Gatto Nero
8) Circolo Spiritus Navona 2000
Componenti:
GIOVANNI
“John Goldfinch” CARDELLINO: VOCE, CORI, INVOCAZIONI
ANDREA
CARDELLINO: CHITARRA RITMICA, SOLISTA E ACUSTICA
ROBERTO
“Rob” URSINO: CHITARRA RITMICA
VINCENZO
“Vinz” CERIOTTI: BASSO
DAVIDE
“Dave” CRISTOFOLI: TASTIERE
MICHELE
“DrumHead” ERCOLANO: BATTERIA e PERCUSSIONI
Ospiti:
Tommy
“Sadist” Talamanca: solo di chitarra centrale in “Macara”
Giacomo
Petrocchi: Sax tenore in “Lacrime nella pioggia”
Pietro
Ragozzi: violino in “Dagon”
Daniela
e Giorgia from Busto: cori femminili in “Dagon”
“Lovecraftian choruses of Dagon”: John, Andrea, Rob, Vinz
L’IMPERO DELLE OMBRE
Per contatto col sottoscritto: andrea.pintelli@gmail.com
ARPIA
Festa Grande
Concerto Per i 40
Anni
Black Widow
Di Giancarlo Bolther
Una celebrazione ha sempre un sapore forte,
che sia dolce o amaro poco importa, è segno di un percorso artistico che ha
lasciato il segno. Questa band romana rappresenta un unicum sia nel nostro
panorama nazionale sia in quello internazionale, essendosi distinta per
originalità. La prima cosa che colpisce è che nonostante gli anni, la
produzione pubblicata sia relativamente misurata.
Recentemente il gruppo sta conoscendo una
“nuova giovinezza”, grazie all’interesse che diversi esponenti del settore
discografico hanno dimostrato nei loro confronti. Tutto è iniziato con la
ristampa su vinile dei loro primi lavori, De Lusioni, Bianco
Zero e Metamorfosi. Questo ha risvegliato il pubblico e
la band stessa che, pur non avendo mai smesso di comporre e lavorare, in questi
lunghi anni non ha mantenuto contatti con i suoi sostenitori.
La caratteristica prima che rende originale
la proposta degli Arpia è lo stretto
legame con la letteratura. Leonardo non è solo un musicista, è un vero
appassionato di letteratura, fa l’insegnante e ha pubblicato dei romanzi molto
apprezzati (due dei quali musicati dalla band), inoltre è anche un regista
indipendente e i suoi lavori hanno riscosso l’interesse della critica di
settore. Da notare che il teatro dove si è svolto questo concerto non è stato
scelto a caso, prende il nome da una tragedia di Pasolini del 1966 e al grande
intellettuale la band si è ispirata. I riferimenti letterari presi in
considerazione spaziano dalle cantiche medievali alla poesia contemporanea. In
A tutto il personale è trasformato in poesia perfino un ordine di servizio di
una società. Nella versione dvd si possono apprezzare gli interventi di
introduzione ai brani, che non sono presenti nei due cd.
La discografia della band passa poi per
lavori significativi, come Liberazione, Racconto D’Inverno e Terramare. Tutti
tasselli di una storia che non ha esaurito di svelare le qualità di questi
artisti. Colpisce anche il fatto che il nucleo del gruppo, composto da Leonardo
Bonetti alla voce, basso e chitarra acustica, Fabio Porcini alle chitarre e
Aldo Orazi alla batteria, sia rimasto inalterato in tutti questi anni. Alla
formazione si è recentemente aggiunta la cantante Valentina Citti, un cognome
che agli appassionati di Pasolini non dovrebbe suonare inedito.
Musicalmente il percorso della band parte da
un doom classico che col tempo si è evoluto verso un prog rock, sempre a tinte
oscure. Il lato dark degli Arpia però non è determinato da un amore per le
tematiche oscure o esoteriche, piuttosto è esistenziale e drammatico, in senso
teatrale, più vicino alle tragedie greche che alla letteratura tardo romantica.
L’amore per l’heavy metal che accomuna tutti e tre i musicisti si è aperto col
tempo a strutture più ambiziose, che troviamo soprattutto negli ultimi lavori.
Da non trascurare poi il cantato in italiano, lingua che da sempre è difficile
innestare nel rock, sorprende la bravura di questi artisti nel far funzionare i
testi.
Questo doppio cd con dvd contiene un excursus
esaustivo di quanto prodotto dalla band, ma soprattutto sono presenti molti
inediti che, da quanto annunciato dal gruppo, troveranno posto sulla loro
produzione futura, hanno già in cantiere la lavorazione di un nuovo album.
Ottima la registrazione, che permette di
ascoltare bene sia le parti vocali che quelle strumentali, restituendo
un’esperienza totalizzante, sia per chi, come me, era presente all’evento, sia
per chi non ha avuto questa opportunità. Fabio è un chitarrista molto preparato
e le sue parti di chitarra sono sempre misurate e dosate con efficacia, al
contempo Aldo fornisce un supporto ritmico essenziale e la pulizia della
registrazione consente di apprezzare nei dettagli il loro importante
contributo. Leonardo è come un cerimoniere, va oltre il ruolo di cantante, c’è
in lui un’attenzione alla recitazione che diventa parte integrante del suo
contributo artistico.
Come già indicato, ai due cd si aggiunge
anche il dvd col filmato integrale del concerto. Belle le riprese, che
mostrano, senza ombra di dubbio, quanto la dimensione teatrale sia congeniale
alla musica della band. Inoltre, i filmati restituiscono la dimensione reale di
quanto è accaduto sul palco di Ostia fin nei minimi dettagli. Testimonianza
integrale di una serata magica.
Festa Grande non è il sigillo su una carriera distintiva e fuori dai soliti schemi, è anche anticipazione di nuove trame sonore che siamo già curiosi di poter dipanare.
